中外美术作品赏析

㈠ 中外优秀美术作品赏析论文

《撑阳伞的女人》Femme a l'ombrelle
作者: 克劳德 莫奈 Claude Monet

印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。

以"光为画面主角"的印象派最伟大的大师莫奈曾经画过二幅《撑阳伞的女人》，一幅作于1875年，一幅画于1886年。

首幅画里的采用仰视的角度来表现画面的人物，女人半侧着身子，衣褶因为她的转动也在旋转，动态的呈现着这一微妙的动作，而平衡女子动作的是她手持的阳伞。
阳伞的灰绿色调与天空融合在一起把人物既与画面结合又使人物跳出背静那澄明的天空动感在人们眼前。画面中的远处的小男孩儿又拉深了画面的层次感，不仅突出了撑阳伞的女人也把远处的天空显得更加高远。
但，在印象派中"光才是画面真正的主角"。在这幅画中，采用原色并列、重叠和补色手法，形成新的绘画语言。为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是黄、蓝并列，时而重叠，并把黄和绿、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。
光与影正是依托于这两个人物跳跃穿梭在人们眼帘中的。女人身后的天空如同水一般透明多变，仿佛一指就可以戳破。
阳光透过湛蓝的天空洒到女人的衣裙上，正因为光影的作用，女人的上半身色调昏暗表明她处于伞的阴影之下。 微风扬起的裙袂上有莫奈最擅长捕捉的光与影——蓝天的光彩、女子脚边墨绿的草与淡黄的花朵的颜色。它们反衬在女子的裙子上，袖肘上。女子脚下顺着微风倾斜的花草，仿佛可以闻到泥土与花草混合的清新气味。
用模糊大块的笔触来描绘，是莫奈在绘画技法上的一大特点。这也是印象派不注重所描绘的主题本身而注意光影的需要所产生的必然结果。在这幅画中，我们尚且可以看出撑伞女人的外貌，但是她和她构成三角型起稳定画面作用的儿子的面貌却被简化成了仅有两个黑洞洞眼睛长相的人。
可是，也正因为这样，我们不必纠缠在画面的技法上而能把更多的心思花在画面所传递的，清晨，母亲和孩子散步的惬意及其中的微风，蓝天那种恬静美好当中。

所以印象派的胜利在于它不仅仅是开拓了一条奇路使人们耳目一新更在于它可以把画家自身的感受记录下来传递给他人。这种心灵上的震撼是其他流派所无法比拟的。
从中也可看出当时莫奈初期作品风格强调瞬间的感官色彩来搭建一座用色彩构成的绚丽的世界。突破当时束缚绘画的古典主义，把绘画从单纯的照物写实中解放出来，开拓了一条用眼睛捕捉"瞬间美好"的新的绘画流派。

作于1886年的《撑阳伞的女人》和第一幅画在构图上相差不远，人物在衣着上更是如出一辙。但，比起第一幅，人物处于更次要的位置，印象派很少画人物，风景中的色彩变化才是莫奈的永恒主题。所以第二幅《撑阳伞的女人》足以看出莫奈及整个印象派的走向。

画中大块的墨绿和棕红的，凝重的颜色。不再看见早期注意天空光影的纠缠和光影对人物的影响，换而之是大块更大块的颜色铺成一幅画甚至连人物本身都只是画中颜色的一部分（上一幅中女人的尚可辨认的面目在这里彻底被简略掉）。或者说我们可以感受到画面里的风不再是清晨的微风而是夕阳落下的晚风，吹的人物身后的云彩在大块急速的运动，炽热的阳光照在草上淹没了女人的脚，女人上半身因为撑阳伞形成的阴影和下半身被阳光照耀仿佛要燃烧的裙子形成强烈的对比，加上飘扬的纱巾给人以视觉冲击。
两副几乎同样的以撑阳伞的女人为主题的作品，但是意境却相差万里。这就是印象派的核心所在——此时此刻的光和影。而光与影永远在变，水中的浮光掠影，空中的色彩万千，地上的花朵妖娆。不变的是对影的捕捉对光的追随。

这件作品是莫内早期的印象技法画作。画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。

整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。画中的女仕占了画面大部份的空间，成为画的趣味中心。但左侧的小儿子与阳伞和女仕也构成一个三角形，得到一个平衡的作用。

虽然此画是莫内早期的作品，但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女仕面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女仕衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），就如现实中看到的一样。另外，女仕摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感

㈡ 中外优秀美术作品赏析 论文

《撑阳伞的女人》Femme a l'ombrelle
作者: 克劳德 莫奈 Claude Monet

印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。

以"光为画面主角"的印象派最伟大的大师莫奈曾经画过二幅《撑阳伞的女人》，一幅作于1875年，一幅画于1886年。

首幅画里的采用仰视的角度来表现画面的人物，女人半侧着身子，衣褶因为她的转动也在旋转，动态的呈现着这一微妙的动作，而平衡女子动作的是她手持的阳伞。
阳伞的灰绿色调与天空融合在一起把人物既与画面结合又使人物跳出背静那澄明的天空动感在人们眼前。画面中的远处的小男孩儿又拉深了画面的层次感，不仅突出了撑阳伞的女人也把远处的天空显得更加高远。
但，在印象派中"光才是画面真正的主角"。在这幅画中，采用原色并列、重叠和补色手法，形成新的绘画语言。为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是黄、蓝并列，时而重叠，并把黄和绿、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。
光与影正是依托于这两个人物跳跃穿梭在人们眼帘中的。女人身后的天空如同水一般透明多变，仿佛一指就可以戳破。
阳光透过湛蓝的天空洒到女人的衣裙上，正因为光影的作用，女人的上半身色调昏暗表明她处于伞的阴影之下。 微风扬起的裙袂上有莫奈最擅长捕捉的光与影——蓝天的光彩、女子脚边墨绿的草与淡黄的花朵的颜色。它们反衬在女子的裙子上，袖肘上。女子脚下顺着微风倾斜的花草，仿佛可以闻到泥土与花草混合的清新气味。
用模糊大块的笔触来描绘，是莫奈在绘画技法上的一大特点。这也是印象派不注重所描绘的主题本身而注意光影的需要所产生的必然结果。在这幅画中，我们尚且可以看出撑伞女人的外貌，但是她和她构成三角型起稳定画面作用的儿子的面貌却被简化成了仅有两个黑洞洞眼睛长相的人。
可是，也正因为这样，我们不必纠缠在画面的技法上而能把更多的心思花在画面所传递的，清晨，母亲和孩子散步的惬意及其中的微风，蓝天那种恬静美好当中。

所以印象派的胜利在于它不仅仅是开拓了一条奇路使人们耳目一新更在于它可以把画家自身的感受记录下来传递给他人。这种心灵上的震撼是其他流派所无法比拟的。
从中也可看出当时莫奈初期作品风格强调瞬间的感官色彩来搭建一座用色彩构成的绚丽的世界。突破当时束缚绘画的古典主义，把绘画从单纯的照物写实中解放出来，开拓了一条用眼睛捕捉"瞬间美好"的新的绘画流派。

作于1886年的《撑阳伞的女人》和第一幅画在构图上相差不远，人物在衣着上更是如出一辙。但，比起第一幅，人物处于更次要的位置，印象派很少画人物，风景中的色彩变化才是莫奈的永恒主题。所以第二幅《撑阳伞的女人》足以看出莫奈及整个印象派的走向。

画中大块的墨绿和棕红的，凝重的颜色。不再看见早期注意天空光影的纠缠和光影对人物的影响，换而之是大块更大块的颜色铺成一幅画甚至连人物本身都只是画中颜色的一部分（上一幅中女人的尚可辨认的面目在这里彻底被简略掉）。或者说我们可以感受到画面里的风不再是清晨的微风而是夕阳落下的晚风，吹的人物身后的云彩在大块急速的运动，炽热的阳光照在草上淹没了女人的脚，女人上半身因为撑阳伞形成的阴影和下半身被阳光照耀仿佛要燃烧的裙子形成强烈的对比，加上飘扬的纱巾给人以视觉冲击。
两副几乎同样的以撑阳伞的女人为主题的作品，但是意境却相差万里。这就是印象派的核心所在——此时此刻的光和影。而光与影永远在变，水中的浮光掠影，空中的色彩万千，地上的花朵妖娆。不变的是对影的捕捉对光的追随。

这件作品是莫内早期的印象技法画作。画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。

整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。画中的女仕占了画面大部份的空间，成为画的趣味中心。但左侧的小儿子与阳伞和女仕也构成一个三角形，得到一个平衡的作用。

虽然此画是莫内早期的作品，但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女仕面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女仕衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），就如现实中看到的一样。另外，女仕摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。

㈢ 对中外美术大师及其作品的看法

我最喜欢的是《城市之舞》，1883年雷诺阿现藏于巴黎奥塞美术馆。。前些天刚从中国美术馆花了128买了一幅装裱的，虽然买不起原画，但还是很开心。。。
优雅的城市之舞，由一位本身也是画家的女性苏珊.瓦拉东代言。雷诺阿无意显示她的专业特质，依旧将她描绘成柔婉的传统女性。
他的早期作品是典型的记录真实生活的印象派作品，充满了夺目的光彩。然而到了（18世纪）80年代中期，他从印象派运动中分裂出来，转向在人像画及肖像画，特别是妇女肖像画中去发挥自己更加严谨和正规的绘画技
他曾说过：“为什么艺术不能是美的呢？世界上丑恶的事已经够多的了”。在平时画画的很多时候，我总是会带着自己的情绪去话。。。不知道是好还是。。不能像雷诺阿这样永远带给别人温馨、美好喜悦的一面，，，很惭愧，对与一位已经奔2的女孩来说却做不到，，，或许不是大师的缘故吧？？？，，雷诺阿还是女性形象的崇拜者，他说：“只有当我感觉能够触摸到画中的人时，我才算完成了人体肖像画”。雷诺阿，虽然经历也坎坷，但他的笔下，却一直是“不让你的眼睛，看见人世的伤心”，他花费一生的时间，去描蓦生命的喜悦、圆满、美好，看着那些画，那样明亮的色泽，那样洋溢着生命力，即使我们明知，人生不如意事，十之常有七八，人生不是只有晴天，更多的时候，甚至是阴郁的，但我们也还是会被深深吸引，而且深信，这并不是痴人说梦，它们在，而且将延至永远。
只有想不到没有做不到 ！！！！ 世事的本相是：人有生老病死，怨憎会，爱别离，但是，也有明亮、美好、阳光……的一面，如雷诺阿的画，那是理想中的境界，也是事实的一种，并不是虚幻。
我喜欢这幅画的神秘感，宁静又不乏灵动感，那是一种期待的感觉，可能是我的好奇心所致，每幅画对于不同的人来说都会有不同的遐想、阐述、理解、以及意义...
中西的画个人认为不好去比较，只能各取所长吧。。互相借鉴。。共同发展。。

㈣ 中外有名画家的作品 也要作家名 列出画的名称和简介

绘画欣赏是提高审美能力，研究并吸取他人绘画经验与技能的重要而不可缺少的途径，是不能忽视的专业活动。平时参观美展，阅览各种画册、美术图片、美术报刊杂志等等，都是属于这种活动的内容。在美术基础学习的同时，如能重视美术欣赏，必将促进基础学习成绩的更快提高。

此章重点介绍部分中外美术家的水粉画作品，并作一些介绍和分析，提供给读者研究和参考。所介绍的作品，大多是属于创作性质的，这是由于考虑到创作所包含的艺术内容更为全面广泛，创作更能显示画家的风格与艺术水平。同时，在美术表现技法方面，可以提供广泛的借鉴和学习的机会。

崖下（水彩）
[英]理查德·帕克斯·波宁顿

这是一幅透明的水彩画，是19世纪英国水彩画繁荣时期代表画家的典型作品之一。通过欣赏，可以具体认识透明水彩画与不透明水彩画(即水粉画)在表现方法与艺术特色方面的不同。作品的主题是表现英格兰一个海湾中因潮汐而产生的船难场面。明亮山崖周围的山、海岸的沉暗色调和画面中的许多倾斜线，加强了险恶的恐怖气氛。画幅下面的人物动态和道具的处理也密切联系主题，表示出不幸和悲哀。

此画构图完整，造型严谨，浓淡色调对比强烈，水色充分、流畅而透明，笔法也非常随意而自然，具有传统水彩画的艺术特色。

作者在完成此作品不久，即因肺病而去世，时年26岁。

亨特是英国19世纪自然主义画家。他擅长表现水果、花木、飞禽、鸟巢等题材。作品形象逼真，为同辈人所望尘莫及。《迎春花与雀巢》是他画风发展到后期的典型作品，在此幅画中可以看到，他使用的细密画法，运用不透明颜色(水彩颜料和锌白混合)，用各种不同的点彩方法，细微、紧密而真实地表现出对象，线条紧凑，色彩生动。他很少使用长笔触。当时，曾有许多画家争相模仿这种精致的作画技巧。

迎春花与雀巢
[英]威廉·亨利·亨特

路易斯早年从事版画艺术，后来创作水彩画，至中年他旅游东方，在阿拉伯度过了十年时间，以画异国情调的中东风光而驰名。他以人物作为创作的重点，真实地反映出阿拉伯人民的生活。他用精美的线条、细巧的笔法和丰富的色彩、微妙的明暗调子，专门描写那优美环境中的异国风情人物。《哈利姆生活》就是该时期最佳代表作品之一。作品背景中的门窗、镜子、墙面纹样等错综复杂，但却处理得有条不紊，统一稳定，且显示出室内的空间效果。作品制作中所采用的手法是英国当时许多水彩画家普遍采用的，以透明水彩开始，然后用不透明水粉色深入刻画而完成的方法。

哈利特生活
[英]约翰·弗雷德利克·路易斯

拜德明不仅是水彩画家，也是一位版画家。他常用透明的水彩色与不透明的水粉色结合作画。他对自然具有莫大的兴趣与热情，喜欢将景物中所看到的一切不厌其烦地描绘出来，对细节也要求画得尽善尽美。但这些细节都仍能统一在画面整体之中，成为不可缺少的组成部分。他继承文艺复兴时期的传统，以真实表现大自然的本来面目而形成与众不同的个人画风。《莱特利之春》是具有装饰风味的风景画，构图内容极其繁杂，在起伏不平的坡地上，景物层层重叠，从地面引向天际，整体关系处理得有条不紊，表现出乡村风光浓浓的春意和生气勃勃的和平景象。景色中所有的树丛、房屋、牛羊等等不管在远或近处轮廓都很清楚，并描绘得十分具体。品种繁多的树木，形体结构不同的房屋，也表现得富有变化而完美。屋边牛羊成群，活动在静谧的乡景之中，阳光和煦、树叶闪跃出早春特有的嫩绿光彩，这是一幅风格别致，富有情趣，具有水粉画艺术特色的风景画。

莱特利之春
[英]斯坦莱·罗伊·拜德明

这是前苏联画家布特里斯的两幅不同题材、不同构图、不同色调、画风粗犷、色彩浓重的不透明水彩画。这类水彩画，基本上都是使用透明色与不透明色结合起来绘制的，可以说大部分色层都遮盖了纸面，失去了透明感，所以我们可以认为是属于水粉画范畴。这两幅画在表现手法上，强调单纯鲜明的色彩与粗犷的深黑粗线条结合起来，色彩强烈明亮，使画面效果显示出力量，具有版画的某些艺术特点。

5.立陶宛风景[苏]布特里斯

《立陶宛风景》描绘的是丘陵山村风光。构图中景物的疏密安排、色调的浓与淡、曲线与直线、大地的静穆与云天的流动等等，具有韵律感。景物的造型极其简练，笔触肯定明确而有力。弧形起伏的曲线，是画面的基本结构因素，优美而浑厚。近处和远处垂直站立的四座锥形景物与建筑物的平行线、垂直线、曲线形成对比的美感，同时也使画面产生稳定感。红与绿、橙与青等对比补色的运用，使色感鲜明，画面暗而不闷，既有对比又能谐调。

6.克拉依别斯基港
[苏]布特里斯

《克拉依别斯基港》表现的是港口码头场景，构图具有对称形式特有的庄重感。画面中的垂直、平行、倾斜等复杂的直线是画面结构主要的形式因素，这直线群使主题表现得强烈而有力度，而画正中的圆形太阳和椭圆拱门的弧形，与周围的直线形成刚柔相济之美。色调与前一幅不同

㈤ 中外著名画家美术作品及其表现形式特点

谈到齐白石，对这位“中国人民杰出的艺术家”、“世界文化名人”，不少中青年也许感到不熟悉，这里只从外国画家对他的评价说起，谈谈白石老人的影响。
西班牙艺术大师毕加索曾说：“我不敢去你们中国，因为中国有个齐白石。”
齐白石是我们所崇敬的大师，“是东方一位了不起的画家！”（毕加索语）。齐白石与吴昌硕、黄宾虹、潘天寿等不同，齐白石不是一位传统意义上的文人画家，其成功之处在於：他从文人画家统治了数百年的中国画领域，以一个农夫的质朴之情、以一颗率真的童子之心、运老辣生涩的文人之笔，开创出文人画坛领域前所未有的境界。这种境界，得到了传统文人阶层与广大平民百姓的交口称赞，从而确立了齐白石在画坛上的历史性地位。他的绘画充满了泥土芬香、生活气息，其作品既师造化又师古人，达到了民间艺术与传统艺术的统一，写生与写意的统一，工笔与意笔的统一，无限生机跃然纸上。
1956年6月张大千曾去拜访毕加索，三次而不得接见。张大千是一个不达目的不罢休的画家，最后还是见到了毕加索，毕加索不说二话，搬出一捆画来，张大千一幅一幅仔细欣赏，发现没有一幅是毕加索自己的真品，全是临齐白石的画。看完后，毕加索对他说：“齐白石真是你们东方了不起的一位画家！……中国画师神奇呀！齐先生水墨画的鱼儿没有上色，却使人看到长河与游鱼。那墨竹与兰花更是我不能画的。”他还对张大千说，“谈到艺术，第一是你们的艺术，你们中国的艺术……”“我最不懂的，就是你们中国人为什麼要跑到巴黎来学艺术？”西方一位大画师，这样评价齐白石，由此可见齐白石的价值。
齐白石把生活中感兴趣的和较熟悉的一切事物统统都搬进了他的画面上。他的选材突破了单纯的民间画、学院画之间的森严界限，历史上从未有过任何画家具有他这种罕见的表现现实世界的热情，他把平凡普通的事物作为画材从而使自己的画达到了空前的丰富。
蛙声十里出山泉名画赏析关于齐白石《蛙声十里出山泉》的鉴赏和评价
画青蛙，只画几只蝌蚪逆水而游动，旁边是山石。据说这是老舍出题，有好多画家参与，最后公认齐白石的最好。为什么呢？
原来，欣赏艺术作品（包括文学作品，特别是诗歌），都离不开鉴赏者的生活经验，，人们依据做平所寄托的意象，也就是画面的形象，唤起生活积累，展开联想和想像，从中就会感受到一种艺术美，将画面还原成生活现实。
具体来说，由画面上那几只蝌蚪，我们想到，蝌蚪是青蛙的卵变成的，自然就想起青蛙；青蛙在交配前，都有一段谈情说爱的日子，他们不停鸣叫，，这就是“听取蛙声一片”。所以说，没有青蛙就没有蝌蚪，换句话说，有蝌蚪必定有青蛙。
再看画面上的蝌蚪，它们逆水而游，并非顺水而下，这意味着，这里是它们的故乡，这里有它们的爸爸妈妈，它们不能离开这里。那它们的父母又在何处呢？也许，它们正躲在旁边的大石底下，饶有兴趣的看着自己的子女在嬉戏呢。只不过，画面上没画出它们罢了。
主要作品：
虾趣图 千帆过尽图 古人造像
齐白石墓
位于海淀区魏公村西南原湘潭公墓内。墓南北向，占地88平方米，墓地为方形磨石拼接而成，两墓并立，西侧为其继室胡宝珠之墓，周围植有松墙。1982年重修，碑文为李苦禅所书。齐白石（1863－1957），杰出的中国画家，曾任中国美术家协会主席，北京中国画院名誉院长等职。
齐白石墓墓地是质朴无华，和他那水墨画卷一样。墓前的碑石是用花岗石镌刻的，字是篆体。这是齐白石生前亲自预备下的，上面写着“湘潭齐白石墓”六个大字。旁边是他继室胡宝珠的墓。
齐白石作品集
《蛙声十里出山泉》、《古树归鸦 》、《 逋蝶 》《罗浮觅句图》 、《借山吟馆诗草》、《白石诗草》、《白石印草》、《白石老人自传》、《齐白石全集》

㈥ 简述中外儿童美术作品的区别

国外的作品比较注重创意，所以很随性，国内的注重模仿，所以比较循规蹈矩

㈦ 结合1,2幅中外经典美术鉴赏作品，谈谈中国与西洋画的区别

最主要的是透视和表现方法的区别，中国是多视点透视。西画是单视点透视。而表现方法上中国画是以抓特征为主而西画是写实为主。但要详细了解中国画和西画的区别，起码应该是一本厚厚的教科书吧。

㈧ 列举中外美术史上著名艺术家及作品

中外美术史上著名艺术家及作品包括：

1达芬奇 《蒙娜丽莎的微笑》《 最后的晚餐》

2爱德华· 孟克 《呐喊 》

3米勒 《拾穗者 》

4拉菲尔《西斯廷圣母》

5米开朗琪罗《大卫》

6莫奈《日出》

7凡高《向日葵》

8塞尚《红纱发上的塞尚夫人》

9毕加索《格尔尼卡》

10拉斐尔 《 披纱女子像》《椅中圣母》

11梵•高《星夜》、《向日葵》。

12塞尚 《穿红马甲的孩子》、《红椅上的塞尚夫人》、《静物》等

13高更.《拿水果的妇女》

14丢勒《拾麦穗者》

15徐悲鸿 《八骏图》、《愚公移山》

16齐白石（《虾》、《蟹》、《牡丹》、《牵牛花》、《蛙声十里出山泉》等等

17张大千（《来人吴中三隐》、《石涛山水》、《梅清山水》

18林风眠《海滨》

19关山月《嘉陵江码头》、《岷江之秋》、《黄河冰封》及《祁连放牧》

20刘海栗《夕阳》、《河边》、《湖光》、《塞纳河桥》

㈨ 举例说明一下中外美术作品的艺术美

美术作品的艺术美

一、艺术美的来源。美术作品艺术美究竟意味着什么，它与现实生活、艺术家的创造，美术语言等有什么样的关系，则是需要认真加以思考才能给予回答的。美术作品的艺术美与自然美、现实美以及人类的社会生活形态具有很大的差别，但从根源上看，前者来源于后者，也就说，只有实现生活才是艺术作品中艺术美的源泉。什么是现实生活呢？从它的范围来说，就是多种生活（政治生活、经济生活、文化生活等等）的相互渗透、相互联系的现实整体，或者说我们每天置身于其中的活生生的现实情境本身。从价值上来说，它既包含着真善美，也有假恶丑。每个时代都有其自身的当代性。从这种意义上说，任何时代的美术作品中的艺术美首先就是反映了这种当代性的社会生活的结果。艺术作品中的艺术美不仅来自现实生活，而且自然界的美。印象派美术作品中光和色，中国画山水中意境的特定美感都是艺术家们研究自然，“外师造化”，“行万里路”的结果。所以，美术作品中的艺术美从根本说，来源于人类的现实生活，来自对大自然的深切感受，是美术家对社会生活和自然界的审美体验的物化形态。毛泽东有精辟的论述：“人民生活中本来存在着文学艺术原料的矿藏，这是自然形态的东西，是粗糙的东西，但也是最生动、最丰富、最基本的东西；在这点上说，它们使一切文学艺术相形见绌。它们是一切文学艺术的取之不尽，用之不竭的唯一源泉。
二、艺术美的特征。黑格尔认为：“艺术美高于自然，因为艺术美是由心灵产生和再生的美，心灵和它的产品比自然和它的现象高多少，艺术美也就比自然美高多少”黑格尔在这里所说的“自然”不仅包括自然美，也包括社会生活。我们可以说现实生活总是处在流动、变化、转瞬即逝的状态之中，它就象奔腾不息的江河那样不能使自己停留。美术作品中艺术美则犹如一个水坝，能截住流动和生活，并把它们转化为包含了观念和意义的物质形态。这样，美术作品中的艺术美就超越了生活自身流动的特点而具有永恒性。在美术品中的艺术美中注入了美术家的理想和愿望，从而也就使它在思想上具有导向性，在情感上具有感染力。美术作品艺术美的另一大特征是它的创造性。现实生活及其美是原生态的，它就是它自身，而美术作品中的美，如上所述，则是艺术家对现实生活及其美进行观察、体验、思考的结果。美术家的特殊个性，理想和对生活的洞察力，能改造生活的原生形态而使其作品富有创造性。

艺术美是由艺术家通过美术的语言元素和语言规则创造出来的艺术所特有的美。美术作品中的艺术美不是同等于现实中的“漂亮”和“好看”，而是通过特定的美术现象表现出来的艺术自身的“美”。
构成形式的主要三个方面：
1，美术的语言元素
2，语言手段
3，语言规则

比如绘画，世界各国的绘画艺术表现形式大体上分可写实的、抽象的和意象的三大
类。
写实的，也叫具象绘画。20世纪以前的西方绘画，多是写实主义的。不
论是古典的绘画，还是当代的绘画，都是以精心描绘客观存在的事物为主。
丰富的色彩、惟妙惟肖的写照，产生了很多杰出的油画家、版画家。中国古
代最初也主张写形，《尔雅》说： “画，形也。”但不久，顾恺之就提出“传
神写照”的著名论点，即不但要画得像，还要画出事物的精神面貌。这一点，
西方 20 世纪以前的写实的绘画艺术和中国画形神兼备的绘画艺术的理论大
致相同，只是表现形式和绘画所用的工具和材料不同。
20 世纪以后，西方绘画由写实主义逐渐演变成各种现代流派，如印象
派、野兽派、立体派等。以后，由达达主义所开始的现代艺术，20 世纪 50
年代发展到高峰，60年代开始走向没落。达达主义认为：艺术是非理性的暴
露，口号是“破坏就是创造”。达达主义的代表人物是瑞士马塞尔·杜桑。
抽象和抽象主义并不是一回事。以中国的画史来说，由彩陶时期到春秋战国，
绘画是一种抽象的描绘，它充满了神话幻想的形象，但和现代的“抽象主义”
迥然不同。比如，西安半坡出土的彩陶盆上的人面鱼纹图形，就是一幅抽象
的图形。人面头顶戴着盛饰的三角形帽子，面颊及嘴角两边各衔着两条鱼，
面部眉以上、嘴以下都涂上了装饰性色彩。距离人面正前方，还有一条很大
的鱼。它表现什么内容呢？据考证，人面图形是氏族社会部落成员举行宗教
活动的化装形象，面颊及嘴角两边的鱼形纹，可能与图腾纹身有关。人口衔
鱼，大约是表现了渔猎季节开始时，人们祈求获得大量食物的愿望。这一富
有想象力的抽象艺术，表达了原始人对劳动生活的情感和认识。还有很多帛
画，塑造的都是充满浪漫主义的神话人物和迷信思想。它们是反映社会生活
中某种观念和人的情感的抽象绘画。抽象的艺术，给人以遐想，给人以美感，
是能为人们接受的。西方有很多艺术作品，如后期印象派绘画，是一些具有
生活情调的抽象艺术，看了同样非常令人神往。我们反对的只是那些荒诞的
作品。
还有一类，就是意象的绘画。这种绘画是中国所特有的，是在中国的土
地上生根、发芽、成长的一门艺术。它是几千年来中华民族绘画艺术的结晶，
是把书法、诗词与绘画交融在一起的美的创造。这种形式揭示了中国画的本
质——意象，是借物象以寄托作者思想、情感的艺术，是“物我合一”的艺
术表现。
什么是中国画的艺术美呢？
不同时代、不同阶级的人们对绘画的艺术美的评价是不一样的。以中国
的山水画来说，它是在长期封建专制政治的压迫及一般士大夫的利欲熏心的
现实之下，画家想超脱现实、回归自然，为了获得精神自由，借以保持精神
纯洁，陶冶情操，解除郁闷而逐步形成的。这是1000年来山水画所以成为重
点内容的原因之所在。
今天，我们处在一个朝气蓬勃的新时代。生活在这个时代，就应当用时
代的观念，正确理解时代的精神，用艺术形式表达出来。
缺少了艺术，在心灵上便会是一片冰冷的荒漠。艺术能激起青少年们无
穷的力量，唤起青少年对理想的追求，获得精神世界的升华。绘画作品的美
渗透人心灵之中，使人赏心悦目、心旷神怡，使身心得以娱乐和休息。在这
个过程中，绘画艺术提高了人们的思想境界，美化了人生，使人受到潜移默
化的教育。因此，绘画应当起到如下两方面的作用：一是给人以愉悦美感，
陶冶人们的情操。二是给人以教育，使人们生活得高尚、纯真，使人们奋发
向上。
生活是我们认识客观世界，创造绘画艺术的源泉。艺术虽不等于生活，
但生活就如同空气和水一样，离开了它，艺术生命也就停止了。不接近生活，
只是漫无边际的遐想，玩弄笔墨，闭门造车，就画不出鼓舞人心的作品。在
中国历史上，明清两代500多年的绘画，多是脱离生活，专事模仿，以至于
在山水画里，所画的人物，都是穿着宋元时期的服饰；没有一个人是穿明、
清朝服装的。脱离生活到了这种地步，可悲可叹！幸亏还有几位和尚逸民造
了反，反对一味临摹，而是“搜尽奇峰打草稿”，使中国画前进了一大步。
在欣赏和创作中国画时，必须考虑三个问题。
第一，我们应当看画上是否表现了时代气息。
不同时代的人受着不同时代的思想、道德的影响与制约，在审美认识上
呈现出强烈的差异性。中国古代从晚唐五代开始，妇女以缠足为美。那时的
人物画中，很多是画“三寸金莲”的。如今时代变了，在今天人们眼里它是
一种丑态、病态。又如，在山水画点景中，常常画个穿着古装的老头拄着拐
杖，弯着腰或看山，或独钓。试想如果今天画一幅河山图，歌颂江山多娇，
再画一个这样的老头看山，就很不协调了。
今天我们欢迎的是表现健康的，与人民的情感息息相通的中国画作品。
比如画山水，带着对祖国河山美好的感情和艺术表现的欲望去描画，作品才
能给予人一派美妙的壮丽河山。表现生活的作品，要向世界树立一种中华民
族坚韧不拔，为理想而奋斗的民族形象。时代在不断发展，对客观世界要不
断认识，这样我们才有可能创造出崭新的有时代的气息的作品。
我们反对一味在古画中兜圈子，把自己禁锢在古人们所生活的氛围之
中。我们的生活，既不同于古人，也不同于外国人。我们应当在自己生活的
田园中，去发掘美，表现美。
第二，我们应当看画上是否表现了清新的意境。
关于意境，前面已讲到一些，由于意境说是中国画美学的本质，在中国
画的创作中是至关重要的。因此，不妨把这个问题再详细谈一谈。
什么叫意境？很难下一个确切的定义。我们可以从以下几方面来探讨。
意境说早在唐代已经产生。如果探究其思想根源，可以一直追溯到老子
和庄子的美学观点。
老子认为，天地万物都是“无”和“有”的统一，“虚”和“实”的统
一。有了这种统一，天地万物才能流动、运化，才能生生不息。老子的这种
思想，对中国古典美学的发展影响很大。“虚实结合”成了中国古典美学的
一条重要原则，认为只有这样才能真实反映有生命的世界。
庄子认为，天地万物是有形和无形，虚和实的统一。形象，并不只是有
形的形象，而应该是有形和无形相结合的形象。
老子、庄子的这种思想，对于中国古典艺术中意境的创造，影响十分巨
大。
我们在谈论中国画的本质时，常常提到两个概念，一个叫“意象”，另
一个叫“意境”。

㈩ 中外美术作品有哪些

张择端 《清明上河图》 中国古代
文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰 《向日回葵》
伊里亚答.叶菲莫维奇.列宾《伏尔加河上的纤夫》
还有的我说名字，你去查吧《蒙娜丽莎》
《最后的晚餐》