美术鉴赏画
美术鉴赏就是运用我们的视觉感知、视觉经验和相关知识对美术作品进行归类、分析、判断、体验、联想和评价，从而获得审美享受，是一个综合的审美活动。
美术鉴赏的作用：认识、教育、审美。
2. 什么是美术鉴赏以《蒙娜丽莎》这幅油画谈谈自己的想法和感受
美术鉴赏这门学问改变了人们的观看方式。美术鉴赏是运用自己的视觉感知、过去已经有的生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。
欣赏一般局限于感知、想象、情感体验等感性认识方面。
而鉴赏是运用视觉感知以及其他器官的综合作用、生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象。即从感性认识上升到理性的一种比较深刻的认识。
在美术鉴赏的基础上就能够产生一定的“美术批评”，自己根据一定的标准，对美术作品或美术现象所做出的理论分析和价值判断。
要在文化情境中来认识和理解美术，“情境”，即指影响各个时期美术的政治、经济、历史、文化等背景。美术作品中所反映的各种思想、观念，都与艺术家所受到特定的政治、经济、历史、文化等背景的影响有关。
作品印象：蒙娜丽莎的微笑是由一种普普通通的表现载体呈现出了一种对艺术的升华.画面不再是单纯的画面,其中的内涵影射了对人类对万物造化的一种赞美.她平和的微笑中蕴含了丰富的内容,如那清澈的目光给予人们已纯洁的洗礼一种心灵的洗礼.她的安然又给予我们一种母性的感动和亲切.
观察（形式鉴赏）：
构图：达•芬奇在人文主义思想影响下,着力表现人的感情.在构图上,达•芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯,代之以正面的胸像构图,透视点略微上升,使构图呈金字塔形,蒙娜•丽莎就显得更加端庄、稳重.
形体：除了脸部外,给人留下深刻印象的就属夫人那双高贵纤细、而且美丽无比的手了.它也不由地勾起我的长久的、无穷无尽的兴趣.象牙雕刻般的手指中流动着红色的血液,光润的双手搭在一起,双手的纤细形状确定了手的稳定美.这幅肖像画中的风景,起到了意想不到的背景效果,广阔的自然风光衬托着夫人,向远方伸展去.我们欣赏背景必须留心注意的是,这幅画中的风景绝不能认为是现实存在的风景.必须懂得这一切只不过是从纯粹的装饰性作用的角度描绘的.
色彩：乔孔达夫人身着的柔软而且带美的衣褶的衣裳,看上去似乎非常单纯,这是芬奇用一种绿灰色带光泽的色调将衣裳描绘出来的.这种衣裳会使人陶醉于散发着芳香的夫人肉体.从袒露的雪白的胸部至衣下流动着的曲线美,与目光和嘴角的微笑一起,充满了惊人的力量,直逼观众.
明暗：在一幅画中,光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别.但在蒙娜丽莎的脸上,微暗的阴影时隐时现,为她的双眼与唇部披上了一层面纱.而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上,达•芬奇却偏把这些部位画得若隐若现,没有明确的界线,因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”
形象：资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象.
探究（社会学式鉴赏）
文化背景：文艺复兴盛期,16世纪初.社会基本价值观：在一定程度上摆脱了中世纪教会和宗教思想的控制,强调人本主义的思想.
画家生平：画者生平列奥纳多•达•芬奇（1452-1519年）是15世纪意大利文艺复兴时期的文化名人,是人类文明史上罕见的全才.他不仅是天才的画家、雕塑家、建筑师、诗人、哲学家和音乐家,而且是位很有成就的解剖学家、数学家、物理学家、天文学家、地理学家和工程师等等.500多年来,人们一谈起人类的文化进步,就会提及其中灿烂辉煌的一页——意大利文艺复兴时期,就要联想到达•芬奇的丰功伟绩.
人物装束：发际线较高,额头较宽,没有眉毛,反映了当时的审美标准.
3. 美术鉴赏 一个 博物馆造型或里面的画（5幅以上）
?zhangerheshangmobuzhaotounao.
《蒙娜丽来莎》是一幅享源有盛誉的肖像画杰作。它代表达·芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。
4. 对一幅画或一副字的美术鉴赏或评价
《蒙娜丽莎》赏析达.芬奇《蒙娜丽莎》77x 53 法国 巴黎卢浮宫收藏 《蒙娜丽莎》是意大利著名画家达.芬奇在１５０３年到１５０７年间创作的，它代表达.芬奇的最高艺术成就。成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。 画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境,从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵,那如梦似的妩媚微笑,被不少美术史家称为“神秘的微笑”。 除了微笑之外，就此幅画来说，更重要的是表达了达.芬奇作画时的情感及所处的社会背景。 首先是微笑的神秘，有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达?芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。
绘画作为一种重要的艺术形式，它的主要特点表现在它是通过可以直接看见艺术形象这一点比一般的文字艺术更易于被观众接受，但它又有只能表现一个相对静止的瞬间的局限性，优秀的绘画作品善于选择人物或者事件最富有概括性和表现力的瞬间，使这固定不变的瞬间展现出可以穿越时空的美，散发永恒的魅力。达。芬奇就是敏锐地抓住蒙娜丽莎一刹那间微笑的表情描绘出她坦然的神态。你看她那轻盈的微笑，这种非人工所为的线条和韵味，让人不由的想起“风乍起，吹皱一池春水”的诗句来。 达.芬奇在人文主义思想影响下，着力表现人的感情。在构图上，达?芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图,透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜·丽莎就显得更加端庄、稳重。在作画时，勾起了达?芬奇对生母阿尔别的回忆，似乎从丽莎的身影中看到生母的形象，丽莎成了阿尔别拉的神秘化身。因此，大师在画丽莎时，是用真诚而纯洁的情感去描绘的，他用对母亲和情人的双重情感来尽情描绘此人的肖像。不仅如此，他还把她作为一种理想，一种美的象征，作为人类世界的欢乐和光明来描绘，他要把自己的美感和体验，用画笔传达给所有的人。文艺复兴的到来使神从神坛上走下来，成为有血有肉、有情有欲的人。 达.芬奇是处于欧州文艺复兴时期，文艺复兴之前是宗教统治时代。西欧人经历了一千多年残酷蒙昧的封建统治和基督教禁欲主义的精神摧残，早已丧失了思想自由和幸福生活的权利。现实生活的一切喜怒哀乐都被视为触犯上帝的天条。所以在中世纪的画像中，圣母，耶稣也好，普通人也好，总是那样呆板，僵硬，面部毫无表情。直到文艺复兴时代的到来，一切才发生了变化，使丧失已久的笑容又回到人间，特别是回到获得解放的妇女们的脸上。那笑容里充满着新时代新人物的自信和乐观，洋溢着他们对未来，对真善美的渴望。 达.芬奇是意大利文艺复兴美术最杰出的代表人物，也是整个欧洲文艺复兴运动最重要的代表人物之一。恩格斯在赞扬文艺复兴时代的“巨人”时列举的第一个就是他。他作为与时代休戚相关的艺术家，敏锐地感受到这一点，并天才地表现了这一点。他一扫过去肖像话上那郁郁寡欢，象幽灵一般的阴影，绘出了自由明朗的笑容。他用艺术形象向欧洲中世纪压抑人性的神学统治和禁欲主义宣布：人从禁欲主义小解放出来，它不再是徒有形质，没有七情六欲的模具，人能够向人微笑了！所以，《蒙娜丽莎》具有了强烈的时代精神，蒙娜丽莎的微笑不仅成为这幅肖像画的重要特征，而且成为文艺复兴时期女性美的典型，生动地体现了一个新时代的精神美。 《蒙娜丽莎》如亮丽的玫瑰刺破了午夜的黑暗与沉寂，过人们的心注入一缕芬芳与希望，成为画家可以放开手脚倾心颂扬真善美的象征，成为西欧人结束了漫长中世纪痛苦生活的标志，如恩格斯所说“这是人经受煎熬而取得的最伟大的进步的转折点。”这正是《蒙娜丽莎》历史意义所在。
《蒙娜丽莎》是卢浮宫三大镇馆名作之一，每年到卢浮宫参观的人大约有６００万左右。
家有何感想,有同学说：“对于美,不同的人有不同的看法.”有同学说：“一件艺术品不可能各个方面都被所有人认可.”…… 最后,老师说：“我想借此提醒大家：生活中,我们每做一件事情,别人都可能提出一些不同的看法和意见,就像我们今天评画一样.” 读了上面的材料,你是否联想到生活中的某些经历或见闻?是否想向别人介
6. 美术鉴赏找哪幅画鉴赏比较容易
梵高的向日葵
7. 求：文艺复兴时期有名的画及其鉴赏3000字（美术鉴赏作业）
名称：《圣安娜与圣母子》 作者：达·芬奇 时间：年 规格：68×112厘米 材质：纸 现藏地：巴黎卢浮宫 [编辑本段]作者简介 列奥纳多·达·芬奇 (1452-1519) da Vinci，Leonardo 意大利文艺复兴时期最负盛名的美术家、雕塑家、建筑家、工程师、科学家、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家、和发明家。他生于佛罗伦萨郊区的芬奇镇，卒于法国。其父为律师兼公证人，母为农妇，他15岁来到佛罗伦萨，学艺于韦罗基奥的作坊， 1472年入画家行会，70年代中期个人风格已趋成熟。1482--1499年间一直作画于米兰，主要为米兰公爵服务，进行了广泛的艺术和科学活动。 [编辑本段]作品欣赏 达·芬奇擅长于以炭笔和色粉两种工具交换使用来绘画。他的素描往往形象饱满，光线柔和，立体感极强。画面上好像被蒙上一层薄雾，圣母女两人就在这种雾一般的环境中相对地微笑着。加上画家选用的是青灰色画纸，因而炭笔所形成的朦胧感，又有一种月光下的大气感。 1506年(一说1512年左右)，达·芬奇回到米兰以后的两年，他又画了同名的一幅油画。这幅画在板上的油画与当年那幅素描虽属于同一构思(油画现藏于巴黎卢浮美术宫，尺寸为168×130厘米)，但比较起来显然不如素描来得亲切和诗意盎然些。这主要是人物的安排过分受限于构图，形式感考虑得多了些。在这里，画家让圣母马利亚坐在她母亲的膝上，外祖母圣安娜虽然也很年轻，但仍感到圣母的身躯太大些，她难以承受如此重量。可是圣安娜脸上展现的笑容，是对着眼前那个顽皮的小外孙——耶稣(耶稣正从母亲的手中挣脱下来，想要骑在羔羊身上。)而发出的，马利亚倒象坐在安乐椅上那样，毫不介意地伸手要去抱耶稣。这种情绪传递是不很协调的，人物尽管处理得紧凑，却并不显得自然生动。圣家族这一类圣经题材，在宗教壁画中是最常用的，因人而异，画家们各有自己的表现特色。达·芬奇在这一幅油画上的重点是放在圣安娜这一形象上，尤其是精心刻绘她的脸部表情。尽管这里再一次暴露出他的女性的微笑公式，但作为达·芬奇的现实主义的美学最高理想，他几乎象对待自然界一切未知之谜一样地去追求它。他曾说过：自然是那么博人欢心，那么多形形色色,取之不尽，即便是同一品种的树，也决不会遇到这一棵与那一棵完全相似，……人也不会碰到这一个与另一个丝毫不差的模样。达·芬奇要求画家作自然的儿子。在他看来，科学与艺术，同属于认识世界的过程。这也是意大利文艺复兴时期绘画的价值所在。 《圣安娜与圣母子》绘画的传神，如果仔细观察，达芬奇的圣安娜与圣母子，三个人的眼神是各不相同，圣安娜是慈祥，圣母是摒弃感情的圣洁，而圣子则是超越年龄和活动的慈爱和坚毅。这种细致的刻画，将这一幅与其他家庭场景区分开来，看到他的人会第一时间感到它的与众不同，亦是不可言喻的神圣和光辉充满画面。 [编辑本段]创作背景 欧洲文艺复兴时期，以达芬奇为代表，将神还原为人，籍着歌颂为名，赋予神凡心、俗躯，以极精致、极深刻、极细微的表现描绘，以致不朽。 1499年，法军入侵米兰,达·芬奇为躲避战乱，移居威尼斯。滞留数月后,又于翌年到达曼图亚，为当地的伯爵夫人，一位酷嗜文艺并广泛收罗艺术珍品的鉴赏家画了几幅肖像，其中有一张素描颇象他后来那一幅《蒙娜丽莎》的侧面像。1500年4月,达·芬奇再次回到故乡佛罗伦萨。得知兰则塔大教堂的主祭坛需要一幅祭坛画，他表示愿意完成此任务。僧侣们兴奋地把达·芬奇的全家请进了教堂，予以十分殷勤的款待，但达·芬奇久久没有动笔。 最后，他完成了一幅素描，就是《圣母子与圣安娜》。这幅素描是以寻求人物的明暗调子为准绳来描绘的。画家把圣安娜、马利亚、基督和施洗约翰四人，作为一个融洽欢聚的家庭成员加以集中表现。群像中以圣安娜与圣母的对话形式为主题，表达了一种人间家庭的天伦之情(此画作于1499～1501年间，是在茶色纸上用木炭，淡彩画成的素描，有139×101厘米，现藏伦敦国立画廊)。由于人物感情细腻，相互交叠的身躯也给人以亲密无间的美好气氛。
8. 高一美术鉴赏一副画
拉斐尔《西斯庭圣母》 早期的圣母偏重于平民气息，自从来到罗马后，他的圣母像也开始发生气质的变化，人间的母性转变为女王式的圣母了。这一幅《西斯庭圣母》却兼具两种秉赋，她 既象一位善良的民间女性，又具有女王式的严肃性。圣母抱着圣子降落人间是为了献 出自己的儿子。西斯庭圣母所具有的文雅、温柔与美貌，致使一位俄国画家感慨地赞 美道：“拉斐尔画的圣母，本身就是对人类的想象力的创造。”这一庄严而典雅的圣 母形象，可以说是画家所有圣母像中集大成者，是他最成功的一幅圣母像。 《西斯庭圣母》完成于1514年，是拉斐尔最成功的一幅圣母像。这幅祭坛画，指 定装饰在为纪念教皇西克斯特二世而重建的西斯庭教堂内的礼拜堂里的。最初它被放 在教堂的神龛上，至1574年，一直保存在西斯庭教堂里，故得此名。现为德国德累斯 顿博物馆收藏。拉斐尔在这里创造了一个具有崇高牺牲精神的母性形象。为了拯救人 类，圣母将儿子送向人间。他采用了较为稳定的金字塔形构图，来铺陈这一场面：绿 色帷幕刚刚揭开，圣洁而美貌的圣母赤着双脚，怀抱耶稣，显现在光辉普照的天上， 正徐徐下落来到人间。又似乎正在挪动轻盈的步子，从云端里走下来，但又好象凝滞 不动，露出期望的表情。一对晶莹的目光，注视着苦难的人间。由于圣母还在云中， 身上的衣服被细微的和风飘拂着。被母亲搂得紧紧的耶稣，瞪着两只小眼睛，似乎等 待圣母给他决断未来的命运。这个云中的圣母头上既没有表示神的光环，也不戴宝冠。 连圣母身上的绿色斗篷、红色上衣和褐色头巾也是十分平易近人的，另外毫无华贵的 装饰。作为画面背景的是隐约透现在天光云气中的无数小天使头像。稍不注意，这些 小天使好象是一朵朵团云。画家用这种表现手法为圣母的神圣贡献谱写赞歌。其构思 确实是新颖独到的。
在前面，左边是跪着迎接圣母到来的罗马教皇西克斯特。他穿着厚重的金黄色法 衣，一手置于胸前，以示虔诚；一手指向画外，表示要引领圣母。添画这个真实人物 是教皇利奥十世的授意，但拉斐尔处理得恰到好处。为了既不使教皇暴怒，又不致使 画面琐碎，拉斐尔在西克斯特教皇的左下角，即法衣的下摆边角上，画了三层皇冠， 以表征其父王的权力。 右边一侧是跪着的圣女巴巴拉。这是一个宗教传说中的殉道者形象（据传她殉难 于公元250年)。但画家画了一个秀美典雅的少女形象。她对圣母下凡现出极大的恭顺 与喜悦。虔诚之心，是通过那双低垂的眼帘来表现的。她默默地注视着大地，相信人 类得救在望，是一种民女善良德行的体现。在画面的最下端，齐画框的边缘，画家又 画了两个天真烂漫的小天使。他们张着小翅膀，似乎在等待这一奇迹出现。两个胖胖 的儿童，翻起白眼朝上窥视着。由于这两个形象，整个三角形构图受到一定的破坏。 使画面空间出现不稳定感，从而形成了一个环状的形象组合。 《西斯庭圣母》的构图比较严谨，空间透视处理得极好。均衡的三角形，由于上 下左右不平衡的对比，使画面平添了生意。比如，教皇西克斯特的大法衣，使三角形 的左角显得沉重些，而巴巴拉的头部则略高于对面教皇的头，她的头顶上的绿色帷幔 又纠正了左边的这种重感。为了不使画面琐碎，画家也添画了一点细节来补充——巴 巴拉身背后的小塔就是她被囚禁在牢狱塔的象征物。为使画面的云际具有深远感，画家避免了焦点透视法则，采用多视点和并列法，人物的形体互不遮掩，整幅画面是虚 实相生而又流畅平稳的。分散的人物实际上是在一个圆形的色彩联合内。观者既能领 悟到直观的形象，又使自己产生一种和谐的幻觉。 背景说明 据说画家对所有画上的人物都作了认真的素描写生。圣母似走非走的姿势、巴巴 拉扭转头部的风采、教皇侧面形体的线条透视感，这一切是以准确无误的素描为基础 的。每一个优美的造型有助于加深这一壮丽的主题，而它们又独自产生强烈的艺术感 染力，令观者神往。
9. 星月夜油画的美术鉴赏
红褐混合的火焰预示着要从情境内逃出的痛苦，与画布顶点的距离也是绝不能逃出的理由，云层和夜空形成漩涡，不断的吞进吐出，困惑、解脱、痛苦不停缠绕。平静的村庄上方占据了大篇幅的疯狂与悲伤。画布没有真正的如“流动的星夜”中说的那样流动，是悲伤在缠绕着作者，不是画布，画境永远是静止且立体的，每一笔都体现着作者当时的心情。时间不同，心境不一。星星、月亮和希望的光晕，不停挣扎着释放，可终究没有到达村庄里面。仿佛幸福没有照到悲伤里那样。