美术人

⑴ 中国历美术人物时间顺序排列

世界上的宗教，无不重视用艺术形式来宣传教化，尤其是美术。佛教作为东方世界影响最大的宗教，更是深谙此道。梁慧皎《高僧传》即云：“敬佛像如佛身，则法身应矣。”可见寓教义于艺术形象，直接去感化芸芸众生，这是自佛教形成乃至流布到汉地以来一以贯之的历史事实。现仅就佛教东传影响我国美术发展的主要方面略陈管见。
佛教传入，首先引起了美术创作队伍的变化。此前的美术创作基本上是由工匠（画匠）完成的，而此后则出现了具有较高文化知识的士大夫画家。孙吴的曹不兴，两晋的张墨、卫协、顾恺之、戴逵、王广便是其中的先行者。他们的绘画，尤其是佛画的创作在当时就令人瞩目。晋明帝司马绍以帝王之尊绘制佛像，更是极大地推动了佛教美术的发展。而建寺造像、依经图变以求福报的民众心理则为佛教美术的发展提供了巨大的社会契机。此后，画家与工匠（画匠）的结合，为工程浩大的造像艺术，如敦煌、云岗、龙门等石窟的开凿及装饰打下了坚实的基础。唐代佛教美术的繁荣，正是在一大批专业画家和无数工匠、画匠的共同努力下，才取得了至今仍令人惊叹不已的伟大成就，成为光辉的艺术典范。
其次，佛教传入带给中国美术全新的内容，极大地丰富了人物群像的塑造。且不说各种域外风光及世俗民情使人耳目一新，单就题材而言，就新添了变相画、经变画、供养人画等品种。这种经变、变相的创作，至唐而臻于极致，出现了吴道子、张孝师、卢伽、杨庭光、王韶应、皇甫轸、范长寿、陈静眼、杨仙乔、尹琳等一大批杰出的美术大师。他们创作了数以千万计的作品，遍布于大唐帝国的都市胜刹，甚至于乡村梵宇，教化了无数的民众。《唐画断》即谓吴道子画“地狱变”，“都人咸观之，皆惧罪修善，两市屠沽鱼肉不售。”而佛教中的人物造像，更是琳琅满目。姿态各异的佛、菩萨、罗汉的塑像和画像，无不引起清信士女对佛国清净世界的向往。至今在许许多多信徒家的神台之上，大都供奉着眉清目秀的观音或身宽体胖的弥勒像。可见即便在现代社会，佛教美术依然是民众宗教生活不可分割的一部分。对于士大夫而言，随着禅宗的兴起，由唐代著名诗人王维开创的文人写意画，历宋元明清迄于现代，名家辈出，长盛不衰。特别是其中的山水画，无不洋溢着禅意禅趣。
复次，佛教美术在其发展过程中，形成了精彩纷呈的不同流派，它促进了中国美术向多元化方向的发展。唐张彦远《历代名画记》卷二说：“至今刻画之家，列其模范，曰曹，曰张，曰吴，曰周。”此即后世所谓四家样，实指四种不同的流派和风格。曹家样由北齐曹仲达创制，其所绘人物衣服紧窄，后人誉为“曹衣出水”。张家样由梁张僧繇创立，其特点是骨气奇伟，运笔时把书法艺术的点、曳、斫、拂诸笔融会贯通，形成明快、潇洒的简淡风格。吴家样为唐吴道子首创，因“其势圆转而衣服飘举”，后人赞之为“吴带当风”。特别是兰叶描的运用，自然舒畅，奔放不羁，予线条的表现力以新的内涵，颇受大众欢迎。周家样是唐周所创，其特点是“衣裳劲简”、“彩色柔丽”，所绘妇女形象以丰厚为体，尤其是他妙创“水月（观音）之体”，影响后世甚大。
与此同时，佛教传入给中国美术带来了全新的技法和理论。就图案制作而言，先秦两汉时期的装饰纹样变化不大，多是传统的云气纹、云山纹、龙纹及其它常见的动物纹样，植物纹样则罕见。佛教传入之后，图案样式大大丰富，出现了狮子纹、忍冬草纹、锯齿纹、字纹等，尤以莲花纹和佛光的大量运用，更增强了宗教艺术的表现力。就构图而言，先秦两汉时仅是平列所有形象，没有纵深和远近的空间关系的处理，缺乏立体感。魏晋以后，由于佛教美术的影响，焦点透视法得以广泛应用，人物形象的立体感增强，栩栩如生而魅力无穷。特别是凹凸法的引入，使图画艺术具有了浮雕的审美效果。据唐人许嵩《建康实录》记载，梁人张僧繇即以此法绘一乘寺，“寺门遍画凹凸花，世咸异之”，致使该寺更名凹凸寺。今人范瑞华指出：“盖吾国绘画，向系平面之表，而无阴影明暗之法，自张氏仿印度新壁画之凹凸法后，至唐即有石分三面之说矣。”据此可知，凹凸法作为一种绘画技法，处理的是三维空间、透视与色调对比诸问题，它给中国画家以巨大的启迪，不仅被画家所接受，而且颇受世人赞誉。在此基础上，后人又创造了“没骨画法”，可谓青出于蓝而胜于蓝。另外，天竺绘画理论中的“六支”说，对谢赫绘画的“六法”论也有影响。于此中外共知，匆需赘述。
最后，值得一提的是佛教美术中所表现出的丰富的人文精神，也渗透到了中华民族的文化传统之中，
如莫高窟254窟的“摩诃萨本生”所绘的摩诃萨舍身饲虎和275窟“尸毗王本生”中尸毗王割肉贸鸽的壁画，体现了佛教舍己救人、勇于自我牺牲的精神，这与儒家提倡的“杀身成仁”、“舍身取义”相契合；其285窟“须菩提品”之孝子故事，亦与儒家古老的孝悌观念相符；而33窟、113窟等大量描绘西方净土世界的壁画，则表现了人们对美好事物的向往和追求。凡此种种，皆是大乘佛教所倡导的精神，它们一直流淌在华夏民族的血脉之中。
总之，佛教传入对中国美术的发展产生了巨大的影响，但这种影响是流而不是源。因为早在佛教传入之前，中华美术的成绩便己斐然可观。如王逸《楚辞章句》就说：“楚有先王之庙及公卿祠堂，图画天地、山川神灵，琦玮谲诡，及古圣贤、怪物、行事。”可知绘画在当时的社会生活中已起着相当重要的作用。而佛教东传之后，给中国美术注入了一股新鲜的血液，带来新的题材和风格，不唯使中国美术得到迅猛发展，且佛教美术自身亦成为中国艺术史上的一枝奇葩。

⑵ 美术人洋娃娃

洋娃娃是世界上最古老的玩具，原本意指用布或塑胶制成的西方小孩形象的玩偶，后来泛指模仿人、动物造型的玩偶，又称作布偶、娃娃，是儿童主要的玩具之一，但也有许多成年人将收集洋娃娃当作兴趣。中国古代的玩偶大多以泥、布、木、陶土制成，作为礼品。20世纪初，欧洲玩偶传入中国，许多工厂纷纷仿制生产“洋娃娃”，大多以橡胶和赛璐珞制成。
但在一些地方也是不好的象征，大多恐怖小说作者经常把洋娃娃写成一种女鬼。
中国古代的玩偶大多以泥、木、陶土制成，作为殉葬品。20世纪初，欧洲玩偶传入中国，许多工厂纷纷仿制生产“洋娃娃”，大多以橡胶和赛璐珞制成。20世纪60年代,玩偶材料以塑料为主，头部为搪塑，躯体为吹塑；并有了会走路和做动作的机动娃娃和能哭会笑的哭笑娃娃等玩偶。现在中国的玩偶生产以上海、江苏南通、北京、广东、福建等地为主。

⑶ 是不是学美术的人性格都很怪

都不对，～～～聪明＼苯＼怪，什么的和学美术没有关系，有关系的是我们学了美术也就不自主的在思想上对看世界，看人，看事，的观点，角度受到变化．看你学什么门类拉～比方说学国画的人，接受的就是中国文化的精髓．往往”大家”也是在对中国文化有深刻的理解的．（有时画家和文人是在同个人身上的）
学西方的画～（油画什么的）接受的是西方的思想，只有很好的理解一种画所承载的文化背景，才能学会欣赏它．更不要说是学在其中了．
有科学家和文人不也很”怪”？这是思想上和平常的人不同，所以不能被大家理解和接受．
人和人真正不一样的地方就是思想．学美术的人训练的多少比常人能更好感受到美，审美的提高，使得我们对美的要求都变的敏感和高．这美被延伸到生活的各个地方～尤其是对美好的事物的感受（这和文人好像）所以可能学美术的人心理都比较单纯，（因为对事物的美好单纯的追求），这样对社会上的事想的比较简单，（可能是所谓的怪）所以出现了画家很怪的说法，（也因为他们的纯洁没有污染的心，接受不了现实的复杂和丑恶的地方．）做出常人不能理解的事吧～～～～～画面宣泄着对社会丑恶的不解，愤怒，和绝望．或是表现对美好事物追求的美好，宁静，温暖的感受．可能是具像，也可能是抽象的．．．
不要只看到学美术的思想行为和常人不同，就理所当然的认为学美术的就是怪人．

⑷ 美术人物头和身的比例口诀

站七个 坐五个 盘(蹲着或盘坐)三半个 一般规律

⑸ 美术人的思维方式

学美术的人和正常人的思维相差是有一些的.但也不是完全不一样.即使是学美术的人之间也是有差异的。但如果从大的方面来看，还是大概可以找出一些与普通人不一样的地方。
主要是：
1 形象思维敏感。因为美术是表性造型艺术的，所以，专业的直觉使学美术的人久而久之就产生了以形象思维为主的模式。看事物，看人，甚至对一些抽象概念都是“形象”为出发点。比如，马路上的一些自然痕迹，对普通人来说，他什么都没看见，但对画家来说，他可能看见了高山，河流，甚至是动物人物的形象。这对启发创作灵感是有直接帮助的。
2 与众不同的个性。因为艺术创作贵在创造，也就是不能重复别人的创造，所以，他们自然就以独创性作为追求的目标。包括行为举止，衣着打扮，说话谈吐，甚至做事的方式等等，都可能与常人不同。
3 感情的独特表达。学美术的，包括整个学艺术的（包括音乐），以独特的情感表达来展示自己，这也是艺术家个性化的体现。
4 至于外表，不是所有艺术家都一样的，也不是学美术的都是一个模式。其实，真正的艺术家是不刻意在外表强调自己的个性的，而往往是一些打着“搞艺术的"幌子，一瓶不满半瓶晃的人才注重外表的标新立异。

音乐和美术在艺术原理上很多是相同的，这也决定了画家和音乐家在某些气质和思维方式上的一致。只是艺术表现手法不同使得他们有所区别。对外在事物的感觉上，画家对形感觉好，音乐家对声音感觉好。

一个有趣的现象是，画家由于整天和颜料打交道，大都不拘小节，穿衣较随便。而音乐家要演出，要登台，大多衣冠楚楚，整洁。但搞音乐的人本身也区别很大的，比如搞古典音乐和搞摇滚的人就截然不同，后者和搞美术的人似乎更接近些。

这些都是我个人的多年体会，不是哪里抄来的，不一定对，仅供参考，呵呵~

⑹ 学美术人的智商怎么样

右脑空间想像能力强

⑺ 中考美术人物头像比例

记得画头像时老师就是在强调这三庭五眼;，可它不是绝对的;，因为每个人看物体的角度不同 透视关系也就不同 ，三庭五眼说的是正视头像时脸部的比例关系

三停

发际线到下巴尖的长可以分为三等分。 发际线到眉间连线等于眉间到鼻翼下缘等于鼻翼下缘到下巴尖

五眼

五眼也就是说五个眼睛的长度&它是说眼角线到侧边发际边缘是一个眼睛的长度，左右两边就有两个了，两个眼睛之间是一个眼睛长度，再加上两眼睛的长度，就是五个眼睛了

⑻ 美术人物头像怎么打形我画不好呃

首先把图构好，这个构图其实也是难的一件事，开始没有画好位置的好后面也就完了，画下去也是没有意义的事了。

⑼ 什么人适合学美术

我学美术的，我觉得高中时期应该是：起码有爱好美术的热情和耐心，因为有时画画也很枯燥，一坐下就要好几个小时，很枯燥。。要有性格。到了大学就要具备充分的想象能力了，无论是从事艺术还是设计，这点到了大学很重要哦。

⑽ 古代,现代美术名人有哪些

中国传统的绘画简称“中国画”、“国画”。中国画强调“外师造化,中得心源”，要求以形写神、形神兼备，做到“意存笔先,画尽意在”。以题材不同主要分三大类：人物画、山水画、花鸟画。有一些画家各类兼通独善某一题材，不如齐白石的花鸟鱼虫，张大千的山水等。
根据网络排名给你介绍一下，不一定就准确，还是看个人欣赏。
1.顾恺之是对中国画发展保持影响的第一位画家，他不仅创造了人物画的基本模式，留下了最早的山水手稿《画云台山记》，而且提出如“传神论”这样可以坚守千年的绘画原则。不苛刻地说，在现代美术教育进入中国以前，顾恺之的绘画理念仍然是大部分中国画家所共同遵守的准则。
2.吴道子被尊称为“画圣”的人，非天纵奇才不能获如此殊荣，吴道子也确实厉害，他的许多发明创造是中国画历史中的最亮点，诸如高度的写实技巧、笔法的解放、山水画的正式确立等等，皆是肇始于吴道子。吴道子对中国绘画的贡献是划时代的，如果没有他，中国画的发展不会如现在我们所见，历史将会改弦易辙。
3.王维，外国的研究者总是怀疑王维绘画的真实性，但是中国人一直以来都认为他是诗画结合的鼻祖。虽然王维画迹已经是杳无踪迹了，但是他的诗仍然在，中国人读他的诗，无论何时何地，都能想像那种只可能属于中国人的美妙境地。中国人不会怀疑王维，就像不会怀疑自己文化的灵魂一样。
4.荆浩，现在人可以随意用程式在画室里做“造山运动”，但千万别忘了前人的伟大创造，是他们让绘画──这个巨大的困难──变得相对地容易，荆浩就是这样伟大的画家。荆浩创造了全景山水的基本模式，这个创造为中国人表现自己崇高理想，提供了一个确实可行的路径。
5.李唐在八十岁的时候，仍然在杭州摆地摊，谁都可以想像他的内心一定充满矛盾，但是生命的动荡没有影响画家对艺术品质的要求，他的作品精致华丽又大气磅薄，虽然意气始然却又坚持理性。后人如果凭藉笔墨挥洒情绪，仍然可以借鉴李唐，他的创造是放纵和节制结合的完美典范。
6.赵孟俯对中国艺术最重要的贡献，就是一个字雅。他创造了中国书画的雅文化。读赵孟俯的作品，就是品一杯香茗，听一段丝竹，享受一种心灵安静的状态。赵孟俯的影响力如此之大，以至于在他之后，南方的娟秀文化渐渐成为中国画家心目中的文化主流。
7.倪瓒自古是“逸品”的代表，“逸”是逃跑的兔子，倪瓒就是一只逃跑的兔子。他之所以成为中国画家一个极端的榜样，是因为他的生活轨迹，成为后来所有“有志之士”的模仿对象，他们在逃避世俗世界的时候，仍然可以在精神上向往倪上人的出尘境界。他的绘画理想，或者说人性的光芒，成为中国文人的精神彼岸。
8.董其昌的魅力，不单在他书画的美轮美奂、“南北宗”理论的巨大影响，还在于他的为人处世，虽经历政治风浪无数，仍坐满三朝，虽仕途险恶，却成就一份书画大事业，他的人格魅力是历史中罕有的。如果横向品评，董其昌的综合素质无人可比，他是一位可以被多方位挖掘的伟大人物。
9.八大山人证明瞭一个道理，就是绘画天才和疯子只有一线之隔。许多在常人不可能做到的事情，在八大山人的笔下得以实现。八大山人的绘画给人的感觉是如释重负后的意犹未尽，是给人思考而不仅仅限于观看的，他的作品代表着中国画的真谛。
10.中国画发展到石涛，已经到了变幻无穷的境地，但他的理论更好，他的《苦瓜和尚画语录》可以说是中国绘画理论登峰造极之作，石涛的绘画只取他理论精华的十之一二，就已经如此精彩，所以也难怪《苦瓜和尚画语录》成为在世界范围内最畅销的中国画理论著作。