中国美术史读后感
Ⅰ 读《古老的中国艺术》有感
中国有着辉煌灿烂的悠久历史，孕育出极其丰富精深的中华传统艺术。随着中国改革开放的进程， 方方面面都加快了“全球化”的步伐，社会正在经历由传统到现代，由现代到后现代的转型，而中国传统艺术也面临了生存背景转换和被西方强势文化同化这两大挑 战。
中国工艺美术史这本书上我们介绍了中国工艺美术的发展，让你通过读他感受到文化艺术的魅力以及对自己艺术鉴赏力的提升。
Ⅲ 美术类书籍读后感
你这是神马问题啊
如果你想提高下美术修养的 先读一下世界美术史。读完后再研究下中国美术史。
完了研究下色彩学 平面构成 其次就是多去看画家名作。
Ⅳ 徐悲鸿学画的故事 读后感 500字地 帮帮忙啦
徐悲鸿公元1895年生于宜兴县一个穷教书的人家。早年的生活甚为艰苦，1942年他在一幅作品题诗中曾说“少小也曾锥刺股”，以此来形容他年轻时的生活艰难。
徐悲鸿的父亲是位半耕半读的村塾老师，同时也是位乡间画师。徐悲鸿六岁开始跟父亲读书，七岁时因为常常看见父亲画画，对画画发生兴趣，那时就想学画。他父亲认为七岁的孩子年纪太小，不肯教他；但是他念书念到卞庄子刺虎的故事，就偷偷地求人画一只老虎，自己依着样子描绘。父亲知道儿子实在喜欢画，在他九岁的时候，就让他每天摹一幅当时流行的《吴友如画本》，这就是徐悲鸿学画的开始。
徐悲鸿在十岁的时候就能帮他的父亲在画上不重要的部分添染颜色。但生活的艰难，仅仅十七岁，他便辍学到一家中学里教图画来帮助家用。十九岁那年，他的父亲逝去，家里负债很多，弟妹也要供养，他那时只得在县里三家学校担任教课来解决全家的生活。
沉重的家庭担子压不住他上进的决心，为了学美术，他来到上海。他曾企图把画寄给当时的《小说月报》，以求换得买米之钱，但却被无情退回。他那时寄居在一家赌场里，白天用功，晚上等客人散了，才摊开铺盖在赌桌上睡觉。那时，他常常吃不到饭，也找不到工作。——徐悲鸿甚至为此有过自杀的念头，据他后来回忆，他曾经狂奔到黄浦江边，想要结束自己的生命。混浊而奔腾的汗水汹涌地冲击着江岸，轮船的汽笛尖锐地吼叫着，他解开衣襟，让无情的风刚打入他年轻的胸脯上。当一阵寒冷的颤栗从脚跟慢慢传递到全身时，他才清醒地认识到：“一个人到了山穷水尽的地步而能自拔，才不算懦弱呵！”
1915年，当人们都在用锣鼓爆竹迎接新年的时候，青年徐悲鸿却饿着肚子给一家叫做“审美书馆”的出版社，用颜色填染单色印刷的杂志封面（那时印刷术落后，没有彩色印刷，杂志封面是雇人用手工填色的。审美书馆的主办人，就是著名的岭南画派导师高剑父、高奇峰兄弟）。等拿到报酬，他的肚子已经空了好几天了。
1916年，徐悲鸿考进震旦学院，攻读法文。他是穿着死了父亲的丧服，噙着眼泪踏进了这个学校的。
徐悲鸿的作品逐渐受到社会的注意。除了高剑父兄弟外，当时的文化名人康有为、蔡元培等也给予他鼓励和帮助。1917年，二十二岁的青年徐悲鸿已经被聘为北京大学画法研究会的导师，又得到北洋政府的教育总长、大学者傅增湘（沅叔）先生的帮助，派他到法国去留学。可是出国不久，因为内战，他的经济来源就断绝了。他经常干面包就白开水度日，并且不间断地从事每天十小时以上的劳作。他用功锻炼素描，临摹古代的名画，并努力于国画和油画的创作，还给书店画书籍插图及写一些散稿来维持生活。
由于徐悲鸿曾经经历过艰苦的遭际，所以在他后来的一生中，凡是遇到年轻有为、肯用功吃苦的人，或穷苦无告的人，他总是给予莫大的同情，并且尽一切可能去帮助和鼓励他。1928年，他给当时的福建当局画了一幅壁画，画好后他辞谢了给他个人的金钱报酬，却提出要福建省派送两个青年出国学习艺术。这两个青年一位是油画家吕斯百，一位是雕刻家王临乙，二人后来学成归国，对我国艺术都卓有贡献。
Ⅳ 写给大家的西方美术史读后感1000字
《西方美术史》有感
这本书西方艺术的形式与特征等的发展史，
其中心问题是美对于人类生活和人类历史的
价值和意义。另外，西方美学与西方的哲学，文化艺术的发展密切相关。对美学，哲学是关
于一切美学问题的最基础的思考，
具有元美学的性质。
对美学问题的研究有利于加深和丰富
对西方哲学的理解。西方历史上的文学艺术作品是许多美学思想的源泉。
说起西方美术，
我好像走进到了另一个新天地，
与中国美术形式意境完全不同的另一番
感受。在兴趣盎然中
,
乔托的觉醒
,
波提切利的韵昧
,
达芬奇的智慧
,
米开朗基罗的激愤
,
拉斐尔
的优雅
,
乔尔乔内的建树
,
提香的追求和丁托列托的视角
,
感受布勒格尔的气质
,
丢勒的才情
,
普
桑的力度
,
华托的情调
,
大卫的理想
,
安格尔的柔美
,
德拉克罗瓦的激情和莫奈的光影，
深深吸引
着我。
另外，西方艺术流派及艺术形式多种多样：
华丽激情的巴洛克艺术；
古典优雅的学院
派；充满生活情趣阳光的荷兰小画派；夸张扭曲的折衷主义；
真实和谐的写实主义；抽象豪
放的野兽派；具有戏谑和象征意义的超现实主义„„
书的第一部分讲的是古埃及希腊罗马美学。
提起埃及，
人们首先想起的是金字塔。
金字
塔是古埃及卓越的建筑艺术，
它是法老王们的陵墓。
对于金子塔的美丽和雄伟我不多说，
在
课上学到的最令我印象深刻的是埃及的雕刻、
绘画艺术。
从那些作品我们可以看到，
埃及人
的灿烂文化以及他们对“秩序”的狂热追求，绘画的比例，外形都奇异的保持一致，宏伟的
雕像现在虽然有好多残缺，但仍能感受到那埃及的辉煌文明！
古希腊的美学思想是在其哲学，艺术，宗教，文化的土壤中产生的。超凡入圣的艺术，
古希腊与古罗马。
罗马人在相当长的时间里直接根据面具制作肖像雕塑。
后来古罗马肖像雕
塑的美学追求在于求真美，
这同古希腊的宁静、
理想化的完美迥然不同，
这种特征趋向于个
人意志的创造，表现出敢于参与世事争胜的气概。
它是希腊文化的继承者和发扬者，伟大
的罗马，璀璨的希腊！充满神话的希腊，雅典卫城，巴特农神庙，这些美丽的地方都给我们
不一样的视觉享受。
虽然没有在幻灯上看到十几米高的雅典娜塑像，
但是可以想象那是怎样
的宏伟美丽。充满了神圣，梦幻般的感觉！这些都给我从新认识了希腊的文化，对希腊的建
筑也有了一些了解。
最后另我印象深刻的就是文艺复兴时期的两大天才——达芬奇与米开朗基罗，
纪录片记
录了他们的生平种种，
让我们了解了天才成功的不易与艰辛。
时代造就了他们，
他们也成就
了时代！他们值得我们现在每一个学生去学习，为之理想而奋斗，
因为他们告诉我们，
艺术
是门伟大的科学！终求一生，值得为之奉献，为之探索！
它介绍了几种最早形态的美学思想。
塔塔凯维奇认为美学思想最早包含在艺术之中；
鲍
桑葵认为人类的审美意识产生于原始宗教向哲学的过渡阶段；
吉尔伯特和库恩认为哲学孕育
了美学。
综合几位美术家的观点，
早期希腊的美学思想是蕴含在宗教，
艺术，
和哲学当中的。
这几种观点的分歧是美学本身是什么，
美学与哲学的关系是什么。
由此可见，
美学不仅仅是
哲学的一个分支，
他们之间还有更复杂的关系。
要理解他们的关系，
我想必须要通过深入的
学习和探究。
Ⅵ 中国艺术表现里的虚与实 读后感
——读完《中国艺术表现里的虚和实》后第一个想到的就是国漫。
今天，大家都知道，欧美漫和日漫都有自己的风格。中国绘画也很有自己特色，比如早年的中国动画就是水墨画。这篇文章如题就是讲的中国艺术的虚与实，其中就重点讲了中国绘画“虚实相生，无画处皆成妙境”中国画讲的就是意境和神态，这种风格别国是学不来的，八大山人在纸上只画了一条鱼，别无一物，但却另人感觉满幅都是水。这就是文中举的虚实例子。
再看经典的《米洛斯的维纳斯》，那失去了的双臂浓浓地散发着一种难以准确描绘的神秘气氛，或者可以说，正深深地孕育着具有多种多样可能性的生命之梦。米洛斯的维纳斯虽然失去了两条由大理石雕刻成的美丽臂膊，却出乎意料地获得了一种不可思议的抽象艺术效果，向人们暗示着可能存在的无数双秀美的玉臂。
“洗尽尘滓，独存孤迥”意思是，去粗存精。所阐释的观点是：由于去粗存精，艺术表现里才有“虚”。
在王之涣的《登鹳雀楼》里，“白日依山尽，黄河入海流”写的是实景，语语如在眼前；“欲穷千里目，更上一层楼”，则由实见虚，把读者的目光引向更加广阔的空间，同时把景物与心胸打成一片，从视野的开阔，可以想见抱负和气度的远大。人们从这两句诗中还可以悟到站得高才能看得远的哲理。
在贾岛的《寻隐者不遇》，四句皆实，而过访不遇跌宕变化，“只在此山中，云深不知处”，不仅写出隐者的品格，抒发了未见其人的怅惘之情和揣想其人风采的敬恭之意，而且从中还可以引申出某种哲学的意蕴：人们在探讨真理或追求理想的过程中，往往会刚感到某种困惑，即知觉地感到所探索和追求的事物就在近处，却由于种种原因而不能发现或得到。这也是由实见虚，虚实结合。
再扯到日漫上，与这种“无画”恰恰相反的就比如有P站上的藤原。藤原的图以其空间复杂，色彩美丽繁多而出名。这当然好看，但给人的感觉就是另一种美。古代中国式绘画与之截然相反，现在，许多绘手都有尝试中国风，主要体现在上色上，这确实是一种路子。
动漫，主要就是需要具体的人物发展故事，就是一张插画也让人一眼看出许多故事。
那么，虚与实的结合这种特点是否有可能运用上去呢？是在背景上下功夫还是改变绘画人物的形式？说了这些，有些站着说话不腰疼的感觉。目前我的绘画水平还很低，实在不懂将这特点揉入漫画的困难，又或许只是将这种传统的理念换种方便式表达？
总之，只有想不到，没有做不到！
Ⅶ 中国古代艺术设计史读后感 快呀 急用
这两篇，你可以参考下，，，，
(1) 浅谈罗可可艺术的女性化特征
内容摘要 ：产生于法国18世纪的罗可可艺术反映的是上流阶层的审美趣味和审美价值，是集享乐、奢侈、豪华于一体的艺术样式的代名词。文章通过研究法国路易十五时期的社会和文化特征，探讨表现在建筑、家具、绘画以及服饰方面的女性化风格特征。
关 键 词 ：罗可可 宫廷贵族艺术 女性化
18世纪的法国是启蒙运动的时代，由于国家对工商业与文化实行奖励政策，促使资本主义经济飞速发展，文学艺术也随之蓬勃与兴盛。经历了男性理性时代的法国人开始渴望柔和暧昧的女性化情感，尤其是没落的封建贵族们，他们从路易十四时期的繁文缛节中解脱出来之后，开始追求奢侈享乐的生活，崇尚轻浮华丽的艺术，罗可可艺术便应运而生，并且迅速成为法国乃至欧洲的主流艺术和社会风尚。
“罗可可”一词意为“贝壳工艺”，指用贝壳、石子等做假山，或以旋涡纹、花饰为主的装饰形象，后来引申为一种纤巧、华美、富丽的艺术风格。罗可可艺术强调浪漫情调，它从东方、中世纪和古罗马的装饰风格之中得到启发，还吸收了中国清代丝绸、瓷器、漆器等工艺所特有的精致细腻的纹样，以及镶金嵌银的装饰风格。罗可可艺术崇尚自然，多以贝壳、山石、花草作为装饰题材，用富于女性化象征的S形、C形或旋涡状曲线夸张地伸展和缠绵卷曲，因此优雅、柔媚、华丽与繁缛成为罗可可艺术的典型特性。如果巴洛克艺术是男性化艺术象征，那么罗可可艺术则是典型的女性化艺术。路易十五的情妇蓬巴杜夫人不仅是罗可可艺术的保护人和倡导者，又是罗可可艺术的象征性人物，她引领了整个法国的艺术潮流，在她的推波助澜下，罗可可艺术成为压倒一切的艺术风尚，因此罗可可艺术又称“蓬巴杜风格”。
罗可可艺术风格几乎侵袭了宫廷贵族精神生活的一切领域。“在18世纪，罗可可趣味是随处可见的，贝壳、草茎和花朵是罗可可样式最常采用的装饰母题；即便是一件日用器皿，也能感到是罗可可时代的一个缩影。”①可以说，罗可可风格渗透到法国人日常生活的每个角落，它不仅体现在绘画与建筑上，还涉及到音乐、文学等多个艺术领域。
罗可可建筑与室内装饰
罗可可建筑是在巴洛克建筑的基础上发展起来的，它由巴洛克式的富丽堂皇、气魄宏伟的宫殿转变为优雅别致的别墅与私邸，而且还处处体现了女性化的安逸、亲切和舒适的装饰风格，如室内的柱子与楼梯修长而小巧；天花与墙面间以弧面婉转相连；房间的角落砌成柔和的圆形。罗可可式室内装饰总体倾向自然主义，它将草叶、贝壳、石子、蔷薇和棕榈作为装饰题材，不仅用在墙面和天花板上，还用在栏杆、窗台、壁炉、镜框、门窗等一系列装饰构件上。此外，还在室内张挂绸缎的幔帐和晶体玻璃吊灯，陈设瓷器古玩，以显示主人的豪华与高雅。罗可可建筑与室内装饰多采用娇嫩明快的色调和富有光泽的色彩，并且尽量避免强烈的对比，如墙面粉刷，多用白色、粉红色、嫩绿色、淡黄色等浅色调，线脚多用金色，使室内闪烁着迷人的光泽。由于在装饰上过于繁缛花
巧，罗可可建筑与室内装饰的格调显示出过浓的脂粉气。
罗可可家具
罗可可家具由其装饰形式的新思想出发，整个家具设计都由富有节奏感的曲线或曲面构成，可以说，女性化的柔美与纤巧的格调在罗可可家具上体现得淋漓尽致。设计师从妩媚修长的女人体得到启发，创造出秀气、高雅、轻巧的家具，以芭蕾舞为原型的椅子腿最为典型。沙发靠背、扶手、画框大都采用细致典雅的雕花，椅背的顶梁有玲珑起伏的“C”形和“S”形的旋涡纹的精巧结合。罗可可家具在制作工艺上采用了青镀金、雕刻描金、线条着色，或镶嵌花线与雕刻相结合的装饰手法，讲究精致繁琐，这种富于想象力的细线纹饰使得家具显得愈加轻盈纤柔。所有这些致力于追求外形特点的家具，构成了罗可可风格时代的贵族们浮华绚丽的生活场景的不可缺少的元素。
[next] 罗可可绘画
“罗可可”以一种轻松优雅的风格使绘画彻底摆脱了宗教神学的教化思想，此时的艺术理想由雄伟转向了愉悦，享乐的世俗生活和欢愉的爱情是罗可可绘画的主题。特别是青年男女爱情的风流韵事成为广泛的题材，罗可可绘画讲求细腻入微的感官享受，甚至追求形象肉感和性感描写，即使是男人肖像也带有女性化的纤柔。画家华多以轻柔的笔触和淡雅的色彩，在画面中渲染出一种如梦的境界，以此来衬托动作优雅、绮罗遍身的男女们。这些男女们虽在远离尘世的仙境中野餐，谈情说爱，尽情地安逸享乐，然而甜美中却浸有淡淡的忧郁。正是这种“夕阳无限好”的意味，使华多避免了浅薄的思想而超越了其他罗可可画家。罗可可风格在布歇和弗拉戈纳尔的作品中表现得更为突出，他们对感官之美真实大胆，富于情调效果的追求，成为了那个无忧无虑、奢华萎靡时代的诠释者。
罗可可服饰
罗可可时代是女人的时代，女性浪漫而华贵的服饰把那个时代渲染得无比精彩。突出妇女的体形美是罗可可女装最大的特点，罗可可女装流行内穿束身紧身胸衣，胸衣领口开口很低，并以褶裥、荷叶边和蕾丝花边装饰领口，以衬托女性丰满的胸部。受东方文化影响，女装裙子面料流行飘逸温软、高雅而精致的丝织物，内以鲸骨做撑架，这种裙撑越来越大，犹如盛开的花朵，裙撑外的多层衬裙要将外裙前摆卷起至后臀处打褶垂放，目的是为了使臀部更突出，腰肢更纤细。罗可可女装经常在局部饰有精巧的刺绣工艺、蝴蝶结、玫瑰花，再配上独特而夸张的假发和帽子，显尽了女人的华丽与娇柔。男子服饰没有领子，领口有一排长而密的扣子，将前襟去掉，就形成了日后的燕尾服，而颈前的蝴蝶结，就是今天的领结。
结语
风靡一时的罗可可风格随着蓬巴杜夫人的亡故逐渐被新古典主义取代。由于罗可可艺术一直被禁锢在高雅文化中，只为上流社会苍白、颓废、娇弱的思想生活服务，不免显得过于娇媚浮华，缺少了精神内涵的深刻性。但是，罗可可艺术夸张的手法和独特的表现形式则使它具有了超时代艺术生命力，甚至至今还为艺术家们提供着创作思路。
(2)
包豪斯的发展对现代设计的影响
在当今社会生活中，现代设计参与并影响着人们的生产、生活。艺术设计、环境艺术、工业造型等各个领域，都直接或间接受到“包豪斯”的影响，或多或少有其设计理念的意识存在，如“艺术与技术相结合”的指导思想，产品的使用价值与审美价值的辩证关系等。
德国包豪斯（Bauhaus）学院，成立于1919年，是世界上第一所完全为发展设计教育而建立的学院，是由德国著名建筑师现代主义建筑与现代主义设计的奠基人格罗皮乌斯（Walter Adolf Georg Gropius，1883—1969）建立。
“包豪斯”一词是从中世纪的“土木行会”转化而来的，其意思是建立像中世纪匠师们那样通力合作的关系，力图打破纯艺术和工艺技术之间的界限，团结艺术家和工艺技师一起创造出精神和物质合一的、完美的美术作品，其实质是推进现代新技术下造型艺术的创造。包豪斯学院是世界上第一所建筑工业设计学校，它的诞生是现代建筑工业设计的一个里程碑。①根据其校长的任期，包豪斯可以分为三个阶段：格罗皮乌斯任校长的1919—1928年，迈耶任校长的1928—1930年和米斯·凡德罗任校长的1930—1933年。校长的作用对包豪斯具有重要的意义。②根据校址的三次迁移，包豪斯经历了魏玛时期（1919—1924年），迪拜时期（1925—1930年）和柏林时期（1931—1933年）。
在学校构成、教学思想、专业课程设置、师资制度及设计理念等方面，包豪斯学院发生过许多重大变化。即格罗皮乌斯的理想主义与其浪漫的乌托邦精神，迈耶的共产主义政治目标，米斯的实用主义方向与严谨的工作方法。所有这些虽都具有强烈而鲜明的时代烙印，但同时也成就了包豪斯精神内容的丰富性、文化特征的复杂程度，这为现代设计教育奠定了基础，对现代建筑及工业设计革命做出了巨大贡献，同时对世界文化也有着深远的影响。
1919年4月1日，第一次世界大战结束以后，包豪斯正式在魏玛成立，格罗皮乌斯亲自拟订并发表了《包豪斯宣言》，在宣言中他提出：“完整的建筑物是视觉艺术的最终目的……建筑家、雕塑家和画家们，我们应该转向应用艺术……艺术不是一门专门职业，艺术家与工艺技术人员之间并没有根本上的区别……让我们建立一个新的艺术家组织，在这个组织里面，绝对不存在使得工艺技师与艺术家之间树起很大障碍的职业阶段观念……”③在《包豪斯宣言》中，格罗皮乌斯的核心思想：一是打破艺术种类的界限。二是将手工艺人的地位提高到艺术家的层次。这就是格罗皮乌斯所说的“艺术和技术——新的统一”的含义。
约翰内斯·伊顿（Johannes Itten,1888—1967）是一位瑞士画家，是被公认为世界上第一位系统地创造现代设计基础课程的人，是包豪斯预科基础课程的第一位主持人。在基础课程中，他特别强调两个方面：一是对形态、色彩、材料、肌理的深入理解与体验，包括平面与立体形式的探讨与理解。二是通过对绘画的分析，找出视觉的形式构成规律，特别是韵律和结构两个方面的规律，逐步使学生对自然事物有一种特殊的视觉发展的敏感性。同时，伊顿也是最早开设现代色彩系统教学的教育家之一，但是伊顿醉心于早期基督教哲学和中国哲学，具有敏感力和浓厚的宗教意识。所以，其教学方式与内容往往是将科学视觉形式与神秘主义精神混作一体，有些干扰了正常教学，从而遭到了很多批评和抨击。最终他于1923年离开包豪斯，去苏黎士从事艺术创作，并继续研究中国哲学。
1922年10月份，拉兹罗·莫霍里·纳吉（Moholy Nagy,1895—1946）接替了伊顿位置。他年轻活跃，才华横溢，曾被格罗皮乌斯誉为“在建立包豪斯教育中最活跃的同事之一，包豪斯的许多建树都是他的功绩”。④纳吉使包豪斯预科摆脱了哲学倾向，具有明显的技术倾向。在艺术设计中，他使美学适应于结构逻辑，他为预科学生安排了三组课程，即工艺类、艺术类、科学类，使学生了解材料的属性，掌握形式表面、结构、容积、空间和运动等概念的内容，学会使用手动工具和生产设备，熟悉造型表现的原理，让学生的形象知觉和理性思维结合起来。纳吉是一位把包豪斯的艺术概念运用到工业和建筑上去的主要理论家，是继格罗皮乌斯之后，成为包豪斯思想传播和发展最有影响的人物，影响了整整一代艺术家、建筑师、设计师。 [next] 包豪斯预科的第三位主持人阿尔伯斯(Joset Albas,1888—1961)，同样具有理性思维的教学倾向，但比纳吉更具有实践性。他十分强调学生认识材料及工艺特性，使学生在制作工业产品上完全贴近实际任务。阿尔伯斯经常和学生一起讨论、分析作品。他认为，双向交流比教师单向讲授更有助于发展学生的结构思维。
表现主义画家克利（Paul Klee,1897—1940）与抽象绘画开拓者康定斯基（Vassily Kandinsky,1897—1944）也是包豪斯最有影响力的成员，他们对完善学院的教育体系起到了积极的促进作用。克利的理论知识丰富，是现代艺术中敏感性极强的人。他所关注的不是抽象与具象的分野，而是如何把所有元素从统一规范中解放出来，分解、组合、重建，构成多声部的整体，通过动态平衡，造就永恒的和谐，使之接近创造的核心。⑤克利的“自然现象的分析”“造型、空间，运动和透视研究”这几门课程，从造型的作用说起，论述自然与物理、数学的关系，以及与人的认知之间的关系。他尽量把理论简单化、明确化，注重形式的分析，并善于将元素进行组合研究，强调感觉与创造性之间的关系。康定斯基是一位伟大的表现主义大师，现代抽象艺术的先驱。他的教学是从完全抽象的色彩与形体理论开始，然后把这些抽象的内容与具体的设计联系起来。其关于点、线、面的论述在包豪斯的基础课教学中发挥了重要作用。而这些内容已成为现代设计教育体系中平面构成的先声。
包豪斯强调造型艺术的结合，提出艺术与技术相结合的思想；强调新的工业产品的使用价值与审美价值的辩证关系；强调使用新的物质材料、新技术和实用功能决定的现代抽象形式；强调艺术设计才能与工艺制作劳动相结合；强调艺术家之间的协作和打破艺术家与匠师之间的壁垒。包豪斯奠定了现代设计教育体系的基础，其课程结构与教学方式成为世界许多学校设计教育的出发点，培养的杰出设计师把现代设计推向了新的高度，其精神、观念与方法在相当长的时间被奉为现代主义的经典。包豪斯在设计中提倡自由创作，反对模仿因袭、墨守成规，提倡在掌握手工艺的同时，了解现代设计的特征，大力开展国际、国内之间的交流合作，培养具有现代设计文化性格的新型人才，具有创造性思维能力，集艺术、工艺、设计于一身的新型人才。
包豪斯的设计思想为现代设计思想的拓展和完善提供了可遵循的依据和准则，使现代设计思想更趋于系统化、规范化。包豪斯所提倡的功能化的设计原则，使现代设计对产品功能的物质载体重新加以探索，有效地利用载体，使载体多功能化，对材料、造型、使用环境等诸要素也进行了更深入的研究。包豪斯的发展是坎坷的、短暂的，但其影响在世界范围内却是巨大的，我们在吸收包豪斯的设计理论和教育思想的同时，应该结合现实中具体的问题，将科学探索精神及现代审美意识与本民族传统文化有机地结合起来，更好地促进现代设计的发展。
如今，人类已进入21世纪，现代设计如雨后春笋，呈现出突飞猛进的态势，并渗入到与人们息息相关的生产、生活的各个领域，并且跨越众多学科门类和体系。虽然仅开办14年的包豪斯已经过去了86年，但是包豪斯的设计思想对现代设计产生了深远的影响。
注释 ：
①张彤.整体地域建筑理论框架概述[J].华中建筑，1993（3）：22.
②凌继尧，徐恒醇.艺术设计学[M].上海：上海人民出版社，2000.
③王受之.世界现代设计史[M].北京：中国青年出版社，2002：142.
④张夫也.外国工艺美术史[M].北京：中国翻译出版社，1999：525.
⑤汪炳璋.包豪斯的工业设计及其发展研究[J].安徽建筑工业学院学报(自然科学版)，2005(12):36.
Ⅷ 《西方美术史》朱光潜的读后感，还有对这本书的解释等内容～急，谢啦，加分
没有正襟危坐地写过书评.是看着刚刚台上书页的西方美术史五讲》.感受着书中鲜活的生命和多彩的画卷.思绪万千.眼前突然闳现出巴黎卢浮宫参现时的另一幕:一个火着嗓的导游用汉语对昔?群国人说:主要就看三件,胜利女神雕像,断臂维纳斯和蒙哪丽莎.当然谁都知道.它啊足卢浮宫的镇宫之宝,不可错过,但至迟从8世纪后期卢浮宫的'物室开始直到现.持续两二百年的艺术品收藏,早已使卢浮富成为世界上屈指可数的走馆.名牖汇聚,浩如烟海只看件,岂不足太过粗略?当然也听到过略带法语.音的汉语导游领着一队国人,:足绘莳厅法国巨匠大卫油画前,从时尚的新古典主义细细逋束猜想这样的一批观者.当是啦该会皎为手头选本西方美术史五讲的挚诚睦着的的确与西方人自幼就通过教鼗艺术熏习,开放的博物馆课堂乃至多姿的街头艺术等形式熟知自古而今的西方美术相比.中国人只能更多地借助校园课堂与读本了解相对陌生的异域文化.就此而论,我们感谢着者与出版社,给读者呈上了这样一部纵贯古今,赅括有度的好书我]道,在俸质人类学上,学者们确立现代人的标尺之一是伴之以大量的洞穴壁画和塑到艺术这类反映人类智力突进的现象,从这个意义上说,人类美术史的诞生是与现代人的出现同步的,其历史之悠长也就毋庸多论.若以每周一讲的速率计,西方美术史十五讲刚好是大学大致一个学期的谋程.以四个月的时间上求索数万年,不能不说其纵踌之大.再就其幅员广阔沦,尽管西方美术史是以中国西部的欧洲为主线的,但以欧洲地域的广阔,地理的复杂以及历史与文化进程的差异论,其所呈现的美术发展态势也是迥异的异彩纷呈的.也许着者始韧面临的两难是,如何以有限的篇幅浓缩广阙无垠的艺术世界以及与之相伴的人类心灵智慧.令人欣喜的是,眼前这部西方美术史十五讲*,很好地谐谰了西方美术史中的博与约.它先以绪论的形式,向读者阐述了艺术的旨意与属性以及其形体色彩线条诸要素,使读者在未进入美术欣赏之前,就有一个相应的知识准备,并开始艺术何_为的思索历程.然后顺着西方美术史发展的流线,蓝色的爱琴文明开始,直至20世纪的现代美术,其阃所经悠民迭宕的古代希腊与罗马美术,中世纪的艺术样式文艺复兴的绘画雕塑与建筑,近代不同国度与地域的美术流派和现代主义美术等等,读米有"脚流观乎下"的酣畅淋漓感.我们当然知道,历史发展历来不是单薄盼,线性的,而是丰满曲折的,但大凡讨论与历史有关的问脚,部必须回到一定的时空框架内,构筑起相应的纵横坐标,其中纵向表现的是时训流变.横向传达的是空闻与并列关系.梳理繁复的历史与文化现象的方法之一,是首先理出一个简约而清晰的框架,枵不同时空的文化事件与人物各就其位,随着人们对历史感悟与体验的深入,这个相对单线的纵横坐标便会渐丰满,复杂多姿起来.从这个角度论,《西方美术史^五讲成功构筑了一个西方美术史发展大略的纵横坐标,引你步人漫漫艺术长廊.美苑006年第1期当然,如果徒有宏阔的结构而缺乏内涵的深度,十五讲就将仅仅是一部概略的西方美术史书,其可读性也就会大打折扣.着者成功的是,舍去冗长的历史背景,艺术运动以及一切枝蔓的叙述,直指构建美术史的人,且在历史上或如北极长明,或似流星划过的众多美术家中,只撷取不同时期与地域中最具代表性者,用笔或浓妆或淡抹,但总能向读者娓娓道来,使你在兴趣盎然中,熟知乔托的觉醒,波提切利的韵昧,达芬奇的纯正,米开朗基罗的激越,拉斐尔的优雅,乔尔乔内的建树,提香的追求和丁托列托的视角,感受布勒格尔的气质,丢勒的才情,普桑的力度,华托的情调,大卫的理想,安格尔的形式,德拉克罗瓦的激情和马奈的光影.而且,在文本中作者还总不忘为每一位艺术家配上一幅肖像,以期为读者提供一个直面艺术家个体并由此洞悉其内心世界的门径.无论中外,美术史的大宗总是林林总总的美术作品,由于这些作品往往是不同时期政治的,社会的,神话的,宗教的,哲学的或文艺的综合,表现在其中的内涵与图像亦就深邃而丰富,解读图像,阐释内涵遂而成为美术史研究的基本方法论之一,也构成对美术史家的巨大挑战.翻阅各类美术史读本,释析作品内涵与图像大都会占有相当篇幅,而不同的解读人对图像深邃意义的探知与体验又会有相当的差异,从而展现出图像意义多重性的魅力.((西方美术史十五讲》作者虽亦将写作重点放在美术名作的赏析与评品上,但他避免对艺术大师众多作品的泛泛而论,而只取其重之又重者,不吝笔墨,从容道来,使读者对历史上如雷贯耳的名人名作留下至深印象.大凡历史上的美术作品,总是或具宗教内涵,政治说教,道德讽喻,或表达个人情感与艺术追求,突现技法技巧等等.在具体作品的阐释中,作者往往首先会为读者提供一个理解作品的简骸的知识背景,包括人文的,心理的,社会的,艺术家个体的等等;其次集西方美术史家研究之大成,将各种已知的,可能理解作品的途径提示给读者,展现出一个多视角,多维度的认知视界;复次对图像各要素进行精当的分析,以华彩而又凝练的文字描述,饶有兴致的故事叙说美苑2096年第1期书评以及极富个性的语言风采,启迪读者的艺术灵智,向人们敞开一扇共探艺术玄机与美妙的大门.最后,除图像阐释外,注重调动画面一切表现的,技艺的要素,将读者视野拓及甚至是画外的表现空间,使人们在谙悉图像主题与寓意,理解作品形式语言与内涵关系的同时,理清历史各时期艺术表现语言的发展流脉,考索图像而外的,更为广阔的人类精神世界,进而挖掘艺术作品深邃的意义.对书中的众多名品,如贝里尼《众神之宴)),提香((巴科斯和阿里阿德涅》,委罗内塞迦拿婚礼》,博斯((愚人之船》,布勒格尔通天塔》,((尼德兰的寓言》,小荷尔拜因使节》等等,作者都不吝笔墨,对其中的或宗教故事,神话寓言,或世俗生活,民间风情,做精微细致的分析与介绍,对耐人寻味的画面细节做生动可信的描述与阐发.至于像普桑((阿卡迪亚的牧羊人》,伦勃朗((巡夜》,大卫(《贺拉斯兄弟的宣誓》,贝尼尼《阿波罗与达弗涅》,席里柯((梅杜萨之筏》,德拉克罗瓦((萨尔丹那帕勒斯之死》,毕加索((格尔尼卡》这类绘画,雕塑上的"巨幅宏篇",更是倾尽笔力,进行全面深入的分析与探讨.无可否认,
Ⅸ 关于中国艺术一本书的读后感
我一直以为，思维与思想是两个层次的问题，思维是一种更具深度的文化。某种意义上可以说，思维是决定思想的。因此就中华民族的艺术及其历史而言，其艺术思维方式究竟是什么，以及自古以来，中国人到底如何进行艺术思维，就成为一个十分重要而烦难的学术课题，它关系到如何准确地把握中华艺术思维历史的人文素质、品格与规律问题。正因艺术思维史研究的难度较大，造成多少年来这一领域少有人问津的局面。而今读到金丹元近著《中国艺术思维史》(上海文化出版社XX年2月版)，很为他的学术勇气与探索精神所感动。