美术艺术照
非美术生的摄影专业会有绘画课程但不多
Ⅱ 美术和摄影的关系
美术和摄影的共同点是都很在乎构图。
摄影更讲究用光，强调主动布置光线。
美术绘画在照相术发明之前主要作为一种记录的形式，有风景和人物等等，也有表现画家创作艺术的。但是主要还是作为记录形式。
照相术发明过后，绘画逐渐向抽象写意表现情绪发展，由印象派的写意逐渐转向人们所认为的怪异。让人看不懂。当然写实的绘画也还是存在。只是不做为记录形式而纯粹是艺术化的东西。是培养人的艺术修养的很重要的一部分。记录的功能渐渐减少。而由摄影承担。
摄影，发展历史远比绘画短很多，但是它的方便和自由性很受人欢迎。可以根据自己意向取景，拍摄各种各样的照片，还可以进行后期处理达到想要的效果。对人的审美和眼光的培养是很有帮助的。
美术是发源与自然而又不脱离自然。因为任何美术形式都是建立在自然的基础上的。有自然，才有风景，动物和人类，才有现在人类的文明和各种人造物品。几乎任何美术形的题材都离不开自然。人类依存于自然，正是因为人类对自然的崇拜和赞美才诞生了艺术这种表达记录美的学问。而人类也慢慢改造着自然。自然给人类提供艺术灵感的来源，而人类的艺术则记录表达对这种自然创造的美的崇拜和赞美。
学美术的话可以在校考时选择摄影专业。个人认为摄影还是作为爱好比较好、我老师以前的专业就是摄影、还是生活所迫放弃了他的爱好。学之前就就能明白学了的目的那是最好的，
Ⅲ 参加艺考校考需要几寸照片
参加艺考校考需要照片是1寸（白底、蓝底照片）。除此以外还需要身份证、身份证复印件（复印件多备为宜，放在防水资料袋中）、考生个人基本信息表（原报考证，尤其是考省外的院校，经常会用到）、校考准考证（需自己打印）。
(3)美术艺术照扩展阅读：
艺术考试是指各大院校的音乐学院，美术学院，或者艺术系等进行的专业招生考试。以普及艺术教育，提高国民素质为宗旨，坚持公开、公正、公平和自愿原则，考试合格者获得专业合格证，持此证书参加高考，高考成绩出来以后，各学校再择优录取。
艺术考试的三大门类是音乐、舞蹈和美术。
艺术考试是指依照2004年7月1日中华人民共和国文化部颁布并开始实施的第31号令即《社会艺术水平考级管理办法》，取得资格的艺术考级机构（以下简称考级机构），通过考试形式对学习艺术人员的艺术水平进行测评和给予指导的活动。
基本方式
通过书面、口头提问或实际操作等方式，考查参试者所掌握的知识和技能的活动。即：“除了题目，任何东西都不能看地做功课”。
要求考试者在规定的时间内按指定的方式解答精心选定的题目或按主测单位的要求完成一定的实际操作的任务，并由主考者评定其结果，从而为主测单位提供考试者某方面的知识或技能状况的信息。
参考资料：网络——艺术考试
Ⅳ 想学摄影用先学美术么
首先说一下摄影和美术的关系
摄影起源于绘画，乃是同根生。摄影艺术从绘画里脱胎，乃是同胞兄弟，饱受了绘画艺术以及其他视觉艺术的滋养，逐渐的成长，发展出了不同于绘画的摄影自身的一些语言，拥有了多种的艺术风格。可以说，至今，摄影艺术仍在继续的努力的探索和发展自己的语言，继续的拓展自己的艺术疆域。摄影与绘画同作为视觉艺术，其共性可谓多矣；而年轻的摄影之起源于古老深厚的绘画艺术的历史渊源，更决定了绘画艺术对摄影还有很多很多的影响无法割弃……
上一小段来自搜搜精华知识
下面我给说你一下我个人观点
摄影和美术是
有关系的
最最基本的
在二维空间上的构图美感
这是最大的共同点
一幅好画和一张好照片首先有着几近完美的构图
给人一种二维空间构造的美感
另外
在色彩方面
绚丽的色彩有时候
用画能表现的淋漓尽致
而用相机
恰恰很多时候都在捕捉这一瞬间
如果说影响的话
我觉得绘画功底是可以左右摄影风格的
一个人一个风格
每个人都有自己独特的欣赏事物的角度
绘画的创作完全基于内心的世界
然后
会默然的用这个标尺
拿相机去寻找内心早已成型的画面
绘画有功底的人
欣赏能力总该比常人独到一点的
另外设计的涉及摄影的专业
是广告学里面有关商业摄影的专业
广告摄影和商业摄影课
是在平面设计和广告设计专业里面的
到大学报考广告设计可以学到摄影的知识
广告设计就是美术做垫底的艺术专业
如有不明白
请继续追问
望采纳~
Ⅳ 摄影和绘画关系400字
一、摄影与绘画的共性特征
（一）具有相同的美术特征
对于摄影与绘画相同的美术特征，画家兼摄影家胡伯翔在《美术摄影谈》中曾作过精辟的阐述。他指出，摄影“亦为新兴之美术，其发挥美感表现个性，实与其他美术无异。”“昔人称画之佳者，曰惟妙惟肖，予意用此语为美术摄影之释意，尤为切当。”在艺术形态的分类中，摄影与绘画大多归为一类：如果以艺术形态的存在方式为依据，摄影和绘画同属于空间艺术；如果以感知方式为依据，它们同属于视觉艺术；若以创造方式为依据，二者同属于造型艺术；在反映客观现实和表现客观情感的关系上又可把二者同时纳入再现艺术的范畴。另外，二者在艺术特征上同样具有造型性、视觉性、空间性、静止性、瞬间性的特点。造型性是通过光、影、色、点、线、面等形式在二维空间里塑造三维立体，从而刻画出事物的外部形态；视觉性是指其作品必须有可视形象的存在，以可视形象让读者来读解作品；空间性表明它是在空间里展示出来的，在存在方式上要占有一定的空间；静止性表明它所创造的艺术形象是静态的；瞬间性说明它只能表现出事物的一个瞬间状态。
（二）具有相同的视觉上的空间立体感
摄影和绘画都是通过平面描绘造成视觉上的空间立体感。它们不同于雕塑，而是解脱了物质实体占有的空间，压缩为平面来表现,作用于欣赏者视觉感受习惯，造出立体的“幻象”形态。也就是说，摄影和绘画本来是平面的造型，借助光、色、影调、线条和构图节奏的效应，却表现出突兀起伏的立体感。不仅如此，由于作者在作品中熔铸了自己对生活的思考，表达了自己的喜怒哀乐和爱憎情感，因而能唤起欣赏者相似相同的情感体验，引起欣赏者的联想，突破对象固有的内涵，造成超越对象以外的道德力量和艺术意蕴，使有限的瞬间形象收到了无限的效果，表达出一种历史纵深感。
（三）具有相同的表现生活的瞬间性
摄影和绘画要在生活的长河连续不断流动的时空过程中，捕捉带有典型意义的瞬间，把要表现的内容，选择一定的空间，用物化手段凝定下来，构成具有完美精神风貌和本质意义的艺术形象。概括地讲，这种典型要通过道德力量和艺术魅力揭示一定的生活真理，反映生活的某些本质和深度，造成时间连续性的运动感；要求在所描绘对象运动中的一刹那，在一个具有转折性很强的时机里，把过去和正要到来的一些东西，凝定在一瞬之间的一张画面上，从而反映生活的一个侧面。所以，它要求作者在创作的全过程中，必须从须事物的发展、时间的流失和生活变化的最富典型意义、最有效的瞬间时机里，选择其具有生动鲜明的个性、深厚生活内涵的特殊细节，把握生活的必然，大胆地淘汰那些偶然的非本质现象，经过严格的加工改造，注入作者心灵的乳液，塑造出独具生命风采的艺术形象。
（四）具有相同的表现生活的空间并列性
作为二维空间的平面造型艺术，摄影和绘画可以把彼此交错的事物、多形体的各式形态、流动变幻的动作、人的内心情绪和五色纷呈的风光，通过色彩、线条、影调，在一张平面图上并列地展现出来，构成和谐完美的整体。摄影和绘画作品的这种视觉的直观性，使得人们能够把丰富多彩的生活空间一目了然地接受下来。比如，俄国画家列宾的《伏尔加河上的纤夫》，在一张平面上并列着多重景象：低重的灰色云雾，一群佝偻负重艰难举步的纤夫，中景一艘缓缓前移的庞然船体，远景左侧一叶轻帆，右侧一只浓烟飘渺的火轮。尽管欣赏者需要在笃深思考过后，才能领略隐逸在画面深处的精神内涵，但那纤夫、云雾、帆影却一眼可见，造成极为强烈的可见可感的。
二、摄影与绘画的不同特征
（一）使用物质媒介材料的差异
摄影和绘画所使用的物质媒介材料存在着很大的差异。摄影是科技文明的产物，摄影艺术对科技和设备有很大的依赖性。摄影工具是一台高精密的光信号采集器，胶片是一张化学特性的光信号存贮器，从产生形象的角度而言，参与摄影创作的，不仅有摄影家，还有照相机。没有照相机就没有摄影，就谈不上摄影艺术。而绘画不同，它所用的媒介材料是颜料、画笔和画布（纸），科技含量低，它主要靠艺术家的“手艺”，靠艺术家的头脑。画家手里的调色盘、画笔是不能与照相机同日而语的，画笔没有直接成像的能力。照相机可以将形象直接摄取下来，而不必经过描绘阶段，原因在于摄影有光学技术和机械技术作为支撑，而绘画却没有，这样就造成了摄影家与画家在技术内涵上的分别。画家的技术是一种“手艺”，而摄影家的技术则是掌握、控制照相机和暗室处理技术的能力。摄影对设备有严格的要求，照相机、感光材料、化学药剂、放大冲洗机械等等缺一不可，这些都是现代科技的结晶，所以摄影对设备的依赖，归根到底是对科技的依赖，正如安德烈亚斯·法宁格所说：“每一张好的照片，都是技术和艺术成功综合的结合”。
（二）造型手段的差异
一般而言,绘画和摄影都是通过光影色、点线面造型手段去塑造视觉形象。但从物理本质上看，绘画上的“光”只是一种比喻的说法，是用颜料构成的色彩和以色彩表现出来的“光的幻觉”；摄影的光却是真正意义上的光，“是光的物理学、化学感应所造成的影调和色彩”。所以，“光”是摄影艺术造型的最重要的材料。在摄影创作中，与正确感光相联系的，是摄影家如何用光，如果说感光更多地表现出对设备和技术的依赖，那么用“光”则主要是一个艺术问题了。画家只要有了“光”，就可以作画；但对摄影而言，没有“光”就没有“影”。在摄影师眼里，光就是画家手中的颜料。
（三）表现瞬间性的差异
摄影一旦选择了对象，那么对象就会按它本来的样子摄入镜头，留在感光胶片上，而这一“咔嚓”的瞬间是不可能重复的，摄影是用镜头去看，用“光”去捕捉“真实”，是真正抓住了瞬间的艺术。绘画也是去表现生活的瞬间，而这种瞬间与摄影意义上的瞬间，有着本质的不同，绘画的瞬间是用眼睛去抓取的，留存在大脑中，再用笔去表现真实，这种瞬间的真实就带有很大的漂移性，与其说是“瞬间”，倒不如说是“印象”。
被摄者在阴影中，常常表现的调子较暗，立体感也不好，我们可以从有阳光的地方，用反光板将阳光反射到被摄者面部和身上，改善他们的受光情况，使照明光线有利于人物的造型。
（四）表现方法及工艺流程上的差异
摄影截取生活“瞬间”的速度，迅速而敏捷，而绘画却迟缓。一个画家将留存于大脑的印象再现出来，往往需要十天半月甚至一年半载乃至更长。在表现方法上，绘画灵活多变，可具象、可抽象、可现实、可浪漫；而摄影却不同，照相机只能纪实性地抓取生活中的瞬间景象。但现实生活中的景象总是松散和偶然的，要使互不相关的事物关联起来，或者从一大堆偶然联系的事物中找出必然的联系，让无序成为有序，这就要求摄影家有选择的拍摄。而摄影瞬间的不可重复性，就决定了摄影家要去捕捉、去发现、去等待符合自己审美思想的光线，寻找符合自己意图的角度。这种选择性也决定了摄影家对光线、对现实瞬间、对事物的理解能力的很好把握。
三.摄影与绘画相互交融的关系
当代艺术的进程事实告诉我们，当一种艺术表现形式与风格被人们长期欣赏而感到乏味的时候，往往需要多样化的技巧和表现手法与之适应，因而艺术便不断进行创新或抛开程式化的技术规范和固有的审美模式，或从其他艺术形式中吸取营养作为一种补充、更新，从而建构起新的样式和新的审美视象，以满足人们新的审美需要。尤其是在艺术观念与审美观念不断更新的今天，各种艺术门类之间的横向渗透、吸收，越来越成为创新的一种途径，这是不争的事实。同样地，摄影和绘画也不例外.
在当代造型艺术的开放性与多样性同步发展过程中，摄影与绘画更是自觉不自觉地在相互撞击、交叉中表现出多方位的艺术交融，从一些意境深邃的作品，可以看出它们的互补因素和特征。如摄影家林森的《水乡怀想))(获第九届国际影展金牌奖)，朱丁甲的《苗家责任田》(见《全国第十三届摄影艺术作品集》)，其画面影像就凝结着国画的笔墨韵味、版画的刀痕雕迹;孙凤初的《季香》，显现着油画粗犷笔触肌里的特点;美国摄影家迈克尔的《风光》、《静物》，渗透着印象派绘画色彩的对比与彩色并列而产生的混合效果。又如国画家程十发的《竹》，美国画家秋阳的《入流》、宋陵的《作品12号一无意义的选择》、王怀庆的《走向世界的人》等美术作品，均程度不同地吸收、融合了摄影的表现形式。
此外，从人类艺术发展史来看，古往今来任何一门艺术的表现媒介、语言、手段和技巧都是不断发展变化的。其中就贯穿着不同艺术之间在相互撞击、交叉中所进行的吸收、借鉴、改造、创新。特别是“现代的艺术都明显地具有吸收、借用、综合其他艺术门类特点的倾向，使其本身具有更大的包孕力”( 朱羽君语)。摄影艺术的存在与发展，以及大量的艺术实践证明，它横向地兼收并蓄他种艺术之长，尤其是绘画之优点，吸取精华，取长补短，通过充分调动摄影艺术表现手段去多方位地反映复杂多样的现实事物的形态，已成为创作中的新因素，其目的就在于使其自身获得更大的包容性与多义性。
那么，艺术间的相互联系、相互作用、互为影响、互为渗透，是否就会失去自身艺术的特征呢?事实并非这样。众所周知，绘画是摄影的姊妹艺术。摄影术诞生以后就受到绘画的熏染。绘画的很多基本功，如对明暗的把握、色彩的认识和运用、构图的选择等等，摄者无不用之。有绘画基础的人进入摄影行业可在很多方面轻车熟路，事半功倍.特别是在摄影过程中、后期暗房处理摄影影像时，会因对绘画种类特性的善长或偏爱而将画技溶入拍摄和影像之中，产生的影像作品给摄影带来了很多画意的感觉，给暗房技术许多新的突破.这方面成功的例子是很多的.除此之外，摄影还从文学、戏剧、音乐、雕塑、建筑、书法等艺术门类吸取了自己所需的东西。然而，它既没有被绘画或其他艺术所同化，也没有失去自己作为一种独特的艺术形式的本质特征，更没有产生什么危机.相反这些吸收对于增强摄影生命的活力与生机，丰富和扩充它的艺术手段以及发展它的表现形态，无不产生了有益的作用。绘画受到摄影的影响，但并没有消亡，反而促使自己重新去探索艺术目标。摄影与绘画并存互补，彼此渗透，并不等于泯灭或削弱自身艺术的特征和品质，而且有助于丰富它的美学形态结构。
著名立体派艺术家洛特早在第一次世界摄影展中就写道:“在一个世纪之内，这个机器将会是画笔、调色板、色彩、灵巧、习惯、耐心、锐利的目光、笔触、颜料、透明色、诀窍、立体感、精工、逼真。”(0l32一133)当代摄影家康诗纬在他的专著《摄影版画》中也谈到，摄影的写实纪录和版画的刀法肌里构成了摄影版画的双重审美趣味。由此可见，摄影家所采取的摄影与绘画交叉融合、写实与写意溶为一体，不仅表现了他们新的审美追求与艺术趣味，而且可以弥补自己的不足，矫正它的偏差，从而掌握新的手法和方法，显露出多样的审美品味。
美国艺术家、摄影师曼·雷(1890一1976)曾经就摄影与绘画之间的关系作了这样经典的阐释:“我拍摄不想绘制的东西，绘制我拍摄不出来的东西。”这一信条深刻地揭示出绘画与摄影之间的互补关系，同时曼·雷兼具画家和摄影师的双重身份也从实践上印证了绘画与摄影之间的亲密姻缘。
文艺理论家钟本康曾在论述小说的“艺术综合”中提到，凡艺术总是按照美的规律创造出来的，它总是根据艺术家所感受到、体验到、认识到的思想感情创造出来的。因此各门艺术之间的相互启示、渗透、综合、融化是合乎艺术内在规律的，是不足为奇的。
事实上，经过艺术交融的作品所显示出来的新艺术语言与表现手法、技巧，不仅反映艺术家们对于美的探索的勇气、锐意创新的精神，而且包含了创作主体创造力、想像力和艰难复杂的艺术转化过程。而且更为重要的是，摄影与绘画在视觉语言、表现手法与艺术形式的交融中，从整体上补充、丰富和完善了自身的艺术形态。拓宽了画面视觉元素多样组合，审美意象自由物化的可能性，从而促进创作主体更深刻地创造艺术图像，表达丰富的艺术内涵。例如，摄影大师郎静山的《湖山揽胜》，为了表达对祖国山河的眷恋之情，借用中国传统绘画的表现形式，采取集锦技法，将不同时空的雾山、村舍、亭台、渔舟、苍石、丛树等景物，有序地组合在同一幅照片上，参差俯仰，疏密有致，恰似一幅水墨山水长卷画.尤其是散点透视、画面题跋,不仅增添了作品的民族特色，而且整个画面有一种空灵美，蕴藏着雅洁淡逸的意境。而姜彪拍摄的《宇宙与人生系列》，从画面结构分析，作者同样吸纳、融化了现代绘画新空间组合方式与透视关系。新有的结构、变调的色彩增强了作品的形式感，加深了画面的艺术底蕴，构成一种强劲的艺术张力。因而这组具有探索性的照片才蕴含着极其丰富的审美内容，具有震撼心灵的艺术力量，给人以新颖独特的审美感受。
随着现代社会的日新月异，科学技术的高度发展，在艺术的内涵与外延不断扩展的今天，摄影与绘画之间的相互关系正发生深刻的变化。在新的历史条件下，两者的交融将是一种长期的文化现象，这已成为当代影画创作中的一种明显的趋势，并将焕发出勃勃生机。
Ⅵ 美术或摄影的风格形式和表现技巧有什么
问题比较含糊
这样回答你
美术风格
印象派:
印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派，其代表人物有莫奈、马奈、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、莫里索、巴齐约以及塞尚等人。印象派画家的绘画生长在写实主义的土壤之中，但他们的主要兴趣在于准确而客观地描绘个人面对世界时的视觉感受。印象派画家对瞬间视觉感受，对色彩、氛围、笔触的关注，超过对社会历史、宗教、伦理的关注，正是在这一方面，他们与此前的欧洲画家走上了不同的艺术道路。他们的作品刚出现时受到已经习惯于古典绘画形式的观众非难，1874年在首届印象派画展上，莫奈的《日出·印象》一画遭到批评，从此以后，“印象派”和“印象主义”就作为一个专有名词来称呼像莫奈这样一批艺术家们的作品。
从欧洲绘画史的发展进程看，正是在印象派画家笔下，闪烁的阳光和微妙的阴影被引入画面，绘画由此变得清新明丽而有生机。艺术家追求真实的努力在印象派时代达到顶峰，然后开始回落。从马奈到塞尚，欧洲绘画传统在自我否定的同时又在自我完善，这样的进程构成了整个西方现代绘画的发展框架。印象派画家虽然在开始其艺术活动时受到误解甚至嘲讽，他们共同活动的时间也没有持续很久，但他们对西方艺术产生了极其深刻的影响，并波及音乐和文学。到20世纪初期，印象派已经成为广受欢迎的艺术流派。直到今天，印象派绘画在世界各地受观众欢迎的程度，仍然超过绘画史上其他流派的作品。利用像马奈、莫奈、雷诺阿、德加或塞尚这些艺术家的作品，这次画展将介绍法国印象派的演变：它的开始、发展和它对后来绘画艺术的影响。参观者不仅可以观察到这些杰出画家处理的题材的多样性(涉及风景、静物和肖像)，也可以观察到他们绘画经验的发展。一些代表作品的展出，使这次画展显得很难得。这次来中国展出的印象派作品共51件，法国印象派的主要画家可以说囊括无遗———莫奈11件，西斯莱5件，德加4件，雷诺阿4件，马奈3件，毕沙罗7件，凡汀———拉图尔、莫里索、巴齐耶等人也都有作品与中国观众见面。其中像马奈的《吹短笛的男孩》、《酒馆女招待》，德加的《舞蹈课》、《咖啡馆，又名苦艾酒》、《年轻女人像》，莫奈的《鲁昂大教堂》、《睡莲》，雷诺阿的《半身像，阳光的效果》，毕沙罗的《蓬图瓦兹：艾尔密塔日的坡地》，西斯莱的《鲁弗申的花园小路》等作，都属于印象派绘画艺术的典范之作。
印象派绘画在上世纪20年代开始传入中国，但直到20世纪70年代末，中国观众才得以看到不多的印象派作品。在法国文化年活动中，集中展示印象派绘画，开创了我国对外艺术交流史的先例。这次与中国观众见面的5l件作品，属于法国国家收藏珍品，大部分来自巴黎奥赛博物馆。奥赛博物馆是专门收藏近代美术作品的国立博物馆，它位于巴黎塞纳河畔，是世界各地的艺术朝圣者巴黎之旅的必选站点。奥赛博物馆一次拿出这样多而精的印象派作品，送到远隔重洋的中国展出，堪称世纪性的艺术盛会。这次画展希望向民众提供一次机会，在中法文化之间架起一座桥梁，认识中法文化相近和区别的东西，中法文化共有和互补的东西。
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印象派产生于19世纪下半叶的法国。以马奈为中心的一批画家如莫奈、西斯莱、雷诺阿、塞尚、德加、毕沙罗等人，在反对学院艺术的口号下，以创新的姿态进行艺术革新，并登上法国画坛。1874年他们在巴黎举行了第一次展览，社会反响很大，参展作品中，有一幅莫奈创作的题为《印象·日出》的油画，遭到学院派的攻击，评论家们戏称这些画家们是“印象派”，这样印象派绘画便由此而得名了。
印象派强调画家对客观事物的感觉和印象，反对学院派的因循守旧，主张艺术上的革新。绘画技巧上对光和色进行了探讨，研究出用外光描写对象的方法，并认识到色彩的变化是由色光造成的，色彩是随着观察位置，受光状态的不同和环境的影响而发生变化，同时把这种科学原理运用到绘画中去。他们走出画室，走进大自然，在阳光下直接对景写生，根据观察和直接感受表现微妙的色彩变化。这在绘画史上是很大的革命，也给后来的现代美术以极大的影响。由于印象派绘画很少反映人类生活的主题，使创作题材和内容受到很大限制。
马奈（1832～1883），是19世纪下半叶对绘画领域的革命起重要作用的绘画大师，他虽与印象派画家们有密切的联系，但并未参加印象主义画展，可是印象派的画家们始终是以马奈为中心，创造新的绘画理论和作品。
马奈1832年出生在一个富裕的法官家庭，因为热爱艺术，他放弃了高官厚禄的前程，成为一位画家。马奈是最早打破传统的棕褐色调，使画面明亮、有外光新鲜感的画家。他受过古典艺术的薰陶，作品中始终保持着宏大和庄重的气魄，他的画在造型上有很高的写实技巧，但在色彩上还没有发展到其后一些印象派画家那样去分解物体颜色的程度。他对色彩的处理比较完整，每一色块都很协调柔和，又很鲜亮，给人透明和清新之感。《吹笛子的少年》是马奈的一幅著名的作品，在总的暗调子中，突出几块明亮鲜艳的色彩，使之更加响亮耀眼。他的另一幅代表作品《奥林比亚》也同样运用了这样的表现手段。
莫奈（1840～1926），是印象派的领袖人物。1874年由他发起组织了首届印象派画展，他的油画《印象·日出》一画在展览中引起反响，从而使“印象派”这一名称正式出现。
《印象·日出》表现的是画家对所看到的“日出水面”这一转瞬即逝景象的感受和印象。画中表现的是在天水一色的朦胧晨雾中，一轮红日冉冉升起，水中的船和岸上的景物用蓝绿色彩轻松的勾画出来，整个画面的一切物体都融成一片。
在莫奈的作品中都非常注重在色彩领域的探索，忽视对物象形体的写实。侧重于用光线和色彩来表现瞬间的印象，追求绘画上色彩关系的独立美。他是第一个真正强调外光写生的画家。他所有的作品，几乎都是户外写生完成，而且态度非常认真。为了保持印象的真实性，常常是早晨时画的画，如果没完成，就等到第二天的同一时间继续画，直到画完。他还常常对着一个景物，分别画出对象在不同时间，不同光线下的色彩变化。如油画《草垛》《里昂大教堂》等就是画家进行这种色彩试验常被人们提及的作品。他的这些经过了深思熟虑，追求瞬间光色细微变化效果的作品，在以前是从未有过的。这种艺术追求在莫奈晚年创作的油画《睡莲》中表现得尤为突出。莫奈在印象派画家中是最长寿的，他到晚年时人们已经认识到了印象派绘画的价值，也使得他的晚年生活过得幸福。
德加（1834～1917），是印象派画家中的积极活动者和重要成员，以描绘舞蹈演员和浴女著称。德加是一个银行家之子，生活富裕并受到过良好的教育，文化修养较高。
德加早年接受过严格的古典主义艺术的熏陶，培养了他热爱传统艺术的感情，所以在印象派画家中他是始终坚持严格造型的画家。他受到马奈的影响，开始注重对色彩的研究，并参加印象派的画展，成为印象派画家中风格独特的一员。德加一生中对扑朔迷离的动感追求保持着浓厚的兴趣，尤其是舞台灯光下的舞蹈演员和赛马场上的情景，表现得极为生动。他常常在后台和包厢里冷静地观察对象，默写演员们舞蹈时一瞬间的动作，生动地表现出舞蹈者轻柔的动作和跳动起来的生动姿态，更成功的是他将舞台灯光下的感觉传达得格外真切。德加的代表作品是《舞台上的舞女》《熨衣妇》等。
雷诺阿（1841～1919）是印象派的重要画家。1841年他出生在一个穷裁缝家，曾以在陶瓷器皿上作画谋生。他天性乐观、纯朴，热爱生活，热爱大自然，对人和大自然的美，有着极其敏锐的艺术感受力。雷诺阿主要画妇女肖像和裸体，他的画总是充满着欢乐的气氛，人物塑造得有着无法形容的柔和与微笑。同时在他的画中尝试着运用印象派的方法，也取得了理想的效果，他的人物画生动活泼，色彩丰富。
雷诺阿的绘画创作中少女和儿童题材的作品也具有很高的艺术价值，他笔下的儿童天真稚气，所画的少女更能传达出沉静、优雅的情态。《少女肖像》是他这一类作品中的代表作品之一。
雷诺阿笔下的作品在笔触运用上给人一种跳跃的感觉，他还经常喜欢使用各种由浅到深的红色作画。画中的人物被描绘得非常悠闲愉快，充满青春的美丽，犹如一首赞美和抒情的乐曲，它能使人感到生活是这样美好而富于浪漫情调，作品《游船上的午餐》《饼干坊街的舞会》《包厢》等都十足体现了他的艺术特色。
毕沙罗（1830～1903），是印象派的重要画家。毕沙罗出生在法国安提尔群岛的圣多马小岛上，他的父亲是一位开杂货铺的小老板。年轻时他曾当过店员，由于酷受绘画，在他25岁时离开了家乡小岛，来到以艺术都城著称的巴黎。柯罗和米勒的作品给了他很大的影响，他坚信着艺术唯一可遵循的大师就是自然。毕沙罗比其他印象派画家中任何人都更早在外光中开始作画。他常说：“在户外生动的光线中，按着自然忠实地画吧！”
毕沙罗一生清贫，但却总是带着愉快明朗的面容生活着。他非常喜欢田园生活，毫不夸张、粉饰地画眼中看到的极其普通的一切。在画面上他常常采用饱和的颜色和笔笔压盖的细腻笔法描绘对象，具有一种淳厚的艺术韵味。代表作品有《逢图瓦兹的红屋顶》《蒙马特尔大街》等。
修拉（1859～1891），印象派中的后起者，他在印象画派中独树一帜。修拉是根据色彩学原理来指导艺术实践，认为在光的照耀下，一切物象的色彩是分割的，要真实地表现这种分割的色彩，必须把不同的、纯色彩的点和块并列在一起。在这种理论指导下的作品被称为“点彩法”，并形成“新印象主义绘画”，又称“点彩派”。建筑在科学理论和理性基础上的新印象主义，在某些方面恢复了绘画中物象的具体性、实在性，在色彩分析方面有所探索，但由于过分注重法则和规则，也使绘画丧失了可贵的、直观的生动性。
《大碗岛星期日的下午》是修拉的代表作品，共用了三年时间才完成。画家采用了细笔小点的形式，并用大块的绿色为主调，杂以紫、蓝、红、黄等色点，使画面在局部中有着丰富的色彩变化和互补色的对比，整体上协调一致。
印象派之后出现了与印象派的艺术主张不同，以塞尚、凡·高、高更为代表的另一种艺术主张，人们称之为“后印象派”。后印象派不满足于印象派的“客观主义”表现和片面追求外光与色彩，转而强调抒发作者的自我感受，主观感情和情绪。在艺术表现上，“后印象派”重视形、色、体积的构成关系，强调艺术形象要异于生活的物象，要用作者的主观感情去改造客观物象，要表现“主观化了的客观”。他们尊重印象派在外光和色彩上所取得的成就，但不追求外光，侧重于表现物质的具体性、稳定性和内在结构。后印象派的绘画对现代诸流派的发展有着重大的影响。
塞尚（1839～1906），是后印象派的重要画家，现代绘画之父。塞尚由毕沙罗介绍加入印象主义画派，并参加了第一届印象派画展。他不拘泥于印象派的光色分析，为捕捉转瞬即逝的自然现象而苦苦探索，确立了自己的艺术方法和风格。
塞尚经过长期的观察和实践，提出自然的物象都可以概括成圆柱形、圆锥形和圆球形等几何形。自然对人类来说，主要不是平面而是深度，要重视表现自然景物的形体与结构上的关系以及色彩的层次推移。他认为“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他非常善于用色彩处理画面的空间感，作品中景物无论远近，没有模糊朦胧的地方，十分清新明快，同时又表现出了层次分明的远近透视感和空间感。这种感觉不是由画面上物体的透视线和构图来表现的，而是由物体的色彩及色彩的相互关系表现出来。色彩代替了体积，颜色关系代替了明暗关系，他是在用颜色造型。我们知道，困难在于找到准确的色彩和色彩之间的和谐关系，塞尚则成功地克服了这一困难。
塞尚的作品，大都是他自己艺术思想的体现。他的静物画、风景画及人物画表现出了结实的几何体感，忽略了物体的质感及造型的准确与否，着重强调厚重、沉稳的体积感，物体之间大的整体关系。塞尚的作品不是盲从地去复制现实，而是寻求诸种关系的和谐。
塞尚这种对体积感和空间感的强调，对色彩的巧妙安排和运用，对物体造型结构的处理并有意识地采取变形手法等等，这些追求形式美感的艺术方法，对后来现代流派有着十分重大的影响。所以，塞尚晚年为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇，并尊称他为“现代艺术之父”。
塞尚的代表作品有《静物》《圣维克托尼尔山》等。
凡·高（1853～1890），是后印象派的重要画家，荷兰人，家庭生活贫困，年轻时曾干过许多职业，如美术商人、教师、传教士等。年近30岁时，他才开始绘画艺术的生涯。
由于他有过丰富的生活体验，同劳动人民有着深厚感情，所以在他的艺术中热衷于表现他们平凡而艰苦的劳动生活。早期的油画作品多以现实主义的手法，描写乡村景色和人们的劳动生活，在色彩的表现上是以传统的暗调子为主。1886年，凡·高来到巴黎，被印象派画中那种奇妙热烈的光色效果所吸引，并开始改变原有的画法，以极大的狂热投身于印象派绘画色彩的表现和其他形式方面的实验中去。从此凡·高的油画开始明亮起来，多使用鲜艳和火辣辣的色彩，以及具有运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触，构成他绘画的特色。他把所描绘的对象，当作表现自己热烈激动的主观感情的媒介、当作表现自己独特艺术手法的媒介，以表达他的主观感受和激情。他把印象派的艺术方法，尤其是在色彩和对事物的形体塑造上的方法，发展到更加独立于传统之外的地步。凡·高的艺术在他生前是不为世人所承认的，但是后来，人们慢慢的理解和认识了他的艺术创造。在他的作品中充满着对善良、对美和对创作想象自由的渴望，他尤其被后来发展起来的“野兽派”和“表现派”的画家们所接受，直至今天，凡·高仍然活在艺术世界中。
凡·高的代表作品有：早期创作的作品《吃土豆的人》，后期创作的作品《向日葵》《星夜》及《邮递员》等。
高更（1848～1903），是后印象派的重要画家。他出生在巴黎，青年时当过船员、店员，后来他弃商从艺，把大部分时间投入在绘画的创作上。最初他是由印象派画家毕沙罗引导走向印象派绘画的道路。不久他便改变画风，开始创造一种更偏重艺术家主观幻想、更富于装饰意味的风格。他厌倦繁华而充满纷争的都市生活，向往着纯朴的自然和离群索居的生活方式。高更放弃富裕生活，离开巴黎，远涉重洋，来到太平洋中部赤道以南的热带岛屿——塔希提岛，开始探求他独恃的艺术风格，他一生中最主要的作品就是在这里完成的。在这里他找到了童年时代从母亲那接受的，对土著民族很深的感情。高更用极大的热情表现具有原始美的，未开发的热带大自然，表现远离文明喧扰的，简单纯朴的土著人的生活。他采用近于古代埃及美术中庄严、平稳、安宁而富有图案装饰风格的艺术手法，并追求简单、稚拙的粗线条结构形式。在色彩上，他从形式美感的要求出发，注重色块之间的布局和整体效果，以主观创造来加以安排，使色彩之间的关系简化，多使用较纯的色彩，追求一种跳跃性的或对比的谐和，表现出一种强烈的装饰感。高更主张艺术家不仅要表现客观自然，而且还要探求思想中神秘的内心，表现主观的东西，所以他同塞尚、凡·高一样启发了一批现代流派的画家。
抽象派:
「抽象」是「具象」的相对概念，是就多种事物抽出其共通之点，加以综合而成一个新的概念，此一概念就叫做「抽象」。「抽象绘画」(AbstractPainting)是泛指二十世纪想脱离「模仿自然」的绘画风格而言，包含多种流派，并非某一个派别的名称：它的形成是经过长期持续演进而来的。但无论其派别如何，其共同的特质都在于尝试打破绘画必须模仿自然的传统观念。1930年代和二次大战以后，由抽象观念衍生的各种形式，成为二十世纪最流行、最具特色的艺术风格。
抽象绘画是以直觉和想象力为创作的出发点，排斥任何具有象征性、文学性、说明性的表现手法，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上。因此抽象绘画呈现出来的纯粹形色，有类似于音乐之处。
抽象绘画的发展趋势，大致可分为：〔一〕几何抽象〔或称冷的抽象〕。这是以塞尚的理论为出发点，经立体主义、构成主义、新造形主义....，而发展出来。其特色为带有几何学的倾向。这个画派可以蒙德里安(Mondrian)为代表。〔二〕抒情抽象〔或称热的抽象〕。这是以高更的艺术理念为出发点，经野兽派、表现主义发展出来，带有浪漫的倾向。这个画派可以康丁斯基〔Kandinsky〕为代表。
代表画家
康丁斯基（W.Kandinsky,1866～94），抒情抽象派代表画家，曾是德国表现主义团体「蓝骑士」的领导者。代表作《构成第四号（战争）》（1911，杜塞尔夫莱茵河西发里亚艺品收藏室）、《构成第七号习作》（1913，莫斯科Tretyakov画廊）。
蒙德里安（P.Mondrian,1872～1944），几何抽象派代表画家，在平面上把横线和竖线加以结合，形成直角或长方形，并在其中安排红、黄、蓝三原色，但有时也用灰色，是荷兰风格派（deStijl）的主将，代表作《黄与蓝的构成》（1929）、《百老汇爵士乐》（1942～43，纽约现代美术馆）。
马列维奇（K.C.Malevich,1878～1935），俄国构成主义倡导者，也是几何抽象派画家，代表作《飞机起飞》（1915，纽约现代美术馆）、《青色三角形与黑色长方形》（1915）。
库波卡（F.Kupka1871～1957），捷克画家。运用色彩理论和音乐式和谐造成独特的几何风格，例如《绘图构成主题二》（1911～12，华盛顿国家画廊）、《垂直线语系习作》（1911）。
克利（P.Klee，1879～1940），瑞士画家。运用色彩调和及抽象的手法，创作了许多含有哲理性和富稚拙趣味的作品，例如：《金鱼》（1925，油彩加水彩，纸裱在卡纸板上，48.5×68.5cm，汉堡美术馆）、《干道与支道》（1929，油画，布，83×76cm，科隆，里伯尔兹美术馆）、《死与火》(1940，油画，83×67cm，科隆，里伯尔兹美术馆)
美术的表现技巧
美术创作方法与美术创作的具体表现方法并不是同一个概念。表现方法指美术表现（传达）中的具体的手段和方法，称艺术手法。艺术手法是某种创作方法的一般原则的具体表现或特殊表现，它所表明的是创作主体的独特审美趣味以及创作风貌和技巧特点。如客观记录的方法与主观抒情的方法，写实再现的方法与浪漫表现的方法，具象的方法与抽象的方法等。
摄影的风格
摄影的风格以及一些趋势
1 自然风格 Natural style
都市的快节奏给人们的身心带来了巨大的压力,压抑和冷漠的市场影响到人们的情绪.人们渴望彻底的放松和发泄,希望回归自然中,怡然自得,取得心理平衡.
2 新现代主义风格 New modernism style
这种风格是对早期现代主义的一种"优化",它主张人物与环境,人物与空间的对话理念.
3 新古典主义风格 Neoclassicism style
一种古典主义文艺思潮,崇尚古典的质朴与简洁,借助18世纪至19世纪的视觉艺术元素加以表现的摄影风格.
4 画意风格 Pictorial art style
顾名思义,一种融入绘画元素的摄影表现手法,也是目前商业人像摄影中最多使用和表现的风格之一.
5 混合风格 Complex style
这是一种更为宽容的风格,也可以说是不具风格的流派.它不刻意追求一种模式,只要整体协调,中西古今为我所用,显示文化的互助与交融的拍摄手法.
鉴于当今城市信息的快速传递及其多样性,加之国人的"跟风"习惯.风格的演变也是多姿多彩的.从摄影文化的角度讲,摄影风格的流行呈现出一种传播性.但是在摄影风格流行传播的同时,不应是简单的模仿,抄袭,而应在流行传播的大趋势中做出新的时尚变化,从而表现出一种新的风格.只求其外在形式的模仿,不求其精华,只会越抄越差,越拍越滥,最终毁掉原有的味道与风格.
当然,并不是反对模仿.在绘画的学习中就有模仿--临摹.这是一中学习的手段.在学习大师表现手法的同时去体会其中的内涵.取其精华融入你的思想,倾注你的情感.但不可拿"习作"当"大作"摄影也是如此,并不是用笔画一幅背景拍一组照片就是画意摄影那么简单.
摄影的表现技巧看看下面的书:
图解摄影表现技巧
作者：鲁争编著 【作 者】：鲁争编著 【丛编项】：无 【装帧项】：19cm / 164页 【出版项】：万里书店 / 1984 【ISBN号】： / J41 【原书定价】： 【主题词】：摄影艺术
【图书简介】 - 图解摄影表现技巧
Ⅶ 美术与摄影，绘画
摄影和绘画的共同点都是造型艺术、视觉艺术。不同的是摄影运用光线来造型，而绘画运用色彩来造型。
我比较喜欢摄影，因为是自然的东西。
美术是一种艺术，艺术来源于生活，却高于生活，艺术是生活的提炼、加工和再创造。艺术家从生活中提取有价值的、有意义的内容，运用到艺术中去，反过来又充实人们的生活，给人们带来新的享受。作为艺术的表现方法，决不是生搬硬套生活、或者重复生活，而是有取舍地提取生活中的精华。在这个提取过程中，由于每个人的生活的时代不同、内容的不同、环境不同、感受也不相同等等，所以产生的作品也不相同，正是这些不同，才能满足不同人的需要。人们站在不同的角度去看审视、品味作品，从中得到美的享受。
Ⅷ 学习摄影需要美术功底吗
你说的美术功底是指素描之类的么？我有点疑惑，你没有美术基础为什么要去学动漫呢？艺术类的东西很偏激的，它不是你用理性思维能做好的，所以你现在应该考虑一下你学动漫的动机以及今后的出路，摄影可以没有美术基础，但是你必须有那种收获美丽的感觉，好多记者的摄影作品摄人魂魄但是他们都没有学过美术，使用的器械很重要但是你做出东西的感觉更重要。如果你要考那些研究生还是算了吧，因为中国的艺术类的学生培养方式真的不行，如果家里有钱可以去国外学校~
Ⅸ 美术与摄影有关吗
有一些关系的。
美术和摄影的共同点是都很在乎构图。
摄影更讲究用光，强调主动布置光线。
美术绘画在照相术发明之前主要作为一种记录的形式，有风景和人物等等，也有表现画家创作艺术的。但是主要还是作为记录形式。
照相术发明过后，绘画逐渐向抽象写意表现情绪发展，由印象派的写意逐渐转向人们所认为的怪异。让人看不懂。当然写实的绘画也还是存在。只是不做为记录形式而纯粹是艺术化的东西。是培养人的艺术修养的很重要的一部分。记录的功能渐渐减少。而由摄影承担。
摄影，发展历史远比绘画短很多，但是它的方便和自由性很受人欢迎。可以根据自己意向取景，拍摄各种各样的照片，还可以进行后期处理达到想要的效果。对人的审美和眼光的培养是很有帮助的。
美术是发源与自然而又不脱离自然。因为任何美术形式都是建立在自然的基础上的。有自然，才有风景，动物和人类，才有现在人类的文明和各种人造物品。几乎任何美术形的题材都离不开自然。人类依存于自然，正是因为人类对自然的崇拜和赞美才诞生了艺术这种表达记录美的学问。而人类也慢慢改造着自然。自然给人类提供艺术灵感的来源，而人类的艺术则记录表达对这种自然创造的美的崇拜和赞美。
学美术的话可以在校考时选择摄影专业。个人认为摄影还是作为爱好比较好、我老师以前的专业就是摄影、还是生活所迫放弃了他的爱好。学之前就就能明白学了的目的那是最好的，
Ⅹ 考摄影专业一定要学美术吗
不需要，但以后会学。
本专业培养具备广泛的科学文化和艺术理论知识，具备电影、电视、广告、图片摄影摄像能力．能在电影厂、电视制作部门、广告宣传部门、音像出版部门从事摄影艺术创作、教学和研究工作的高级专门人才。
主要课程：美术基础、美术欣赏、照明技术、摄影技术、摄像机与技巧、摄影构图、特技摄影、非线性编辑、摄影造型、广告摄影等等。
核心课程：数码摄影实用技艺、数码影像基础、摄影构图、摄影美学、摄影照明、摄影曝光控制、数码图形图像制作；新闻摄影、纪实摄影、风光建筑摄影、民俗艺术摄影、内外景婚纱摄影、商业广告摄影、平面色彩构成、版式设计、世界摄影史、中国摄影史、摄影图片鉴赏等课程。
教学环节：包括认识实习、毕业实习等。认识实习在寒、暑假中完成，毕业实习般安排20周。
培养要求
专业学生主要学习艺术学、文学、美学。电影、电视、广告艺术与技术等方面的基础理论和基本知识，受到电影摄影、电视拍摄、广告制作等方面的基本训练，掌握电影摄影、电视摄像、广告摄影和图片摄影创作的基本能力。
毕业生应获得以下几方面的知识和能力：
l．掌握摄影专业所需的基本理论、基本知识；
2．掌握电影、电视、广告、图片的摄影创作和制作方法；
3．了解党和国家的艺术、新闻方针、政策和法规；
4．了解电影、电视、广告艺术的理论前沿、应用前景和发展动态；
5．掌握文献检索、资料查询的基本方法，具有一定的科学研究和实际工作能力；
6．具备较高的理论修养，创造能力和动手能力。