美术的背景
一,元朝书画特色是,对笔墨的突出强调.也就是说,绘画之美不仅在描画自然,而且在于描画本身的线条、色彩,也就是笔墨本身.笔墨本身具有了独立审美价值,所以,将中国的“线”的艺术传统推向了它的最高境界.
二,与此相对应的独特现象就是在画上题字作诗,以诗文书法之美与意境韵味来配合画面的意境.而目的在于传达艺术家主观心绪观念,这不同于南宋,（南宋追求景物的精巧）,这就是“有我之境”.元画代表作品黄公望《富春山居图》.
三,这种有我之境发展到明朝,形成一股浪漫主义洪流.明朝的石涛、朱耷等,包括后来的扬州八怪,主观心绪压倒了一切,形似被进一步抛弃,艺术家个人特征凸显.
四,明中叶之后,木刻版画作为市民文艺沛然兴起.通常作为戏曲、小说的插图广泛流传.明代木刻版画不拘于时空框套,而直接服从于整体生活和理性的逻辑,通常将不同时空的情节同时展现.
❷ 美术色彩背景 怎么画
提个醒：水粉画最好不要用到现成的“灰”，更不要用“黑”。
色彩画中的灰都是需要调色出来的，互补色最能勾兑出灰色，而且这个“灰”也有对比弱的意义。
❸ 美术色彩背景 怎么画
就是你先整个平图的单色，只是用一种颜色掺了水刷的薄薄的一层并，且是它等干了再作画，所以称为底色，有人有这种作画习惯。
光感么，就是你所看到的静物的光线明暗，然后再表现在画面上，如果成功的话，会使你的画看起来像被阳光照着，感觉很明亮，称之为你画面所具有的光感。
❹ 美术色彩背景颜色应该怎么调 各种色调的背景
调色
写生时调配色彩是建立在正确观察和理解对象的色彩关系的基础上。调配版颜色不能权孤立的看一块，调一块，画一块。而要考虑整个的色调和色彩关系，从整体中去决定每一块颜色。水粉画写生色彩不易衔接，也应该在明确色彩的大关系的基础上，把几个大色块的颜色加以试调，准备好再往上画。切忌脱离整体，看一块，调一块，画一块，接着又调一块改一块。水粉画颜色湿时深，干后浅，干湿变化明显。如果调色时使用粉(白色)多，或已经画了较厚的色层，再着色作画，又使用的是吸水性强得纸，颜料的干湿变化就更显著。这使水粉画调色不容易做出正确的估计。造成色彩衔接、覆盖和修改上的困难。这是水粉画的一个明显特色和难点。初学时要特别注意这个问题。所以入手时要先画重颜色。一般来说，趁画面湿时，颜色湿与湿比，一口气画完，色彩关系容易掌握。如果在一色已干的情况下再衔接、覆盖颜色，就要注意颜色的干湿变化。
❺ 怎样的美术背景才算美术科班出身
美术科班，一般来讲，是指正规的学校学习美术绘画，从基本的学起，参加高考并且考上本科美术专业，完成学业，拿到毕业证学位证，好了，恭喜你。你是科班出身了！
❻ 美术画背景颜色
如果你用的蓝是宝石蓝、紫是偏蓝紫的话：背景单用浅黄，注意是浅黄不是柠檬黄（全铺或留点白），或浅黄和淡绿，另外浅黄和浅灰用好了也别有味道
如果你用的蓝是天蓝、紫是偏红紫的话：浅绿或浅灰
以上配色适用于一般装饰性美术作业
❼ 美术作品画面上背景的作用是什么
作用：
1、交代时间地点
2、营造氛围
3、烘托主体
4、象征意味
5、色彩表现
6、对比
美术的主要表现形式：
美术是以物质材料为媒介，塑造可观的静止的，占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术。表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态。
美术，也称造型艺术或视觉艺术，它是运用一定的物质材料（如纸、布、木板、粘土、大理石、塑料等），通过造型的手段，创造出来的具有一定空间和审美价值的视觉形象的艺术。
美术的范围非常广泛。从大的方面说，它可以大体分成观赏性艺术和实用性艺术两种类型。 从观赏性艺术来讲，它主要包括绘画和雕塑两大类。
而绘画，由于它使用的物质材料和工具的不同，又可分成中国画、油画、水彩画、水粉画、版画、素描等画种。雕塑也有圆雕和浮雕等多种形式，所用材料则有石、木、泥、石膏、青铜等。
(7)美术的背景扩展阅读
美术专业术语：
1、三度空间
绘画术语。指由长度（左右）、高度（上下）、深度（纵深）三个因素构成的立体空间。绘画中，为真实地再现物象，必须在平面上表现出三度空间的立体和纵深效果。
2、量感
借助明暗、色彩、线条等造型因素，表达出物体的轻重、厚薄、大小、多少等感觉。如山石的凝重，风烟的轻逸等。绘画中表现实在的物体都要求传达出对象所特有的分量和实在感。运用量的对比关系，可产生多样统一的效果。
3、空间感
在绘画中，依照几何透视和空气透视的原理，描绘出物体之间的远近、层次、穿插等关系，使之在平面的绘画上传达出有深度的立体的空间感觉。ms211正确地运用透视知识，可以很好的表现空间感。
❽ 新王国时期的绘画背景是什么
从13王朝开始，埃及重新陷入地方割据状态，并出现了由亚洲入侵的游牧民族“喜克索斯内人”政容权，文化遗存也很贫乏。历史上称这一时期为“第二中间期”。公元前1567年左右，埃及人在雅赫摩斯王率领下，攻克了喜克索斯人的最后一个据点，建立了第18王朝，进入新王国时期。大规模的对外掠夺战争，使埃及成为包括北非和西亚在内的幅员辽阔的大帝国。首都底比斯成为古代中东最繁荣的城市。埃及人怀着强烈的自豪感和自信心，努力重建昔日的辉煌。埃及美术在建筑、雕刻、绘画、工艺美术方面都取得了重要的成绩。
❾ 美术的素描应该怎么调背景啊
线条美感很重要的、尤其是对于喜欢画写实的那种、考试中如果线条流畅美感也能的高分的、我从初一开始学到至今、线条的排列对于我相对掌握了点小技巧、把线条单个拿出来就是个米字、线条之间的距离也要尽可能的达到平行、你不妨试试、当然、听别人说只是个指路、自己的感悟最真、
❿ 元美术的历史背景及基本特征是什么
从很多资料来看，总结几条：共同的特征：一，均注重师承。师承画风与德才（有比较清楚的师承记载）二，均注重观察培养，实践育成（唐代的透视已经接近正确，画风细腻）三，均含有宗教教育的成分四，均强调大量临摹和写生。不同之处在于“技”与“艺”的分别：一，民间临摹写生工而细，官方临摹写生记忆理解为先二，官有艺术学校，民则直接家中师承三，文人气息重的为“艺”，画工精细有仿古人的就叫“技”。技艺分野而非融合直接影响了中国美术科学的发展，也不仅仅反映在美术，包括全部自古术理范围的研究。重艺不重技代表官方，技艺兼具的大家还是代代涌现，只是融合协调发展的推广进程迟滞了。中国美术教育发展（唐代部分摘录）作者：佚名南唐设置画院，史称翰林图画院，画家一般通过荐举、征召和考试的方法人院，并视画技水平被分别授予待诏、艺学、祗侯和画学生等数级职位。严格地说，翰林图画院并非教学单位，而是将散落于社会的画家云集起来，服务于宫廷，满足皇宫贵族“极一时快乐”之需。当然，这类画院也必须兼有教学的职能，而且，画家们一起观摩和临摹宫廷珍藏名画，能营造出互教互学、切磋砥砺的气氛。画学所教科目有佛道、人物、山水、鸟兽、花竹和屋木等6科。此外，还设有说文、尔雅、方言、释名等学习科目。其中说文的学习包括篆书和音训。可见，这种教学十分重视全面地培养学生的整体素养，而不是一种单纯的技术教育。这一点，还可以从画学的招生方法中看到。画学的考试多以古诗名为题，考学生对诗意的理解和颖悟程度，以及通过巧妙的绘画构思构图创造出意境隽永，令人回味的画作的能力。譬如，“野水无人渡，孤舟尽日横”，“竹锁桥边卖酒家”，“踏花归去马蹄香”，“嫩绿枝头红一点，动人春色不须多”这些佳言妙句就曾被用作试题，至今仍为人熟知，并津津乐道。画学考试时还十分重视发现学生的创造性，这在<宋史•选举制)中可见大概：“考画之等，以不仿前人，而物之情态形色，俱若自然，笔韵高简为工厂。中国传统美术教育大都比较注重师承关系，唐代张彦远在《历代名画记》中曾说过：“若不知师资传授，则未可议乎画。”张彦远更是下力尤深，对从晋司马绍(晋明帝)到唐代阎立本这段时间里画家的师资传授做了一定程度的探讨。他在《历代名画记》卷二“叙师资传授南北时代”中指出：“至如晋明帝师于王滇，卫协师于曹不兴，顾恺之、张墨、荀员师于卫协，史道硕、王微师于荀昂，……各有师资递相仿效，或自开户牖，或未及门墙，或青出于蓝，或冰寒于水……”。师承关系具体表现为直接师承和间接师承两种形式。直接师承即师从某人，耳提面命，亲聆教诲。间接师承，即择取某一画法和风格予以效仿。临摹的方法可分为先博后约和先约后博两种。先博后约，即先广取博撷，然后再专门精心研习一二家。秦祖永说：“作画须要师古人，博览诸家，然后专宗一二家。临摹观玩，熟习之久，自能出手眼，不为前人蹊径所拘”《桐阴画诀》。先约后博，即先精研一家，人其门庭，然后饱览饫看，广取精华，溶人一家之中，形成自己的独特风格。方熏就持此观点：“始人手须专宗一家，得之心而应之手，然后旁通曲引，以知其变。泛滥诸家以资我用。实须心手相忘，不知是我，还是古人”《山静居画论》。2种方法，各有长短，因人因事而异，不宜遽出评判，具体实施应是各有其效的。唐志契说：“临摹最易，神气难传，师其意而不师其迹，乃真临摹也。”(《绘事微言仿旧》他还举例说，虽然巨然、米芾、黄公望、倪瓒均法北苑为师，但却各不相似。要是一般入学之，定会要笔笔与原本相同，这样亦步亦趋，又怎么会成就自己的名声呢?方熏也主张：“临摹古画、，必须会得古人精神命脉处，玩味思索，心有所得，落笔摹之；摹之再四，便有逐渐改观之效。若徒以仿佛为之，则掩卷辄忘，虽终日临摹，与古人全无相涉。”《山静居画论》盛大士甚至主张，临摹只够取大意，“兴之所到，即彼疏我密，彼密我疏，彼淡我浓，彼浓我淡，皆无不可，不必规规于浅深远近长短阔狭间也”《溪山卧游录》。总而言之，学画不食古不行，临摹是食古的最佳方法，但食古不化也不行，最终要脱离古人自成一家。《唐朝名画录》中载，天宝年间，唐明皇玄宗思念四川嘉陵山水之秀，遣吴道子去写生。吴道子回来后，玄宗欲看其写生稿，吴道子回答：“臣无粉本，并记在心”。在玄宗的授命下，吴道子一日之内即将嘉陵江300里佳景绘于大同殿上。中国传统绘画与自然的距离较西画与自然的距离为大，所以在感知与作画之间，记忆起着极大的作用。这有利于画家脱离具体形象，进行主观与客观的交融，筛除琐细，突出精髓，进行主动自由的创造。因此，记忆在求“常理”的中国山水画教学与训练中具有举足轻重的地位。在重“常形”的人物画中，也常用记忆之法。五代画家顾闳中创作的著名作品《韩熙载夜宴图》就是通过目识心记，凭记忆画出的。至于描绘花鸟翎毛之类，则要求审物精细，契合常形。郭若虚在《图画见闻志论别作楷模》中说道：“画翎毛者，必须知识诸禽形体名件。”写生是表现对象的基本方法，甚至成为花鸟画的代名词。唐志契在《绘事微言》中指出：“画人物是传神，画山水是留影，画花鸟是写生。”清连朗说：“万物可师，生机在握。花坞药栏，躬亲钻貌，粉须黄蕊，手自对临。何须粉本，不假传移，天然形式，自得真诠也”《绘事雕虫》。又据《皇朝事实类苑》记载：“赵昌善画花，每晨朝露下时，绕栏谛玩，手中调彩色写之，自号‘写生赵昌”’。当然，在中国传统绘画中，对景写生仍不算主要方法，其地位也不如在西画中高，主要原因是花鸟画在古人心目中远不及山水画那么重要。明代屠龙说：“画以山水为上，人物小者次之，花鸟竹石又次之，走兽虫鱼又其下也”《画笺》。唐志契也认为：“山水第一，竹树兰石次之，人物花鸟又次之”《绘事微言•看画诀》。中国传统绘画艺术的最高成就，以及中国传统绘画美学思想的主要体现者是中国的山水画艺术。由于山水画相应为重，所以，临摹、记忆的方法就成了中国传统习画的主要方法。临摹主要是从古人处学习笔墨之法，然后在自然山水中，体悟其理，营造意象，借由临摹所得之技法，将其物化于纸(绢、墙)上。写生之法因主要限于花鸟，而花鸟在人的心目中又“多出于画工”，故其受重视程度不及山水，写生之法也就不堪与临摹之法相比。但是，因为花鸟画也属中国绘画的重要部分，所以，写生的训练之法也是不可小觑的。现代美术教育中，写生之法已成为主要的教学方法，从借古丰今的角度说，我国古代写生之法是很值得学习借鉴的。中国古代美术教育：“技”美术教育“技”的美术教育具有实用性和物质性的特征，主要沉落于社会中属于匠的一类人。与“艺”的美术教育独倚绘画不同，其范围更为广泛。据我国现存最早的工艺书籍《考工记》(公元前221年前)载述，品类竟达30余种，分属攻木之工(轮、舆、弓、庐、匠、车、梓)，攻金之工(筑、冶、凫段、挑)，攻皮之工(函、鲍、韦、裘)，设色之工(画、绩、钟、筐、慌)，刮摩之工(玉、榔、雕、矢、磬)和埴之工(陶、砖)6大类。可见，“技”的美术教育几乎画、塑、铸、剪、刻、雕、漆、烫、磨、贴无不包，技艺特色浓郁。“技”的美术教育基本上是以严格的师徒传授制来完成的，呈严密的封闭状态。由《考工记》中，我们可见此类工艺传授之大概：“知者创物，巧者述之，守之世。”我国当代著名工艺美术理论家、教育家张道一先生对此的解释是：“有智慧的人创造器物，工巧的人遵循制作的方法，加以承传。父亲传给儿子，终世保持一种技艺。”这种师徒相传，父子相承的教学方式，利弊相衡，得失互抵。一方面，它有助于某种技艺向精深圆熟发展，另一方面又容易形成封闭保守，拒斥新意的机制，甚至导致某一技艺的失传消泯。当然，在中国历史上少数极开明的社会中，也有以官形式进行工艺教育的。唐代就曾开过类似于工艺专利学校的教学机构，附设于专管手工业制造的少府监，聘用社会上技艺超群的师傅教授学徒。训练时间则因各种技艺的难易程度而异，如精细雕刻镂花学期为4年，制造车轿、乐器学期为3年，制作大刀长矛学期为2年，制箭、竹工、漆工、屈柳学期各为1年，做礼帽头巾学期为9个月。学徒在制造的器物上须刻上姓名，以备考核。从历史大的方面看，这类“百工”之事是不曾受到真正重视的。虽然<考工记)中曾指出：“百工之事，皆圣人之作也”，但事实上属于匠的那一类人的地位是十分卑下的，不仅得不到官方的青睐，还受到一些所谓有士气的画家和文人的鄙夷。张彦远就认为工匠之画，画格不高，“自古善画者，莫匪衣冠贵胄，逸人高士，振妙一时，传芳千祀，非闾阎鄙贱之所能为也”。郭若虚也持同样的观点：“窃观自古奇迹，多是轩冕才贤，岩穴上士，依仁游艺，探赜钩深，高雅之情，一寄于画。”其他如苏轼等人，也都曾流露过这类偏见。相反，属“艺”的那一类画家却因具有某种学术层次，受到官方的垂青和文人墨客的推崇。中国许多才华横溢的艺匠，纵然创造了精妙绝伦，价值恒久的艺术珍品，也只能落个寂寂无闻的佚名者。我们可以看到，以官方和文人为代表的中国古代美术教育是倚重怡情悦性，陶冶情操的。在中国，纯精神意义的美术之所以受重视，自然有其深厚的文化基础。中国文化在对待人与自然的关系上，比较重视个体内心世界的修炼，以求通过个体身心的平衡和稳定，达到人与人、人与自然关系的和谐平衡，而对物质世界则较少进行分析性的研究和探索。尽管如此，“技”的美术教育仍然是中国传统美术教育不可分割的重要部分，包含着一些值得借鉴的东西。其中最为突出的就是利用口诀进行传授的教学方法。口诀往往言简意赅，要领突出，既利于学习，又便于记忆。托名荆浩的《画论》就被认为是民间画工经验的总结。其中关于画人物的口诀有“将无项，女无肩”；关于色彩配置的有“红间黄，秋叶坠。红间绿，花簇簇。青间紫，不如死。粉笼黄，胜增光”；关于人体比例和面部神情的有“坐看五，立量七”和“若要笑，眉弯嘴翘。若要哭，眉锁额蹙”；等等。像这类画诀、塑诀在民间并不鲜见，它们工整齐对，朗朗上口，不失为技法传授的有效方式。