美术作品赏析文章
㈠ 美术作品鉴赏作文（例文）
如果说西方美术的历史就像夜空中群星闪耀的银河，那么荷兰画家文森特•梵高绝对是其中一颗孤独的恒星。说他是恒星，是因为他的画作明快、激情，仿佛能够点燃暗淡清冷的生命，充满了热切的感情和渴望，流传下来的作品都成为不朽的艺术篇章；说他孤独，是因为在这位画家短短37年的生命中，经历了无数的曲折和坎坷，始终未在生前得到作为画家的认同和尊重。
仰望梵高流逝的生命，这种孤独几乎是与生俱来的，几乎是命中注定要伴随其一生。恒星的光焰太强烈，太灼热了，任何一个质量不够大能量不够强的形体过于靠近它，都会被他炙伤乃至被他熔化。如同被他的爱情和狂热的追求吓跑的表姐，因为他割下耳朵的示爱而匆忙逃窜的妓女。然而，如果他与一颗同样光芒四射的恒星不期而遇，将遭遇同样的危险，因为两颗恒星过于靠近就会不可避免的发生摩擦乃至碰撞——他们只能永远孤悬在星空一隅，各自怀着一腔衷情，彼此眺望。如同梵高和高更，因为对艺术倔强的追求导致两人之间既互相欣赏又有隔阂和摩擦。恒星以其巨大的能量和吸力，令万众俯首，引群星影从，但是所有围绕恒星转动的行星都注定要与他保持着遥远的距离，他们依循着他的指引领受着他的恩泽沐浴着他的光芒，却无从向他表示自己的感激，只能把他的光泽反射给更需要慰籍的星体。这就是文森特•梵高，一颗孤独的恒星。
如果一定要追逐这颗恒星划过宇宙星空的轨迹的话，他短短37年的生命中留下的1700多幅素描、油画和版画作品并不能使得这种追逐变得容易，因为仔细去端详梵高的绘画，会发现在炙热和明快背后，始终有着令人捉摸不透而又异常着迷的若即若离的感情。早年时或许是翩翩少年的忧伤和沉郁，而在画家画风日趋成熟的最后的六年日子里，画作开始在忧郁中爆发出热烈，仿佛在经历过绝望和挫败而陷入漆黑一片之后，画家自己给自己打开了一扇心窗。他用厚厚的油画颜料堆积出的明快火热的色彩，“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”这位罹患精神病的画家或许自己都无法完全理解自己的画作，在生命最后的一年里，他的画作几乎是在描写病中的幻象了。或许，去追逐梵高的心迹，端详他所创作的多达38幅的自画像是一个可能的途径。
㈡ 求一篇美术作品鉴赏的作文
一幅挂在我心中的画
—《克里斯蒂娜的世界》心得
这是美国画家安德鲁•纽厄尔•怀斯的一幅作品。作品中描绘了一个身有残疾的乡村姑娘，背向观众坐在一片空旷的枯草地上。远处有一幢农舍，马车轮碾出的路痕一直通向那幢房子，那就是她的家。再远处另一幢有点像农民仓库的房子，是一个简陋的教堂。
画家以草地、农舍、教堂概括了这位不幸的身有残疾的克里斯蒂娜的物质世界和精神世界。
整个画面色彩写实，温暖、柔和的色调令人赏心悦目。细腻的笔触令人赞叹。远处狭窄的天空令人感到压抑，特别是因残病而扭曲的人物，及其所处画面失衡的位置，令人感到不安。秋季的荒凉和人物眼前呈现的遥遥长路，更增添了自然的冷漠及生命的孤寂。它最终偏离了我们的审美需要，偏离了一般艺术图片养眼悦心的“假日功能”。
人们总是愿意接受自己心灵所喜欢的东西。而人类特有的视觉强化功能，还会通过自身的经验，把画面所展现的意味夸大。所以，人们更愿意将画有水果、鱼肉的图片挂在餐厅；把美女、帅哥的靓照挂在卧室。这类艺术作品通常只能在博物馆（该画现藏于纽约现代美术博物馆）或画册上面看到。然而，它却是一幅挂在我心中的画。
从狭义上来讲，这是一幅具有励志意义的作品。当我们的视线从挣扎着的克里斯蒂娜延伸到那所小屋及教堂的时候，我们是否能够透过这阴郁、单调、透彻骨髓的苍凉，看到姑娘体内的战胜自我重返家园和乞求救赎的灵魂所发出的巨大能量？当我们的视觉镜头随着艰难爬行的克里斯蒂娜一起向前推进的时候，凄凉的路途必然会越来越短，愉悦的天空必然会越来越宽。这种愉悦是只有在抗击磨难中才能真正领悟到的愉悦，是将痛苦变为不朽的精神动力源泉的愉悦。雷雨过后的彩虹永远属于勇敢穿越风暴的人。痛苦是精神力量的秘密所在。
从广义上来讲，这是一幅具有存在意味的作品。画家似乎为我们揭示了人类心灵普遍存在的一种特殊倾向—对“家园”的向往与渴望。而孤独和痛苦并没有使人类对“家园”的渴望减少，它恰恰成为我们将这种渴望付诸行动的动力。这种情绪我们称之为“乡愁”，它也是怀斯的画中所隐含的深刻的忧思。这个“家园”就是生命的本原即世上万物共有的东西（终极基础）。怀斯的画是极端写实的，而意境是抽象的。“乡愁”就是对“家园”失落的忧伤。“家园（终极基础）”的失落，要比健康的消逝更让人感伤。健康的消逝及绝望更容易让我们生发对“家园”的渴望。这就是为什么饱受苦难的人更容易走上宗教信仰的原因。“如果我们没有经历或多或少的苦难，我们又如何知道我们的存在？除了受难而外，我们又如何能转向自己而获取到深思的意识呢？（乌纳穆诺《生命的悲剧意识》）” 我们能否用我们这充满苦痛的残缺之躯在荒凉（现代工业文明）中抵达那遥不可及的“家园”？这就是画家留给我们的永恒的思索。
痛苦是精神力量的秘密所在，而比痛苦更加强烈、更隐蔽的是失落“家园”的忧伤。忧伤才是人生悲剧意识的根源。克里斯蒂娜的世界是一个基于信念的世界，更是一个基于用肉体去感受的世界。世界最终的本性（“家园”），我们不得而知，它存在于我们的感觉之外。最真实的是克里斯蒂娜目光所指向的画中马车轮碾出的路痕，最真实的是画家尚未画出的克里斯蒂娜踽踽前行所留下的踪迹。一如我此篇文章在读者脑海里所留下的断断续续的文字。
“人生到处知何似？应似飞鸿踏雪泥。 泥上偶然留指爪，鸿飞那复计东西。”这是我国宋朝诗人苏轼在《和子由渑池怀旧》中的一段话。不同时代，不同国籍的人，对人生在世的感叹却是惊人的相似。除了“踪迹”，真正的本原（“家园”）是再也或永远无法被（重新）居有的了。这种“踪迹”最终也被非本原的本原—文字（符号）所“替补”。行动就是存在。
《克里斯蒂娜的世界》，这是一幅挂在我心中的画。它的秘密我已经告诉了你
㈢ 美术作品的赏析
《蒙娜丽莎》是文艺复兴时代画家列奥纳多·达·芬奇所绘的丽莎·乔宫多的肖像画。它的拥有者法国政府把它保存在巴黎的卢浮宫供公众欣赏。另外，《蒙娜丽莎》也有同名电影，同名歌曲以及同名剧本。
㈣ 美术作品赏析
康定斯基《即兴之31》这幅画是典型的热抽象作品，我们只要记住像这种由曲线，自由形构成，感受性较强，笔势较明显的大都是热抽象作品。康定斯基是热抽象代表人
蒙德里安离开巴黎来到伦敦。由于二战烽火的波及，他于1940年逃往美国，在纽约度过了他生命中的最后四年旅程。纽约，这座现代化大都市，以其特有的繁华深深吸引着蒙德里安：那整齐严谨的街道布局、拔地而起的摩天大楼、充满活力的舞厅和爵土乐队，以及夜幕下流光溢彩、闪烁变幻的灯光……它们既与其绘画有着某种内在的相通，又洋溢着某种前所未有的新精神。于是，他的作品开始发生变化。那套使用了二十多年的绘画程式被打破了。黑色网格和大的色块不复存在，取而代之的是由无数小色块组成的彩线结构和跳跃其间的小块面。它们快乐、明亮，生机勃勃且充满音乐感。 《百老汇爵士乐》是蒙德里安在纽约时期的重要作品，也是其一生中最后一件完成的作品，它明显地反映出现代都市的新气息。依然是直线，但不是冷峻严肃的黑色界线，而是活泼跳动的彩色界线，它们由小小的长短不一的彩色矩形组成，分割和控制着画面。依然是原色，但不再受到黑线的约束，它们以明亮的黄色为主，并与红、蓝间杂在一起形成缤纷彩线，彩线间又散布着红、黄、蓝色块，营造出节奏变换和频率震动。看上去，这幅面比以往任何一件作品更为明快和亮丽。它既是充满节奏感的爵士乐，又仿佛夜幕下办公楼及街道上不灭灯光的纵横闪烁。这是蒙德里安艺术生涯的最后一个新发展。
马列维奇最著名的《白底上的白色方块》问世。这一标志着至上主义终级性的作品，彻底抛弃了色彩的要素。白色成为光的化身。那个白底上的白方块，微弱到难以分辨的程度。它仿佛弥漫开来，并在白炽光的氛围里重新浮现。在这里，马列维奇似将进入一种难以用肉眼看见，难以用心灵体察，难以用感觉品味的境地。所有关于空间、物体、宇宙规律的当代观念，在这里都变得毫无意义。画家所要表现的，是某种最终解放之类的状态，即某种近似涅的状态。这是至上主义精神的最高表达。“方形(人的意志，或许人)脱去它的物质性而融汇于无限之中。留下来的一切就是它的外表(或他的外表)的朦胧痕迹。”(尼古斯·斯坦戈斯著，侯瀚如译：《现代艺术观念》，四川美术出版社，第151页。) 至上主义绘画彻底抛弃了绘画的语义性及描述性成份，也抛弃了画面对于三度空间的呈现。那些平面的几何形，不具有丝毫的体积感和深度感，这与荷兰风格派画家蒙德里安的绘画可谓异曲同工。然而，它们之间的不同也是显见的。蒙德里安追求沉静的画面气氛，而马列维奇则强调动感。在马列维奇的作品中，那些几何构图自由而奔放，在画面上形成一种旋转的或离心的动感，这可能与未来主义及辐射主义的影响有关。此外，马列维奇绘画中的表现性特质，也是蒙德里安那种冰冷的、中性的抽象画所不具有的。对马列维奇来说，一个方形本身就具有一种独特的表现性个性；而对蒙德里安来说，一切具有自身表现性特点的要素统统要排除在绘画之外，构图的全部重点是不带任何感情因素的直角系统。 马列维奇的至上主义思想影响了塔特林的结构主义和罗德琴柯的非客观主义，并通过李西茨基传人德国，对包豪斯的设计教学产生影响。20年代初，苏联文艺界对非写实艺术不再包容和接受，马列维奇只得终止其对抽象艺术的探求，而以教学谋生。1927年，他唯一的一本理论著作《非客观的世界》在德国出版。1935年，他在贫困和默默无闻中离开人世。马列维奇首创了几何形绘画，留存于世的那些作品在这么多年以后，仍以它的单纯简约而令人惊讶。他称得上是二十世纪抽象绘画的伟大先驱
㈤ 本人美术作品赏析文章一篇（字数不少于1500！跪求
弗雷德里克·莱顿（ Frederic Leighton ， 1830——1896 ）是 19 世纪末英国最有声望的学院派画家，他辉煌的艺术光芒甚至冲淡了雷诺兹的影响，成了英国皇家学院派的代名词。不像 19 世纪大部分画家那样，莱顿并没有在皇家艺术学院学习，他在布鲁塞尔、巴黎、法兰克福接受绘画训练， 1852 年他搬到罗马居住，古典艺术给了他很大影响。 1855 年，他回到英国，他的作品 Cimabue's Madonna 展出并被维多利亚女王购买，这是他事业的转折。 1878 年，莱顿当选为（英国）皇家艺术学院院长。 1896 年受封为男爵。他是英国唯一获此殊荣的画家。他于同年去世。
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《缠毛线》 1878年 弗雷德里克·莱顿 英国 100.3cm×161.3cm 布 油彩
悉尼 新南威尔士美术馆藏
画家沿用古典绘画法则，以学院派绘画的严谨，描绘了缠毛线的母女。年轻的母亲坐在凳子上，姿态优美地绕着毛线，衣裙的表现呈现古典风格；小女孩全神专注地配合着母亲，扭动着身体，一幅稚气。莱顿以古典手法去表现生活，因而使作品有呆板僵化之感，并且流露出缺少真实情感表现的缺陷。
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《阅读》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 63.2×65.1cm 布 油彩
利物浦 萨德利艺术博物馆藏
这是一幅富于情节性的肖像画，一少女盘腿坐于地摊上，认真、专心地在阅读画册。女孩身着的浅黄色衣裙极富质感，与深色的背景形成对比，更衬托出女孩的专注神情。女孩面容娇好，纯洁严肃，显示出较好的教养。整个画面体现出一种学院派的严谨与优雅。
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《炽热的六月》 弗雷德里克·莱顿
这幅画模特 Dorothy Dene 自 80 年代（十九世纪）中期之后成为莱顿许多作品的灵感来源。独特的视角，加上模特身体优美的弯曲（拉斐尔的许多作品因此而成功，评论家把这称为女性身体的韵律）使这幅画与众不同。艳丽的色彩也使这幅作品格外抢眼。
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《海边的希腊少女》 弗雷德里克·莱顿
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《陶醉》 弗雷德里克·莱顿
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《音乐课》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 92.8cm×118.1cm 布 油彩
伦敦市政厅美术馆藏
莱顿以学院派极其严谨的态度描绘了音乐课的情景。女教师微微俯身帮助女孩调试琴弦，女孩则依在女教师胸前弹拨着六弦琴。这只是一幕普通的音乐课情景，却被画家描绘得极富美感韵味。女教师面庞秀美清丽，身着长裙，花纹、质地被画家描绘得十分逼真；小女孩则被描绘得天真烂漫，纯真无邪，表情认真，显得十分可爱。衣服、面部及背景的描绘，都体现出学院派画风，但是这幅作品却有着内在的充实。
㈥ 关于一幅美术作品赏析
这幅画是从www.zhuoku.com上下载的（画面右下角有网站出处），那是一个提供壁纸的网站，但是数量太多了，我找不到这画，这幅画应该没有特殊的含义，单纯是桌面壁纸而已
现实主义吧
要不就是社会现实主义
再不然就是超现实主义......
我觉得20世纪的美术学派就这三个符合这画了...
㈦ 西方美术作品赏析
"只有在吉维尔尼见到克劳德·莫奈，你才能了解他，了解他的个性，他的生活情趣，他的内心世界"， 他的朋友和传记作家古斯塔夫·热弗鲁瓦这样写道。1883年莫奈全家搬到吉维尔尼，这是一个位于巴黎和鲁昂之间的村庄。之后，莫奈便着手建设一个花园。对于这个花园，他自己评价道："这是我最美的作品。"这里是他最后的栖身地，他在此共生活了四十三年，接待过他的朋友西斯莱、毕加索、奥古斯特·罗丹、克莱蒙梭、保罗·西涅克、皮埃尔·博纳尔和卡耶博特。他们都是乘船来拜访莫奈。莫奈的最大乐趣就是梦寐以求的"水上花园"，既为了"赏心悦目"，也为了"给绘画提供素材"。工程进行起来很困难，因为必须得到当局同意，将流经他房子旁边的诺曼底的艾泊特河的一条支流改道数百米。这个1893年建成的、成不规则椭圆形的"水和倒影的花园"和日本版画中的花园很相似。这些日本版画挂满了他餐厅的墙壁。画题的日文意思翻译过来似乎应该是："飘浮世界的映象"。
一座漆成绿色的日本式的拱形木桥跨越池塘；水菖蒲、百子莲、杜鹃花科的观赏植物和绣球花环绕并保护着池塘。 水面上漂浮着粉红色的睡莲。柳树和紫藤直泻水面，使水的色调变得更深、更蓝。直到1895年，莫奈才画了第一张池塘和日本桥的画。从1898年起，他又画了些同一题材不同版本的方形的画，其中十来幅曾在杜朗-卢埃尔画廊举办的他的新作展中展出。
1901年，莫奈在他的池塘的延伸处又购置了一块地，池塘面积因此扩大了三倍。周围更精致、更具装饰性地种了竹子和日本樱桃树……他还安装了一个水泥槽，以便保护异国情调的睡莲不受水温过热的伤害。1903年至1909年，以睡莲池塘为题材的画重新出现。但是，如果人们在最初的画中还能分辨前景、延伸和周围景致的话，那么，在1904年后，漂浮在水面上的华丽的睡莲则开始占据整个画面。
1907年夏莫奈都在画中对光线的处理做各种尝试。 所有的竖画都被"一条条长长的光束从上到下垂直穿过"，经过画面的两处阴暗部分，洒满画的下端。《睡莲，晚间效果》一画，在鲜黄、桔黄和朱砂色彩的烘托下，像是一团燃烧着的火。旋风般强劲的笔触增加了火焰在睡莲云间扭曲上升的感觉，呈现出一片视觉的梦幻世界。这里，没有睡莲，只有一个个暗暗的大圆盘，其中，时有明亮的笔触将它们凸显出来。再也没有空间的标志，只有被画笔捕捉到的光和色彩。
1909年，莫奈在杜朗-卢埃尔画廊展出他在1903-1908年间画的48幅画，他自己为它们取名为：《睡莲，水景系列》 。1907年所创作的竖画中的14幅也在其中。画展大获成功。展出的作品只标明日期而没有标题。记者和文艺评论家们立即感受到这个动感和奇特世界产生的视觉效果："所有这些光彩夺目的画流露出完美的和谐，既充满活力，又温柔宁静。我们简直看呆了。但我不无忧伤地想到这些实为一体、相互补充的动人作品即将分散各地，它们只是短时间地聚在一起给人们一个整体的概念，让人们感受到它们抒发的全部诗情画意。从此，人们再也不会在任何地方像我们现在这样看见它们聚集在一起。它们将分散到世界各地，它们仍然精美，但每一幅画只能展现出部分神秘……当然，我们更愿意看到它们全部被收藏在博物馆的某个展室，使人们可以去欣赏它们，去享受它们既壮美又宁静的、无与伦比的画面。"
㈧ 中外优秀美术作品赏析 论文
《撑阳伞的女人》Femme a l'ombrelle
作者: 克劳德 莫奈 Claude Monet
印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。
以"光为画面主角"的印象派最伟大的大师莫奈曾经画过二幅《撑阳伞的女人》，一幅作于1875年，一幅画于1886年。
首幅画里的采用仰视的角度来表现画面的人物，女人半侧着身子，衣褶因为她的转动也在旋转，动态的呈现着这一微妙的动作，而平衡女子动作的是她手持的阳伞。
阳伞的灰绿色调与天空融合在一起把人物既与画面结合又使人物跳出背静那澄明的天空动感在人们眼前。画面中的远处的小男孩儿又拉深了画面的层次感，不仅突出了撑阳伞的女人也把远处的天空显得更加高远。
但，在印象派中"光才是画面真正的主角"。在这幅画中，采用原色并列、重叠和补色手法，形成新的绘画语言。为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是黄、蓝并列，时而重叠，并把黄和绿、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。
光与影正是依托于这两个人物跳跃穿梭在人们眼帘中的。女人身后的天空如同水一般透明多变，仿佛一指就可以戳破。
阳光透过湛蓝的天空洒到女人的衣裙上，正因为光影的作用，女人的上半身色调昏暗表明她处于伞的阴影之下。 微风扬起的裙袂上有莫奈最擅长捕捉的光与影——蓝天的光彩、女子脚边墨绿的草与淡黄的花朵的颜色。它们反衬在女子的裙子上，袖肘上。女子脚下顺着微风倾斜的花草，仿佛可以闻到泥土与花草混合的清新气味。
用模糊大块的笔触来描绘，是莫奈在绘画技法上的一大特点。这也是印象派不注重所描绘的主题本身而注意光影的需要所产生的必然结果。在这幅画中，我们尚且可以看出撑伞女人的外貌，但是她和她构成三角型起稳定画面作用的儿子的面貌却被简化成了仅有两个黑洞洞眼睛长相的人。
可是，也正因为这样，我们不必纠缠在画面的技法上而能把更多的心思花在画面所传递的，清晨，母亲和孩子散步的惬意及其中的微风，蓝天那种恬静美好当中。
所以印象派的胜利在于它不仅仅是开拓了一条奇路使人们耳目一新更在于它可以把画家自身的感受记录下来传递给他人。这种心灵上的震撼是其他流派所无法比拟的。
从中也可看出当时莫奈初期作品风格强调瞬间的感官色彩来搭建一座用色彩构成的绚丽的世界。突破当时束缚绘画的古典主义，把绘画从单纯的照物写实中解放出来，开拓了一条用眼睛捕捉"瞬间美好"的新的绘画流派。
作于1886年的《撑阳伞的女人》和第一幅画在构图上相差不远，人物在衣着上更是如出一辙。但，比起第一幅，人物处于更次要的位置，印象派很少画人物，风景中的色彩变化才是莫奈的永恒主题。所以第二幅《撑阳伞的女人》足以看出莫奈及整个印象派的走向。
画中大块的墨绿和棕红的，凝重的颜色。不再看见早期注意天空光影的纠缠和光影对人物的影响，换而之是大块更大块的颜色铺成一幅画甚至连人物本身都只是画中颜色的一部分（上一幅中女人的尚可辨认的面目在这里彻底被简略掉）。或者说我们可以感受到画面里的风不再是清晨的微风而是夕阳落下的晚风，吹的人物身后的云彩在大块急速的运动，炽热的阳光照在草上淹没了女人的脚，女人上半身因为撑阳伞形成的阴影和下半身被阳光照耀仿佛要燃烧的裙子形成强烈的对比，加上飘扬的纱巾给人以视觉冲击。
两副几乎同样的以撑阳伞的女人为主题的作品，但是意境却相差万里。这就是印象派的核心所在——此时此刻的光和影。而光与影永远在变，水中的浮光掠影，空中的色彩万千，地上的花朵妖娆。不变的是对影的捕捉对光的追随。
这件作品是莫内早期的印象技法画作。画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。
整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。画中的女仕占了画面大部份的空间，成为画的趣味中心。但左侧的小儿子与阳伞和女仕也构成一个三角形，得到一个平衡的作用。
虽然此画是莫内早期的作品，但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女仕面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女仕衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），就如现实中看到的一样。另外，女仕摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。
㈨ 美术作品赏析
荷兰的蒙得里安始终想象着用最简单的美术语言要素——直线和纯色组成他的画。他想让他的艺术去揭示在主观性的外形不断变化的背后隐藏着的永恒不变的实在。他自己说：“我一步一步地排除着曲线，直到作品最后只由直线和横线构成，形成十字形，……直线和横线是两相对立的力量的表现；这类对立物的平衡到处存在着，控制着一切。”他从大大小小的原色块和矩形直角形状的组合中寻求所谓“表里平衡，个性和集体平衡，自然与精神、物质与意识的平衡”等。他认为这才是反映了宇宙最本质的客观法则。人们称他的这种抽象画为“冷抽象”，也称几何风格派。《百老汇的爵士乐》是蒙德里安最著名的作品之一，也是他极少直接来自现实感受的作品之一。在这幅作品中，蒙得里安把他对纽约百老汇音乐的感受和认识用他自己的语言方式表现出来，创作出了一种视觉音乐。像铜管乐器一样明亮的黄色线，在霓虹灯光般的红色、蓝色、灰色小点的闪烁下，呈现出一种爵士乐的节奏感。我们还能感受到纽约最繁华的百老汇夜晚的嘈杂。密如蜘蛛网的垂直和水平的线条，很容易使人联想到百老汇街都是直角相交的道路。