西夜美术

1. 美术考试。。主题是《夜晚》，有什么好的IDEA和比较新颖的画法吗

凡高的星空系列.

红房子咖啡管.

你要是能处理好夜晚的光线，你可以做一个晚上大家在露天吃烧考的系列.

画面的风格可以学习刘小东.

通过人们的不同反映,折射出每个人在生活中的不同角色,不同心态.这里可以有恋人，学生,民工,有点洁癖 若有所思的公司白领.

因为烧考是一个各个年龄段都喜欢的食物.在中国的消费阶层里,从小到大,从民工到月收入5000的白领.都可以去消费.这是一个非常好的实验

如果有时间,你可以晚上亲自去要一点肉串,进行速写.收集题材,带一个好的数码照相机,把快门声设置成静音,收集题材.

题目我都给你想好了,叫 <夜宴>

顾宏中 其实也是通过画里不同人物的状态反映这些人的内心.当然,主角的笔墨是最多的

你可以用这个名字来借古讽今.在今天这个浮躁的社会里,
人们借这个不分阶级的地方来放松自我.

说着说着我自己都想创作他一张.

画面可小可大，如果经过这次实验，你觉得有东西发掘,是一个有潜力的题材,那么你可以在以后再深入研究画一张大的

2. 美术分哪四大类，分别列举作品

绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术
绘画较多
《向日葵》.《拿破仑的加冕礼》.《荷拉斯兄弟的誓言》.《马拉之死》.《蒙娜丽莎》.《最后的晚餐》《日出》.《印象》.》《圣马太》。《拾穗者》。《呀夜间咖啡店》。《草地上的午餐》。《伏尔加河上的纤夫》。《记忆永恒》。《泉》。《梅杜萨之筏》。《红色和谐》。《亚维农少女》。《割耳朵后的自画像》。《大自然的故事》。《卡门》。《斗牛》。《塞莱斯蒂纳》》《生日》《呼嚎》《内站的预感》《格尔尼卡》。《维纳斯的诞生》。《教皇英诺森十世像》。《荡秋千》。《干草车》。《伊凡杀子》。《吉普塞女郎》。《自由神领导着人民》。《萨宾的妇女》。《亚威农的少女》。《葬礼》。《塞莱斯蒂娜》。.《吃马铃薯的人》
《两棵丝柏树》
《自画像》
《有乌鸦的麦田》
《割草的少年》
《煤矿的妇女们》
《静物：打开的圣经》
<街上的成排房屋》
《手拿康乃馨的女人》
《马车通过的吊桥》
《夕阳下的播种者》
抱着头的老人》
《悲哀》
《向日葵》
《星夜》
《夜间咖啡馆—室内景》
《夜间咖啡馆—外景》
《梵高的卧室》
《阿尔之妇女吉努夫人》、《耳朵绑着绷带叼烟斗的自画像》
《红色葡萄圆》
《有乌鸦的麦田》
《阿尔及利亚的士兵》（半身像）
《高更的椅子》
《日本情趣：梅花（模仿广重）》
《日本情趣：花魁（模仿英泉）》
《梵高的卧室》
《海滨的渔船》
》
《开花的巴旦杏树枝》
《生养紫色鸢尾花的花瓶》
《铃鼓咖啡馆的妇女》
等等
雕塑也不少
《思想者》
法国罗丹所作
《大卫》
意大利米开朗基罗所作
掷铁饼者》
希腊
米隆所作
《萨莫德拉克的胜利女神》
希腊人所作
《米洛斯的阿芙罗狄特》
即《断臂的维纳斯》
作者不详
《拉奥孔》
希腊的哈格桑德罗斯等所作
《赫尔墨斯与幼年的迪奥尼索斯》
希腊的普拉克西特列斯所作
工艺美术作品即工艺品
这里列举中国的
丽江木刻，桦树皮工艺品，漆器，兽皮工艺，砚石工艺，竹工艺，漆器陶器，玉器工艺，大理石工艺，土家族黄杨木雕，瓷器，风筝，剪纸，麦秆画，油画，铅笔屑画，唐卡，拓真画，银
饰品，纸编画，刺绣，鱼皮革。内容气韵生动起来，运气好的话，长寿健康，多财富，子孙的民俗节庆，传统的宗教和民族饰品。这些民间艺术广泛，生动有趣，代表了中国人的传统文化和每天的日常活动。
建筑艺术
简单理解就是建筑吧，著名的有
长城
故宫
巴黎圣母院
卢浮宫
凯旋门
凡尔赛宫
巴士底狱遗址
金字塔
埃菲尔铁塔
比萨斜塔
悉尼歌剧院
圣彼得堡等

3. 东西方美术的区别

中西美术史中“形神观”的分化与融合

绪论：千古冤家——“形”和“神”

“形似”和“神似”，一个是理性的对待对象；一个是感性的对待对象。在绘画领域是一个永恒的话题。在这种问题前，挚着是不行的。尺寸问题是避免迷失的关键；而辨证的分析是走出理论迷宫的不二法门。在本文中无意也无力对这一个千古的理论悬案作出一个评价，只是想将各类的观点理成一个脉络。形似（简称形），顾名思义就是在物象外形上肖似。但这一个含义在不同的环境下（中西、古今……）是不同的。在西欧古希腊和文艺复兴时期，形似的地位是关系着绘画的成败的。而在中国古代，形似的地位就微妙了一些。顾恺之是一个形神兼备的倡导。他的：“传神写照，正在阿睹中。”被后世千古引用。后来还被徐悲鸿列入“新六法”中。这一传统很顺利的保持到了宋代的画院里。可是当时正当文人画兴起，形似的待遇微妙的变化。在苏轼的倡导下，绘画讲究自我表现，追求意境、神似的风气，得到文人士大夫的普遍认同。文同、李公麟、王诜、赵令穰、米芾父子等沿波而起，躬行实践。神似成了绘画品位的代名词（这里的神似和顾恺之的神似已不同了。即物象的神和画面——作者的神的区别。）

所以，神似远不像形似那么简单。首先它不仅是对物象神韵的把握，在艺术作品中加入自己的感情，让艺术作品有自己的思想也是另一种神似。
怕话题越扯越大，便就此打住。进入上部。

上部：意味深长的历史轨迹
——古（近）代中西“形神观”的对比。
将中西美术史加以对比总是很有趣的事。探索其差异的原因更是意味深长的。
正如上所述，形似在不同的地域得到了不同的待遇。但是有一点中西双方是不约而同的。在中西美术上第一个绘画高潮都是人物画的高潮。
中国人物画经过了秦汉的发展，到了魏晋南北朝时期终于迎来了一个高峰。以顾、陆、张三绝，影响了整个中国人物画的发展。
顾恺之（346——407），字长康，小字虎头，江苏无锡人，义熙中为散骑常侍，博学有才气。他是一个早熟的画家。20多岁江宁瓦棺寺壁画，居然“光照一寺，施者填咽，俄而得百万钱”（张彦远《历代名画记》引《京师寺记》），从此画名大振。他的地位，在三绝中是最高的：“像人之美，张得其肉，陆得其骨，顾得其神，神妙无双，以顾为贵。”很清楚，在魏晋时期，中国绘画观念就已经深深奠定了“神”的表现重于“形”的表现。
看完了以顾恺之为代表的中国人物画第一个高潮。就看看西方的人物美术的第一个高峰——古希腊美术。雕塑 雕刻是希腊美术中最重要的部分，它集中地体现了希腊人对美的理想、非凡的艺术才华和对人体的精深研究。许多最优秀的雕刻作品因气势宏伟、形象完美和风格洗练而罕与伦比；千百年来无数画家、工艺家都曾受到它的启示和影响；它所独具的内在生命力和艺术魅力，至今仍放射着灿烂的光辉。

古希腊的雕塑经过了三个时期。
古风时期。
作为古风时期雕刻,通常是从前7世纪开始。这时的人像雕刻大都是直立的形象，总的来说,都未打破僵直的形态,造型手法也较生硬。直到前6世纪，雕刻的艺术技巧有了明显的进步,在人体和动态的表现上都更为自由而富有生气。
二、古典时期
从前 490年起开始了希腊艺术的古典时期。具有强健的体魄、昂扬的精神和典雅优美的造型，是古典时期雕刻的共同特色，这是希腊各城邦在战胜外族的侵和建设自己强盛国家的年代中，人们对英雄人物的理想的体现；同时也形成了与此相应的美的规范。
三、希腊化时期
希腊雕刻经过古典时期的发展高峰，到希腊化时期中心移向小亚细亚的西部和爱琴海的部分岛屿。这时期已很少建造宏伟的神殿，那种庄严崇高的气氛在雕刻作品中也渐趋淡薄，而世俗化的倾向则有所发展。然而在某些杰出作品中，仍然保持着古典时期大气磅飒飒的精神。但到了晚期（以〈拉奥孔〉为代表）雕塑已经失去了崇高的精神。

综观古希腊的雕塑艺术。虽然也强调人的精神和生气。但更明显的表现出了科学的精神。对人体比例的精准把握（以黄金分割律为代表）明显的将欧洲美术带上了写实主义的路子。同将上述中西双方的绘画代表作并列一起，即可以明显的看出这种差异。

让我们把顾恺之的《洛神赋图》和希腊雕塑的代表之作《米洛斯的阿佛洛狄忒》加以对比。顾恺之的画法是当时典型的铁线描。以线造型，然后添色的画法。《洛神赋图》是个长卷，取材于曹植的《洛神赋》。第一段为“惊艳”，描绘曹植一行来到洛水之滨，忽见洛神若惊鸿似的出现。第二段是“陈情”，描写曹植以洛神互述爱慕之情；第三段就是结局了。他把结局改了一下，曹植和洛水之神一起乘舟而走了。《洛神赋图》在人物的塑造方面是十分成熟的。图中不但把洛神的楚楚风姿和曹植那“怅盘桓而不能去”的怅惘神情刻画的丝丝入扣。而且全图以山峦、溪流、林木为背景首尾相连，使绘画空间得以巧妙的延伸和转换，极自然的推进情节的发展。顾恺之诗文书画俱善，所以能将一整篇《洛神赋》搬上画面而仍然楚楚动人，整幅画透着魏晋的萧散自如的气息。这种萧散自如的气息是后世的画家们梦寐以求想要达到的终极美学目标。这里也可以看出。虽然那时的中国古典人物画也非常强调“形似”但整体神韵和人物的神韵的把握，整幅绘画作品诗意的处理是重中之重。绘画“神”的处理是绘画作品成功的首要因素。可以这么说。魏晋的绘画和美学影响了整个中国古代绘画史的走向（既重神韵胜于形似）。

现在可以跨过几千里的时空，去古希腊看看。《米洛斯的阿佛洛狄忒》因1820年发现于米洛斯岛而得名。关于它的制作年代曾有不同的见解，其庄重典雅、威仪凛然的风格，似接近古典盛期的作品；而从残留的台座铭文推断,则属于公元前2世纪晚期所作。像为大理石雕制，高2.04米，头部、身躯均完整，但左臂从肩下已失，右膀只剩下半截上臂。雕像的上半身为裸体，下半身围着宽松的包裙；女神左腿微微提起,重心落在右腿上,头部和上身略右侧，而面部则转向左前方，全身形成自然的S形曲线;颀长的身材、端庄秀丽的仪容、饱满结实的体形构成一个优美、高雅、成熟的女性形象，被视为表现美神的典范之作。这个作品代表了希腊式的审美趣味。比例均衡匀称，富有美感。我们甚至能从大理石中感觉出体温来。它无疑也成功的表现了女神的神韵。着一点是不用怀疑的。表现神韵是造型艺术的目的。但在希腊式的美术中这一切都和“形”肖似紧密相连。

希腊美术在欧洲美术史上的地位也是极为重要的。正如顾恺之的绘画影响了以后整个中国画的观念一样，希腊美术也影响了整个欧洲美术观念，中国美术以后走的都是重神韵，弱化“形似”作用的路子。而欧洲美术就讲究在平面（大理石）上表现出物象的幻影式的画面。中西美术在希腊和没、魏晋时期就表现出了不同的特质。

这种不同的特质更明显的表现在后来在中国成为主流，并取得巨大成就的山水画和在欧洲兴盛的风景画中。

中国山水画从魏晋时期得以萌芽。顾恺之在《画云台山记》一文中说明了他对山水画的探索。顾恺之没有纯山水题材的作品或后人仿作存世。但他的山水画技巧可以从《洛神赋图》的山水背景中看出来：当时的山水画还刚刚萌芽，技巧还非常稚拙。山石纯用线勾画出，近处的树大略的表现一下枝叶，远树都用一个个小扇形表示。但从该图山水之间可以感觉的出一股萧散自如的意韵。魏晋名士们巧妙的避开了技法的弱势，在山水的神韵里自由穿行。

如果说顾恺之山水重意还有技法局限这一个原因的话，那另一个山水画家、山水画的理论开创者——宗炳就在山水画发芽之初就指明了它的发展路子。宗炳（375——443），字少文，南阳涅阳人。家居湖北江陵，出身士族，却不愿做官。当时南朝宋武帝刘裕和衡阳王刘义季招宗炳担任主簿、太尉、太子舍人、通直郎、咨议参军等官职时，他一概予以拒绝。旁人问他原因，他回答说：“吾栖丘饮壑三十余年，岂可于王门折腰为吏邪？”他入庐山加入了慧远的白莲社，著有《明佛论》。生性喜漫游山水，其妻罗氏死后，他更是“放情林壑，以琴酒而惧适，纵烟霞而独往”，只身西涉荆、巫，南登蘅岳，在那里结宇栖居。后来因为老病，才不得已回到江陵老家，叹到：“老疾惧至，名山恐难便睹，唯当澄怀观道，卧以游之。”

宗炳画山水强调“畅神”的功能，可以说是开了元代倪云林的“写胸中逸气”的先声。而他“澄怀观道，卧以游之”的绘画方式，亦要求画家廓清胸怀，凭记忆发挥，把生平游踪一一画成图画。这里虽以记忆为依据，但更强调主观意念的作用，充分发挥了写意的功能。后世也对宗炳的“卧游”的绘画方式十分赞赏从元、明、清到现代，许多山水画家如：倪瓒、沈周、渐江、石涛以及近代的黄宾虹等或是作诗文予以赞赏，或是效仿作卧游图。在中国山水，甚至整个中国画史中，畅神、追求气韵生动的境界始终是绘画美学的最高标准。
从山水画的用笔来看，也能很清楚的发现它的重神重意的特点。对于山水画来说，最有代表特色的技法是皴法。皴法从五代成熟，经过历代画家的演绎和发展，形成了两大流派和几十种皴法。在宋朝时，皴法还保留了许多写实的特征。比如南方的“董巨”的披麻皴很能表现江南的土山和空气中水气氤氲的特点；而北方关峡派的范宽的雨点皴对黄土高原的山体特征很有表现力。但元代以将，皴法的写意表现力就被文人山水大大的发掘了出来。倪瓒学关仝而画太湖。其折带皴已经丝毫没有关仝的川峡风范。萧寒淡远的意韵从他的每一笔中透出来。人称倪瓒的画笔少而墨繁，气息静穆而超脱。除了构图以外，皴法的关系是不可忽视的。清初四僧之一的朱耷的山水更是颠倒淋漓，山已经不再是山，而是心灵的标志罢了（朱耷的成就最大在花鸟，这里只说其山水）。在中国的山水画里，山依然是山，但不只是山的一个部分了。他还包含了画家的情思，山的灵魂。

欧洲风景画也是从人物画的背景中分化出来的。14世纪前半叶的意大利壁画如锡耶纳市政厅的《善政图》，和15世纪初期尼德兰的抄本装饰画上，已经出现了风景在画面上占很大比重的作品。没有人物登场的纯粹风景画最早是以素描等小画面形式出现的。从15世纪起，风景从作为人物画的背景中脱离而成为独立画科。在德国画家丢勒的水彩画和阿尔特多费尔的油画中，出现可确定画家立足点的地志性风景画。风景画在艺术上成熟于17世纪的荷兰。雷斯达尔、维米尔、霍贝玛对风景画的发展有较大贡献。这时，从风景画中又产生海景画、夜景画、街景画等分科。意大利的卡拉奇等人在当时还发展了“理想风景画”，呈现牧歌式田园景光。法国的普桑、克洛德·洛兰在风景画中配置古代神话人物作为点景，被称为英雄风景画。克洛德·洛兰用逆光表现早晨或黄昏的景色而显示特色。在西班牙，格列柯、委拉斯贵支均留下风景画名作。

至18世纪，英国出现约翰 · 康斯太勃，使风景画取得决定性发展。19世纪欧洲风景画的真正奠基者是约翰 · 康斯太勃 (John Constable，1776—1837)他不愧为艺术上勇敢而机智的创新者，为艺术，尤其是风景画艺术，开辟了一个新世界。作为一位卓越的风景大师，在他的祖国却长期鲜为人知。他被伦敦国家画廊所接受的第一幅作品，是他去世之后由他的朋友捐赠的。即使是无偿捐赠，画廊方面仍再三犹豫，唯恐画家大胆的创新精神会引起麻烦。幸运的是，康斯太勃的艺术，在他生前却得到法国公众的重视。一位法国记者根据著名画家藉里柯的评论，劝康斯太勃把作品送到巴黎展出。这才使1824年巴黎欧洲名画展上出现了包括《干草车》在内的康斯太勃的4幅作品。它们给巴黎的观众留下了深刻的印象。画家对大自然的深刻感受和满怀激情；他的朴素、清新、富有独创精神的表现技法；谰熟而完美的油画技巧，都使法国画家为之倾倒。当时，法国著名文学家、小说《红与黑》的作者司汤达科专门著文介绍康斯太勃和他的风景画康斯太勃的风景画代表了欧洲风景画的特征。重视光的运用，重视色彩的配合。他的风景画直接影响了法国的透纳和印象派画家的创作从这些画看，越来越极端的走向纯客观的表现自然。康斯太勃的风景画吸收了大自然的鲜亮色彩，透纳的风景画着力表现动荡的自然景观和人为景观。印象派的绘画就追求一瞬间自然光色的变化和颤动。比起中国的山水画，到印象派为止，欧洲绘画走的都是越来越客观写实的路子（到了后印象派就开始了西方现代美术的进程了）。

从上可见，中西方的绘画发展历程是相近的，首先都是人物画独领风骚，然后山水（风景）画从人物画里脱胎出来，大行其道。但中西方的绘画在古（西方是古代和近代）带时的发展方向是截然相反的。西方始终是以形似为基本。可以形容为科学的绘画。中国走的却是从表现外物神韵到表现内心意韵的路子。可以形容为诗的绘画。

到了西方现代绘画崛起时，这种现象有了惊人而有趣的变化。究竟如何，请看：
(1): 下部：世纪的文化冲撞
——近现代东西绘画的交融与错位
首先要说明一点：形与神的关系只在具像绘画中才有意义，到了抽象绘画中谈形与神是徒劳的。欧洲现代派种类繁多，一一列举是不可能，也没必要的。这里只给出一条具像领域里最具代表性的风格序列。

当然，不论以后的风格如何繁杂，标志着现代绘画的开端的画风是首先要介绍的。后印象派不是印象派的后期。他们这三个画家虽然和印象派画家有联系，但艺术的方向是相反的。他们对于绘画有自己的认识，虽然同为后印象派，但是从画风到绘画理念都不相同。但共同的一点是：他们都不想和印象派一样完全客观的表现自然。他们想在画中加入自己的东西。绘画发展到这里，写实已经失去了挑战性，各种写实画风都被前人一一尝试过了。想加入自己的东西就应该在写实之外的地方开掘。

保罗·塞尚。这是个生前不受重视，生后被评为现代绘画之父的人。保罗·塞尚于1839年1月19日诞生于法国南部普罗旺斯地区艾克斯的一个银行家。1858年到巴黎学画，并与文学家左拉、诗人波特莽尔等人结识，60年代初，支持过库尔贝反对古典主义学院派的斗争，从而与印象派画家莫奈、毕沙罗、雷诺阿等相结合，1872年，塞尚全家迁居瓦兹河谷的蓬图瓦兹城，在毕沙罗的影响下，积极参加印象主义运动。但是，塞尚努力探讨物体内在结构的思索使他不得不对印象主义发生怀疑，他指出：“世界上的一切物体都可以概括为球体、圆柱体和圆锥体”，从而在画面上做到极大的概括。他反对传统绘画观念中把素描和色彩割裂开来的做法，追求通过色彩表现物体的透视。他的画面，色彩和谐美丽。面对写生对象，他总是极其审慎地观察、思考和组织画面的色调，反复推敲，反复修改，以致许多画总像是没有完成一般。为了长久地反复钻研，他经常面的题材是静物画。

可以看出，他从绘画理念到绘画方式都和印象派画家有了很大的分歧。将美感概括，从而产生出更崇高的美来，这是塞尚的信念。他在画面中研究“永恒”的形式。一种区别与外界的，看来有些不可思议的又富有美感的形式。我们或许还不能把这种形式和神似挂上钩，但这种绘画理念触动了整个欧洲画坛。使更多的风格更快的出现了。

事实上，欧洲现代绘画可以大体上分为两大类。一类是理性的解析美丽。一类是感性的表现美丽。如果塞尚是前者的初始，那凡·高就是后者的初始了。

凡·高出生于荷兰赞德特镇一个新教牧师之家，24岁之前，曾在海牙、伦敦、巴黎等地的古匹尔画店当店员。后来成为传教士，在比利时西南部的博里纳日矿区传教，由于同情和支持穷苦矿工的要求而被解职。在度过了一段极度失望和贫困的生活后，他决定在艺术的探求中完成自我的解脱。1880年以后，他到处求学，向比利时皇家美术学院求教，向荷兰风景画家安东·莫夫学画，但最后还是决定自学。他克服种种困难，努力按自己的认识表现世界。在1886年以前，他的作品还都处于探索的时期，代表作有《吃土豆的人》、《纺织工》等。1886年凡·高随他担任古匹尔画店高级职员的弟弟来到巴黎，结识了图鲁兹一劳特累克、高更、毕沙罗、修拉和塞尚，并参加印象主义画家们的集会。从而使艺术眼界大为开阔， 开始以完全不同于过去的方法作画，画面色彩强烈，色调明亮。1888年2月，他同高更结伴同行，到法国南部的阿尔写生作画，长达一年之久。这是他艺术风格形成的最重要的时期，南国的强烈阳光和阳光照耀下的市镇、田野、花朵、河流、农舍和教堂，使他禁不住一遍又一遍地高喊： “明亮一些，再明亮一些!” 他和高更这时已经同印象主义的观点发生分歧，却同时对表现主义或者象征主义发生浓厚的兴趣。因此，曾经有过建立“南方印象主义”或者“印象主义分离派”的打算。后来因为2人的关系恶化，高更离去，凡·高在发生割下自己耳朵的事件之后精神逐渐分裂。因此，他们没有结成任何团体。1890年，经过圣雷米的德莫索尔精神病院的长期住院治疗，病势稍有好转后，凡·高回到巴黎，住在瓦兹河畔的奥韦尔，接受伽塞医生的专门治疗，并勤奋作画，作有《伽塞医生肖象》、 《奥韦尔的教堂》等。但是，在1890年10月27日，在同伽塞医生发生争吵之后，突然开枪自杀，结束了自己的生命。凡高一生留下了丰富的作品，直到死后才逐渐被人们所认识。这些作品中作者突出地追求自我精神的表现，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。这样的艺术对20世纪表现主义影响甚深。

表现自我精神，是凡·高绘画的一大特色。形体的准确已经退到了第二位了。绘画中自我精神的表现成为了绘画的核心。这种绘画思想和东方的追求绘画中“意韵”表现的绘画思想渐渐的走到了一起。其实凡·高在绘画中受到了日本浮世绘的影响。在线条上甚至有的地方有一点“皴法”的味道。事实上，西方绘画在走出“形似”迷宫困境时，就是接受了东方绘画（及其他非欧洲美术）的影响。这种影响揭开了一场文化上的交融和冲撞的序幕。

而在近代的中国，也接受着来自西方绘画的影响。
最早提出要学习西方绘画的是维新派的康梁二人。但是他们提出这个观点并不是因为绘画。他们认为西方的精神比中国务实。而正是这种务实的精神使西方在近代史上了领先于中国。而绘画是民族精神的重要体现。要改变这种不务实的民族精神，就要在各方面学习西方。政治上是君主立宪制。文化上是开西学。艺术上当然是学习西画了。但他们认为政治和文化为关键，而且他们并没有西画的功底，无法广泛的推行西画。所以这种倡导还停留在口号上。

真正的广泛的学习西方绘画是在新文化运动时。这个时候的精神领袖陈独秀也大力的宣传民主和科学。在绘画上，西方绘画也被当作“科学”的绘画大加提倡。被认为是西方精神的集中体现。而中国的传统绘画则被认为是中国近代衰落的原因。现在来看这种说法不免偏激和幼稚。但再那个几代人寻找救国之路的时候，这个口号在年轻的学子中很有感召力。一大批人出国留学。其中出国学画的年轻画家后来成为了中国画坛上西画的中坚力量。徐悲鸿就是那个时候学习西画的画家群体中的佼佼者。他21岁时到上海，便在应征仓颉画像的竞试中脱颖而出，被请到圣仓明智大学作画、讲学，结识了中国的学者鸿儒，得以视野大开，学艺精进。其写生入神的功力和锐意革新的气魄使康有为发出"艺坛奇才"的赞叹。1918年，他经过对日本艺术的考查之后回到北京，虽年方23岁，已成为北京大学画法研究会导师。置身于中国新文化运动的行列，他发出了革新中国绘画的振聋发聩之声，提出了以"古法之佳者守之，垂绝者继之，不佳者改之，未足者增之，西方绘画之可采人者融之为核心的著名的《中国画改良论》1919年，带着寻找中国艺术发展途径的使命感，他前往巴黎留学，考入法国最高美术学府一一巴黎国立高等美术学校，刻苦研习素描、油画，又以法国现实主义伟大画家，以描绘布列塔尼农夫，渔民享誉欧美的达仰为师，全面深入地把握厂欧洲优秀绘画传统的技巧与精神。他还在八年之中遍游欧洲各大美术馆，临摹了拉斐尔、伦勃朗、委拉斯盖兹、普吕洞、德拉克罗瓦等各派大师的名作，对西方艺术的精华精通练达。1927年，他送交法国全国美展的9幅油画全部人选，以中国画家的卓越才华和独特的东方韵味令法国画界瞩和惊讶。回国后，他致力于建立中国科学，现代的美术教学体系，用西方绘画来改造中国画。它以素描为基础，创造了解剖学、透视学与"默写"结合在一起的教学方法，确立了"穷造化之奇，探人生之究竟"、"致广大、尽精微"、"宁方毋圆、宁脏毋净、宁拙毋巧"等教学原则。徐悲鸿强调学贯中西，因材施教，要求擅西画者多临摹中国古画，擅中国画者精研素描，以求融会贯通。他特别强调描写人民生活，作大量速写，经过严格的训练，使学生做到离校后对任何题材均不感束手。

平心而论，徐悲鸿对中国绘画的贡献是不可磨灭的。现代中国写实绘画的成就很大程度上是和他的努力有关。他针对于中国画坛上片面模仿石涛，朱耷；大有使之成为新“四王”的现象，大力倡导写实绘画。但这种倡导到了后来被有些人误认为“写实绘画是科学的绘画，中国画不是写实绘画（至少50年代的时候很多人这么认为），所以中国画不科学。”这种观点给中国画的发展带来很大的伤害。这以后，中国绘画片面的追求写实，追求政治性和艺术性的统一。这本来也没错，但只是口号性的东西。要用到实践上是很不容易的。到了后来就成了“人物画，政治画独领风骚”。和西方绘画走出写实的困境相比，东西绘画在发生“交融”的同时，也病态的发生了“错位”。但丛另一个方面来讲，西方绘画开始追求形似范围以外的画面意韵的时候，在中国又回到了崇尚写实，以写实为基础的绘画道路上。这种错位可以理解为一种交融。

就像本文一开始说的：从更高的层面来说，形似是科学的表现对象，是绘画中的理性精神；神似是感性的表现对象，是绘画中的人文精神。绘画无非是在这两种精神的交织下发展的。和东方相比，西方绘画的基本精神是理性的。在现代绘画时仍然如此（虽然有感性的一路，但现代绘画的基调是研究美，这本身就是一种理性态度）。向东方绘画学一些东西，是借以完善自我的一种途径。它的基本精神从来就没有离开过西方。中国的情况复杂一些，近代的屈辱使得从政治、经济、文化、艺术各个领域都在寻找救国之道，当艺术负担起了救国的担子时，必然不能按照它应有的道路发展。在这种情况下，追求写实是必然的选择。如果抛开这点的话，中国绘画的学习西方的更本精神还是中国传统的绘画精神。

林风眠是这样一位大师：他年纪尚轻是从法国留学回国，马上当上了北平国立艺术专科学校校长，开始实践他关于融合中西，给陈旧的中国绘画以新的生命的理想。林风眠笔下的绘画和传统中国画拉开了很大的距离，他采用的表现形式在很大程度上是“西方化”的，但是，画面效果和作品所体现的意境 却又体现了东方诗意，具有浓厚的中国传统审美趣味。林风眠没有使用传统的笔墨，没有以书法用笔作为造型手段，他用了一种较为轻快、活泼而富有力度的线--这些线在造型的同时，传达了一种生命活力和音乐般的韵律。他习惯用大块面的涂染，有如水彩或水粉的画法，例如他画的风景画大都是这样。尽管看上去没有继承中国画传统的表现方法，但画面总体传达了浓重的中国画韵味，空灵、含蓄、蕴籍，富有诗意。虽然他说“传统的中国画应该告一段落了”，但他的绘画却画到了中国的骨子里。
在那个时候，持有林风眠的绘画理念的画家还很多。像决澜社的画家们。可以看出，如果不是外界的原因影响，一个民族绘画的发展是以自己的绘画精神为核心的。从这个角度讲，中西绘画在表面上错位、交融的同时，其实是借机向自己本来的方向发展。绘画本来就是这样的。一个民族的文化精神就是绘画的支点。不论什么时候，绘画的样式怎么变化，精神是不会变的。而形似和神似，在更高的层面上还在继续演绎着。

4. 古希腊美术发展的三个时期及特点

真正意义的欧洲美术该从古希腊开始。希腊美术的地理范围以爱琴海为中心，因此也被视为
爱琴美术的延续。
雪莱曾在诗中吟道：“我们都是希腊人。”希腊是欧洲文明的发源地和摇篮，没有希腊，无
法想像欧洲文明会是什么样子，今日西方世界无处不遗存着希腊文明的传统。可是除了居住
在希腊半岛上的公民自认为希腊人外，很少有人像雪莱那样以哲理的想像认为自己是希腊人
。那么究竟谁是希腊人呢?
历史表明，克里特的征服者、特洛伊城的毁灭者——迈锡尼人，是希腊最早的居民之一。后
来沦为北方蛮族的奴隶，并逐渐分流为多立克人和爱奥尼亚人，他们都有共同的信仰和语言
，所以称他们为希腊人。
“希腊”一词意为典雅、优美。后来创造出许多雕刻艺术杰作的希腊人正与这典雅、优美之
名相称，可谓名副其实。
希腊三面临海，北面连接欧洲大陆。境内多天然良港，可以经过地中海通向世界各地，为航
海和对外贸易提供了极为有利的自然环境，内陆多山，土地贫瘠，但是盛产大理石，为雕刻
艺术提供了极方便的物质材料。
到了公元前12世纪，爱琴海文明受到北方蛮族入侵的严重破坏。但不屈的希腊人在这块曾经
有过丰厚文明的废墟上重新建立了灿烂的希腊文明，成为欧洲文明的真正始祖。
进入奴隶社会的希腊半岛，建立了200多个奴隶制城邦国家，每一城邦以城市为中心连同城
郊农村组成大小不等的国家，各自为政。其中最强大的是雅典和斯巴达。由于国穷民贫，为
了
生存和发展，各城邦国家之间不断发生战争，弱肉强食，为了保存自己，掠夺财富，城邦国
家实行强国强兵政策，在城邦内部实行民主政治，自由民直接参与城邦治理，十分重视民族
体格素质的锻炼，所以管理国家、锻炼身体是每个公民的神圣职责。
希腊本土气候宜人，阳光充足，温度适中，在这样的自然条件下适宜于户外裸体锻炼和比赛
。由于裸体运动，改变了人们的观念，不以露体为耻，反以健美身体为荣光，这引起美学家
们的关注和艺术家的表现，美学家们发现人体美，艺术家们创造美的人体。大政治家伯里克
利斯说：“我们是爱美的人。”希腊民族是爱美、创造美的民族。
希腊人在民主自由和激烈竞争的环境中不仅发现、孕育和创造了美，而且也创造了神，在希
腊人的心目中最完美的人就是神，因此希腊人尊重人,把人提高到神的高度加以肯定，神和
人
是同形同性，希腊人把强健的身体看成是一切善与美的本原，而把希腊神话视为艺术的精神
本源，正如马克斯所指出的：“希腊神话不仅是希腊艺术的武库，而且是它的土壤”。所以
希腊艺术主要成就表现在神与人合一的雕刻和神庙建筑。希腊美术的主要特点是无所不包的
和谐与规律性，还有庄严与静穆。它的主要标志是人体美，希腊人为人类贡献了高不可及的
艺术典范之作。

迈锡尼工艺雕塑

迈锡尼城位于希腊半岛南端的伯罗奔尼撒半岛的东部。发生于这个地区的文化因迈锡尼城而
得名，史称“迈锡尼文化”，成为克里特文化之后的又一重要文化。
在荷马史诗的记载中，荷马常用“多金的”这个词来形容迈锡尼。其实它并不盛产黄金，但
是金银工艺制品相当发达，这是由于迈锡尼人同产金国，尤其是埃及人直接贸易所形成的，
其中最引人注目的是金面具、金酒器等。当今考古发现除狮门有装饰雕刻外，雕塑艺术成就
主要表现在金银工艺制品上。
动物雕塑在酒器工艺中被广泛运用。《狮头酒杯》是用金箔敲打而成的，形象以写实为基调
，着力于装饰雕琢，简练概括，呈现狮子的基本形象特征。最有趣的是有双把手的高脚《鸽
子酒杯》，造型不一般，这种形状的酒杯在史诗《伊利亚特》中曾有过描写：“旁边放着一
个酒杯，是老人从家乡带来的。它镶嵌着金钉，杯的提耳一共有四只，每个提耳上面站着一
对黄金鸽子，好像正在啄饮；提耳下面有两条长柄支持。”这是真实的记录，“史诗”确有
史实根据。
金面具是丧葬品，模仿死者的面容制成，一般是罩在身分高贵的死者的脸上，这些面具实际
上就是氏族部落首领的遗像。所以每个面具的面型都有特点：有的浓眉大眼，有的淡眉微现
，有的嘴唇紧闭。迈锡尼的这种为死者罩面具的风俗，古埃及人早已沿用，且有明显的宗教
含义：为死者留下一个不朽的面容，以便死者的灵魂飘荡四方以后还能找到自己的归宿。迈
锡尼人制作面具是否也具有这宗教意思，至今尚无史料证明。
爱琴海艺术从地理环境上看起来似乎前接埃及艺术，后带希腊艺术，但是它决不是埃及艺术
和希腊艺术的中间媒介。爱琴海地区的雕塑艺术具有民族的、地方的特征，这种个性特征既
表现在艺术形式构成上，也表现在审美意识上。爱琴海艺术形象给人们的视觉感受不像埃及
那样地对神灵和法老的崇拜，更多的是对神灵和王者的无视。他们的艺术直接同人类自身与
现实生活相联系，艺术形式比起古埃及来更为轻松自然，具有和谐的节奏感和波动律。
克里特历经盛衰，特洛伊战争使特洛伊毁灭，迈锡尼衰落，一帮野蛮的游牧民族阿提卡人南
下，一代古老文明便在铁蹄下变为一片废墟。但就在这文明的废墟上滋生出了古希腊文明。

希腊雕刻艺术

由于北方蛮族南下毁灭了克里特和迈锡尼的文明，希腊人被迫重新创造自己的文明。希腊文
明主要表现在希腊神话、建筑和雕刻上。
希腊雕刻分4个时期，即荷马时期(公元前12世纪—8世纪)，因荷马史诗是这一时期唯
一的文字史料而得名；古风时期(公元前750年—6世纪末)，因这时期的雕刻艺术呈古
朴稚拙的风格而得名；古典时期(公元前5世纪下半期—334年)，指希波战争结束至马
其顿亚历山大大帝开始东侵；希腊化时期(公元前334年—30年)，指罗马灭亡埃及托
勒密王朝这一历史时期。

荷马时期·希腊神话

荷马时期的开始，是以多利亚人从希腊半岛北半部南下为标志的，约在公元前12世纪末到11
世纪。这个时期是氏族部落社会，已进入铁器时代，它改变了荷马时期的社会面貌：产生了
私有财产和阶级分化，进入奴隶社会，这时期政治上盛行原始民主制。到荷马时期末已由部
落的管理机构开始向国家统治机关过渡。
由于多利亚人的南下，克里特和迈锡尼文化遭到毁灭，希腊文化必须从头开始。
从公元前12世纪到前8世纪的近四百年时间里，遗存的艺术史料甚少。由于荷马史诗在这一
阶段汇集而成，并且反映了这一时代的精神面貌，所以史称“荷马时代”。荷马史诗是指《
伊利亚特》和《奥德赛》，相传为古希腊著名盲诗人荷马所作。这两部史诗是希腊初期文
明的网络全书，正如柏拉图所说，“荷马培养了整个希腊”。换句话说，不了解荷马史诗也
就无法理解希腊文明。这又必然涉及到希腊神话，因此又可以说，如果不了解希腊神话就无
法鉴赏希腊雕刻艺术。马克思曾说过，希腊神话“不只是希腊艺术的武库，而且是它的土壤
”。荷马时代正是希腊神话的形成时期，略知一些希腊神话，对于探讨、鉴赏希腊、罗马乃
至后来的文艺复兴美术具有十分重要的意义。
希腊神自成神系，称“奥林匹斯神系”，前后两辈。在未有宇宙之前只有混沌神——卡俄斯
。卡俄斯生下大地女神该亚、地深处神塔耳塔洛斯、爱神厄洛斯、黑夜男神厄瑞波斯、黑夜
女神尼克斯。两个黑夜神又生下了太空神埃忒耳、白昼女神赫墨拉、死神塔那托斯、睡眠神
许普诺斯。大地女神该亚生天父乌剌诺斯，天父又与母结合生六男六女：女儿称提坦女神，
男孩称提坦神。天父担心儿女夺权，便将提坦诸神囚禁于塔耳塔洛斯。该亚怂恿最小的儿子
克洛诺斯起来反对父亲，受伤的父亲的血滴在地上生出复仇女神厄里尼厄斯和巨神吉伽斯，
这就是前辈神族。
克洛诺斯夺了父王之权与妹妹瑞亚结合生了六男六女，最小的叫宙斯。宙斯后来取代父亲主
宰世界，又与兄姐及子女组成新的神系家族，生活在希腊人敬奉的圣山奥林匹斯山。人们在
艺术品中常见到的诸神主要都是这个神系及他们繁衍的后代。众神之父宙斯罗马名朱彼特，
统治天国、人间,掌管雷电，又称天神；天后赫拉，又叫朱诺，掌管乌云、风暴、闪电和雷霆，
称天空之神。宙斯的姐姐迪弥特，又叫赛来斯，是农业收获之神。宙斯的哥哥一个叫哈得斯，
统治着地狱和冥国，另一个叫波赛冬，掌管海洋，又叫海神。宙斯和勒托生的儿子阿波罗是
太阳神，女儿阿特米斯，又叫狄安娜，是狩猎和月亮女神；宙斯和天后朱诺生的两个儿子，
一个叫阿瑞斯，又叫马尔斯，主管战争，称战神；另一个叫赫淮斯托斯，又叫瓦尔冈，是火
神和工匠之神。宙斯和山岳神女迈亚生的儿子赫尔墨斯，又叫墨丘利，是众神使者和宙斯特
使。宙斯与大海神女狄俄涅生的女儿叫阿芙罗狄特，又叫维纳斯，也有人说维纳斯是从海的
浪花中诞生的，她是爱和美的女神。从神族家谱来看，希腊神话显然是原始社会群婚制的产
物。各种神职是人对自然现象不理解，用想像和借助想像企图征服自然力，支配自然力，从
而把自然力加以形象化。这正如恩格斯所说的：“由于自然力被人格化，最初的神产生了。”

古风时期的雕刻

公元前8世纪到6世纪，希腊社会发生了巨大的变化，部落首领的权力完全消失，原始公社
瓦解，奴隶制度在希腊形成，开始建立了奴隶制的城邦国家。由于陆地贫瘠，城邦国家之
间的矛盾日益尖锐，导致海上扩张和殖民统治。这两个方面互相影响、互相促进，使希腊在
政治上与经济上很快成为地中海世界的一支强大的力量。
在荷马时期，雕刻艺术仅是一些小雕像。真正古希腊雕刻史的首页应从古风时期开始。因为
古希腊雕刻中最突出的人体雕刻就是在这一时期奠定基础的。
法国美术史家丹纳曾说：希腊人表现人体还有一种全民性的艺术，更适合风俗习惯与民族精
神的艺术，或许也是更普遍更完美的艺术，这就是雕塑。人体雕刻艺术是古希腊雕刻艺术之
冠。
人们从保存下来的属于古风时期的男女人像雕刻中，可以窥见人类幼年时代的文明成就。古
风时期的男子人像雕刻主要是青年全身裸体立像，希腊人称为“库罗斯”(意为“小伙子”)
。这些雕像在人体比例和肌肉质感方面都接近真实的人体，面部表情开始生动起来，现出笑
容。不管何种身份和职业的人物都用这种微笑表现，成为当时统一的时代风格，后
人称之为“古风式微笑”。

希腊过渡时期雕刻

在希腊艺术发展进程中，由古风发展到古典时期中间有一个过渡时期，指公元前5世纪前半
期。在这段时期里希腊经历了一场反抗波斯入侵的著名的希波战争。著名的马拉松战役就在
这个时期。
希波战争对古希腊具有深刻影响，严酷的战斗培养了希腊人强烈的爱国主义和奋发图强的精
神，产生了伟大的悲剧艺术。在雕刻艺术中出现了战斗，歌颂英雄业绩的主题，无论是表现
神话还是现实题材都与古风时代作品不同，与“古风式微笑”形成鲜明对照。产生了具有时
代精神的严谨风格：从静态的姿式转向力求表现运动甚至激烈动作；从过去只表现人物的正
面发展到表现人物的多种方面。雕刻的技巧更加熟练，逐渐形成一种比例匀称、结构准确、
形体明晰的“团块”体系。这时期的代表作品有《驾车人》、《波赛东》、《鲁多维奇宝座
浮雕》和《里切亚青铜雕像》等。

5. 陈雨顺的夜色主义绘画：

雨顺思想包括：战略论/夜色主义绘画/雨顺哲学三大理论体系。
把脉世界时代特征，城市夜生活与休闲度假的繁荣气象。夜色主义绘画倡导古典主义与印象主义、东方写意与西方写实的文化相互融合；作品取材源于世界文化之都与之最的夜中水景。夜的颜色定义为没有任何可见光进入视觉范围，五彩缤纷的灯光环境主要以深颜色（黑、普蓝、灰色等颜色）为基调。
夜色主义绘画起初主要分为两大主题。第一类为，世界旅游休闲度假式的中国贵州黄果树瀑布国画；第二类为，古都城市夜生活繁荣气象的中国北京什刹海、故宫、西湖等油画和国画夜景。这个体现了“美丽中国梦”的创作元素和践行“北京精神”的创造方针，夜的颜料如果吸收光谱内的所有可见光，不反射任何颜色的光，人眼的感觉就是黑色的。如果将三原色的颜料以恰当的比例混合，使其反射的色光降到最低，人眼也会感觉为黑色.所以黑色既可以是缺少光造成的（漆黑的夜晚），也可以是所有的色光被吸收造成的（黑色的瞳孔）。夜色是一种具有多种不同文化意义的颜色。而且夜色一向不会过时。夜色是万色深到最极致的极色。黑色是夜的颜色夜是寂寞的喜欢黑色的夜。夜色是一种具有多种不同文化意义的颜色。而且夜色一向不会过时。我的世界没有其它颜色可选喜欢夜色，是因为它很纯可以覆盖自己的另一面永远不被别人看见。这个时代是和谐的时代、繁荣的时代，和谐夜色从用色上来讲主要采用水墨或者西方高级油黑为基础的色彩来创造作品；和谐夜色表达着人的思想、感情、智慧，她倡导着人文精神和现实主义用东方写意与西方写实相互结合的创作方法，通过真实的空间及夸张、变形等方法来给予表现。这是人类文明和谐发展的结晶。
夜色主义绘画坚持科学发展观，落实和谐文明，以人为本的研究创作原作，最终整合了以静物花鸟画为基风景为主人物为辅的造型理念，应用了中国古代阴阳哲学、战略学、光学、摄影学、黄金分割等构图法则。夜色主义绘画哲学思想为阴阳合一、天人合一，这样才能促进社会和谐美满、风调雨顺，方能国泰民安，阴阳统一是促进和谐社会的统一体。夜色主义绘画充分地吸收了西方文艺复兴时期美术三杰、现实主义绘画、印象派等绘画理论，以及融合了中国五代南唐以来的国画等众多绘画思想与审美情趣加以整合及应用。这是当今美术史上的一次变革更是发扬和继承传统文化的一次延续。

6. 什么是美术

中国艺术科技研究所美术考级划分为10个级别：中国画（花鸟、山水、人物），书法，硬笔书法，西画（素描、速写、水彩、水粉、油画），漫画四大类十一个专业，每个专业分十个等级四个档次。1—10级，级别数越高水平越高。但高考不加分。

(6)西夜美术扩展阅读：

全国美术等级考试由中华人民共和国文化部艺术发展中心主办，是社会艺术水平考级的一个重要组成部分，它是在规范的操作程序下，通过统一的评判标准对参加考级人员的美术水平进行评比、认定的一种测评方式，是检验教学质量和学习成果的一个重要途径，是普及社会艺术教育的一种重要手段。

在高考方面，美术等级考试能加分，但是前提是你考的大学是非艺术专业大学，就是说，如果你考美院或者某某大学的艺术系，你拿着美术专业等级证书不能加分。但如果你考综合大学的其他系，可能就能加分。

7. 西方绘画是什么

西方绘画从古希腊、罗马开始，经历了中世纪的基督教艺术时期，在13至16世纪文艺复兴时期达到高峰。意大利文艺复兴初期的著名画家、雕塑家乔托创作了许多具有现实生活气息的宗教画，被认为是欧洲绘画之父和现实主义画派的鼻祖。文艺复兴时期的绘画取得了令人瞩目的成就，最为出色的创作有为人称道的“画坛三杰”的米开朗琪罗、达•芬奇和拉斐尔，他们分别创作出《创世纪》、《最后的晚餐》、《蒙娜丽莎》、《西斯廷圣母》等举世闻名的不朽杰作。17、18世纪欧洲美术有长足的发展，绘画进一步摆脱了宗教的束缚，肖像画、风景画、风俗画、静物画、动物画都获得了极大的发展。这个时期欧洲各国涌现出一批杰出的画家，如荷兰的伦勃朗(代表作品有《夜巡》、《自画像》等)、尼德兰的鲁本斯(代表作品有《阿马松之战》等)、西班牙的委拉斯贵支(代表作品有《教皇英诺森十世肖像》等)、法国的夏尔丹(代表作品有《饭前祈祷》等)，以及英国的透纳(代表作品有《战舰归航》等)。18、19世纪欧洲进人近代史阶段，尤其是启蒙运动和资产阶级大革命，使法国成为欧洲政治与文化的中心，也成为欧洲美术的中心。法国画坛涌现出许多美术流派和著名画家，其中有法国新古典主义美术的代表人物雅克•路易•大卫(作品有《马拉之死》等)，有法国浪漫主义美术的代表人物籍里柯(作品有《梅杜萨之筏》等)，德拉克洛瓦(作品有《自由神领导人民》等)，有法国批判现实主义美术的代表人物库尔贝(作品有《石工》等)和米勒(作品有《拾穗者》等)，有法国印象主义美术代表人物莫奈(作品有《日出印象》、《草垛》等)和雷诺阿(作品有《浴女》、《包厢》等)，还有法国后印象派的代表人物塞尚(作品有《苹果和橘子》等)和高更(作品有《塔希提的妇女》等)。这个时期，英国、美国、瑞典、丹麦都出现了一批优秀的艺术家，特别是俄国“巡回画派”集中了一批杰出的画家，其中最著名的是列宾(作品有《伏尔加纤夫》、《伊凡•雷帝杀子》)和苏里科夫(作品有《近卫军临刑的早晨》、《女贵族莫洛佐娃》)。20世纪以来，西方画坛出现了现代主义美术的各种思潮和流派，其中包括野兽派、未来派、立体派、抽象主义、表现主义、超现实主义、构成主义、新造型派、超前卫艺术、波普艺术等等，在形式上不断翻新，在手法上标新立异，形成十分复杂的艺术现象。

8. 剪纸是民间艺术，也是非物质文化遗产，你想学吗

这个问题拿现在的话说就是有点“狗血”！过去剪纸一直在民间流传，并没有登过大雅之堂，但也流传了几千年，是我国在民间普及最广的古老民间艺术之一。因为材料简单，简单易学，而且又以装饰生活的实用品存在的，流传下来并不奇怪。然而，随着科技的进步和城市化进程的加快，传统手工艺受到了严重冲击，很多民间艺术仿佛一夜间就消失了，剪纸也不列外，会的人越来越少。

其实这很正常，天熙熙熙皆为利来……别听有的人把剪纸说得神乎其神，其实没那么难，不过是重复“卖油翁”的故事罢了，要想学到剪纸的精髓，记住一句话就可以向生活学习，熟能生巧，玩出风格，弄出特色就成功一大半了，过去的老剪纸艺术家也没有花钱跟谁学，只是受家人耳濡目染自然成就而已。就剪纸本身而言虽不高深，但也值得伴随一个人一辈子。

9. 【美术】西洋红是曙红色吗 二者有何区别

不是，两种完全不搭噶，夕阳红偏紫，但又不是太紫，主要偏红，桃花红深一点点就行。曙红是中国画的传统颜色深红偏熟褐

10. 美术色彩知识有哪些

水粉画应注意两大点：
1.色相搭配
素描画时不用考虑色彩搭配，水粉不同，要考虑色彩之间的搭配和谐，和穿衣服差不多，都是灰的要搭配些纯的东西，都是纯的要搭配灰的，静物中没有就要制造和改造，如衬布太纯，显不出水果，要主观调低衬布的纯度，两块布都太纯了，要调低其中一块，两块布都太灰，要提高一块纯度。造成画面的和谐(常用的办法是变调或改变他们的面积)来达到画面和谐。（水平高的老师摆出来的静物本身就很和谐，也有老师不太注意这些只考虑了素描中的构图聚散稳定，所以画起来不主观调整怎么画都一般）。 其实认真观察光源色，环境色，就算不和谐的色块也能统一起来，从多色相当中组织好色调。当然对于初学还是尽量用同类色作画容易出效果。
2.视觉中心（主次分别）
素描中视觉中心很容易定，特别头像，那个角度都可以是五官为中心，其它地方减弱了对比。而画色彩时就散了，看那都是花花绿绿，不知道表现什么了，所以心中要定一个视觉中心，它的对比强度最强，别的都不能超过它，超过来也要主观的减弱它，反过来中心对比不明显，也要主观的拉大它的对比。这样就有主次之分了。和头像的道理一样，突出五官，突出主体吗。 一般视觉中心的对比强，周边对比弱，中心的投影重，周边的弱。中心纯度高，周边低。
3.不掌握色彩三要素
看一个物体或一块衬布还是一颗大树，由一端向另一端的变化，除了明度变化，还有色相和纯度的变化，如一个罐子左端暗右端明，伴随着还有左端冷右端暖，左端纯右端灰。所以观察点更要放在对物体两头的观察，把握大的色彩倾向，中间的细节或过度色块就容易把握了，就算看不清楚蒙也可以，只要大倾向正确局部错误也不会太影响整体效果。
说了这么多，其实就是一个主观取舍的问题和对比统一的问题。切不可最求和对象一致，最求的目标是比对象更和谐更美。