美术基础色彩

A. 美术绘画基础 素描 色彩

关于素描教学的经验
素描，简而言之就是单色画。却又不尽然，毕竟素描涵盖与牵连的东西太多，解决的问题也太多，素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等；但素描的共性是差不多的。同时，素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值，当然，专门的素描艺术家并不多，大都是兼职者，如诸位大师们，他们寥寥几笔的创作草稿就已经价值不菲，你根本不用分是基础性强的速写还是独立的艺术品。这些即便看似寥寥几笔的素描作品，其后面的功力也非常了得，有时随便一条起伏弯曲的线条，体现的却是艺术家对形体、结构、特征、节奏、韵味、艺术史的深刻理解与掌握，于其背后的艰辛也自然不言而喻了。

下面谈谈本人对素描的理解，又或者可以说是十几年来教与学的体会。下面几部分有内容上的交叉，这是素描的综合性决定的，每一部分只是素描综合体中的一个理解侧面，它们的关系是分解与重组。

1. 理解多少就能表现多少

总体来讲，素描是很理性的，素描的过程是脑、眼与手高度结合的人的活动。大脑是总指挥，充实的理性显得尤为重要；眼睛偏感性，生动、鲜活，但常常出现片面与误差；手只是实现脑眼商量的结果的工具，只要听话就行了，属于技术类（当然还有其它工具）。所以大脑要不断地学习与思考，只有思考才会有创新，会思考是人区别于动物的最大特征。首先，要学美术史，了解美术的发展过程，了解诸大师独特的成长过程、艺术理念、风格区别及技巧表达，经过不断评判思考后才能给自己正确地定位，促使自己更好地发展，从而避免茫然失措和重复浪费；学习素描就不能不学习达?芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、丢勒、鲁本斯、康伯夫，仅仅知道契斯恰科夫是不够的。解剖学、透视学诞生给素描注入了更多的科学理性因素，而解剖学、透视学这两门学科就需要花时间精力去学习与掌握，比如：表现一个人，仅仅了解表面的轮廓起伏而不知道其下的骨骼构造、肌肉走向作用及视觉上的透视变形是不行的；每画一条线、一个起伏都要能体现解剖学和透视学知识，这些内在知识能使素描作品更深刻、更完整。构图知识使素描作品更趋于完美和个性化，更有画面感、更有艺术性。对结构、特征、比例、形体、朝向、节奏、对比、点、线、面等要素的熟练运用与驾驭，无疑对素描的充分表达起到深度与广度的关键作用，几何概念的把握与深入塑造技能又起到画面的宏观与微观的调控作用。照相机的发明、网络时代的来临使素描从客观的世界中解脱出来，从而更关注后工业化人的思想情感的无限空间，素描更呈现多元风貌。

显然，拥有如此丰厚的知识储备，你就要做个优秀的指挥家 ，而且要在直觉、激情中尽情地艺术表现。

2. 基础·能力·素质

素描是造型艺术的基础，素描学习训练的目的在于培养学习者正确的认识能力、观察能力、造型能力、表达能力和审美能力，宽厚扎实的基础已经成为进入艺术殿堂必备的素质，就如同高楼大厦的根基，厚实、深藏、无华；也像武术中的站桩功，站都站不稳，“功夫”也只是个花架子。初学者学习素描一定得沉住气耐住寂寞，要能吃苦，要有难度意识，冰冻三尺非一日之寒，古人百步穿杨、庖丁解牛也非一日之功。但光凭理头苦干是不行的，要有意识地培养自己正确的观察与表现能力。观察方法通常指整体与比较，如：眯着眼睛看大体，在整体中比。而细节特别是精彩的细节却要瞪大眼睛地近距离观察，而且你描绘的如是正面，最好从侧面或顶部来观察物象，这样多角度的立体考察对表现物象的结构、起伏、特征、转折是有帮助的；要能敏锐地判断感悟到表达对象独特的形象特征、精神气质，能从平凡中发现美的形式、美的韵味，并能迅速地选择相适应的又是自己的方法加以表现、处理。素描作为一种绘画形式，有其自身的艺术生命力，单凭“基础”两字已难以容纳素描的全部意义，它不单是打基础那么简单。有时，培养良好的审美素质，可以为一生的艺术活动奠定基础。

3. 基本功与创造力

基本功好，是不是就创造力强呢？不一定。事实上很多优秀的艺术家的基础功并不很“扎实”，特别在艺术走出现代派进入后现代的当今，创新观念成为主流。但在我国，那种只顾埋头拉车不抬头看路的纯技术“人才”还大有人在，这也可以说是我们基础教育的一大通病。我们之所以要搞素质教育，现在又要推进基础教育的课程改革，主要是针对我们人才的创造力的普遍低下这一致命问题的。我们不缺扎实的基本功，而且可以说世界领先，我们缺的是领引世界的原创力。所以，处理好基础教学与创造性思维的培养两者之间的关系就显得非常重要。现在，有必要更新我们的基础观，打基础不只是死记硬背、机械重复训练，也可以是广泛的阅读、欣赏、见识、交流、合作、讨论、调查、综合、比较、怀疑、探究、想象、创造、逆向思维、发散思维、打破常规等，在日常学习生活中逐渐培养创造力。打素描基本功与训练创造力应该是可以同步的，因为素描负载着全部有价值的艺术信息，也包含创造力，艺术的本质就是“创新”，回顾一下美术史就清楚∶只有具备创新价值的艺术家才能被记载。所以，要做个学艺上的有心人。

4. 关于主动性

学习素描的主动性，一是指行动上的积极实践，二是指思维上的勤于探索。二者合二为一，光说不练不行，光练不想也不行。我们常说某人学习很主动、作品很有想法，就有这意思。即使是初学素描，也不能纯客观地再现，一定要加入自己的主观感受、理性理解和主观处理。以通过学习素描来感受生活、认识艺术。要用自己的大脑来思考，要用自己的眼睛来看世界。主动性是一种学习状态，一种会自觉寻求各种方式获得知识、能力的方法，要珍惜利用书店、图书馆、网络、美术馆、博物馆等学习资源，不要太依赖你的教师，要能积极自修，勤于动脑，放眼世界，要会主动地对各种信息进行知识分类、归纳、批判、取舍。在多元中不迷失自己，在前进中不断学习。

5. 到位与拉开

“到位”的内容包括构图、结构、特征、形体、比例、朝向、节奏、力度等等，到位是一种基本功、一种能力，它同我们通常听到的“准确”、“逼真”的意思并不完全相同。“到位”更多地是指主观感受、艺术上的到位，层次要高一些，主观的发展空间也大些，就是“真实”也只是艺术上的真实。“拉开”则是一种人文素质，一种主观手段，“拉开”的内容包括∶艺术语言、形体特征、黑白灰、主次、虚实、强弱、刚柔、浓淡、曲直、前后、疏密等，是更高意义上的简化与归纳，它比“到位”又更加主观、自由，是艺术家个体主观能动性的精神表现，是一幅成功素描作品的重要指标，是风格的俗与雅、格调的高与低的主要区别所在。

“到位”与“拉开”，相当于客观与主观、描写与表现、丰富与简练的关系；它们对立统一、相互牵扯；过分的“到位”显得沉闷、平庸，需要“拉开”来注入生气与活力；过分的“拉开”又显得花、碎、简单，需要“到位”加以整合，难就难在如何掌握这个“度”，或者说“恰到好处”，适当的“过点”也并无坏处。齐白石的“似与不似之间”理论也有这一层意思。

6. “黑白灰”的重要性

这里强调“黑白灰”概念的重要性，完全是出于多年经验的明证，因为它的确给我及众多学生带来许多好处。将素描或者所有色彩的学习、设计、创作中导入“黑白灰”概括手法，特别对于初学者将有事半功倍好的效果。具体的操作是：将表达的物象，不管有多复杂、多凌乱，在明度上都把他（它）们概括归纳为画面黑白灰三大块，这是一种对宏观整体的主观把握和有序组织，而任何一块又包涵许多层次（调子、体面），只是它们必须在“黑”、“白”或者“灰”的绝对统治之下；一般“灰”块的层面较为丰富，“黑”块的层面较为简练，三大块各自的面积具体而定，但必须得有。这样就可以很容易地克服画面的“灰”、“乱”、“脏”等初学者常见毛病，从而使作品的画面结构更加有力、层次更加分明、组织更加有秩序。

“黑白灰”是一种对画面主动的整体把握与控制，它的意义可能还会更多。

7. 线条的意义

世上本无纯粹的线条，苏派只承认点的连续排列（面）。然而，艺术就是艺术，是人的精神产物，虽然有科学性，但绝不能等同于科学的“真”，一加一并非等于二，艺术里是没有标准答案的。线条是主客观世界反映在艺术家精神世畼br /> ?的产物，线条是视觉艺术最基本的语言，是一种概括和“抽象”，它既古老又现代，而且永远不会过时；所以在素描世界里艺术家与线条是形影不离的，一出手就是线，更可以根据主客观的需要尽情发挥。线条的艺术表现力是非常强的，我们至今无不被千年前的敦煌壁画中飞天飘逸的线、以及永乐宫壁画中大气恢弘的线条所折服。线条不仅表现物象的轮廓、区域、结构、特征、转折（形体或两色之间）、节奏等，还可以表达艺术家的主观情感，当时的冲动、激情，是一种主观的高度提炼，有时成为作品中的灵魂所在，于是就有了线的硬实有力、线的行云流水、线的运动及线的旋律等。线条的运用其实很讲究，既理性又感性，并非“外形线”那么简单，线条要注意表达出物象的来龙去脉：线的前后穿插、线的粗细强弱，哪里该用？哪里不该用？怎么贯气、怎么疏密对比？都有学问。仅一个边线，就有造型、特征、空间、虚实、强弱等内涵的体现。线条应该比调子（面）层次高，因为它是艺术家主观的产物，是一种“精神表现”。

8. 调子是服务者

要端正一个认识∶不要为调子而调子，调子只是形体结构的服务者。就是说，即使用调子要体现内在的结构、起伏，要围绕形体结构这一中心来进行，反对用似是而非、模棱两可或者重无用处的调子；调子最好配合线条来运用，线条是外轮廓的高手，调子是表现内形体积、质感、层次的强者；如果线条是建筑中的地基框架，那么调子则是内外装饰，两者相辅相成、相互补充、相互促进。以前盛行的苏派素描，把调子推到至高无尚的位置，什么只有一个高光不用涂调子其余全都要涂调子，什么没有实际存在的线只有看不见的面啦，这种过于物理、刻板的教学理论体系，使得当时神州一片灰暗、软弱、无力。在艺术上，过度求科学的真就丧失自己本应有的许多特有的优势。

不过，调子还有一种功效：可以渲染背景气氛、调节画面节奏，使画面浑然一体，更加美整。

9. 强调“特征”的意义

在初学素描就导入“特征”概念，会有一种走捷径的感觉。“特征”包括在所表现的物象中，也包括作者所表达的艺术语言、风格。首先，形体结构与特征结合起来，就可生产“象什么”的第一印象，如某人看起来像苹果、像冬瓜、像剪刀，成语中“骨瘦如材”，还有俗称的“月儿眉”、“三角眼”、“大蒜鼻”、“樱桃嘴”等等；还可以用“外形特征”和“内形特征”来描述；“外形特征”可借鉴剪纸艺术某些技巧；其它的，如画面阴影、空白、发须、衣领、布纹等，总之，你认为值得描述的对象及细节，都可以有意挖掘其特征美；抓特征美就是人为的主观突出对象某些与众不同的特点，或重视某些画面可视的形，“宁过勿不及”，这样“严重”地对待，促使画面远看有视、近看有“形”，大的整体、小的局部都会显得耐看，有分量。“特征”的概念，在素描表现中应该是贯彻始终的。

10. 重视“修改”

这里的“修改”类似于一般意义上的调整，所不同的是：调整大都基于常规的循序渐进，而“修改”则是基于主动表现中的果敢、直干；因为敢画、敢错，才有“修改”的必要；而每一次的“修改”都是一次思索、进步的过程，有时大刀阔斧的“修改”竟是一种升华、或是一种起死回生。因此，不用怕脏、不用过分地小心谨慎，要敢做敢为；不用担心留有改过的痕迹，这痕迹应该是前进的足迹。

“修改”是一种脚踏实地的学习态度，一种自信进取的学习探索。初学者常常一错就重来，总想立竿见影、急功近利、一鸣惊人，却不知是一种浮躁的表现。

以上诸言，虽然本人屡试屡灵，但也只是一家之言，难免片面、失准；不过也算是肺腑之言，自以为在多元化能够并存的今天应该还有它的位置，因为，有关素描教学的讨论永远也不会结束。

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初学美术正规训练范画速写

很多初学绘画者，包括有些已经进行过一些素描训练的学画青少年想画速写，总感到无从下手。在与这些初学绘画者的接触中，我总是尽量告诉他们一些速写方面的训练方法，但是有更多同样需要这方面知识和技法的初学绘画者，我无法接触到。他们中有许多人由于学习条件所限，没有机会接触这方面的老师。为此，我想借这次出版机会，将自己十几年来的一些速写教学心得和方法整理编写出来，献给那些有志于学画的青少年，为他们的学习助一臂之力，使他们在速写学习的过程中少走弯路，掌握正确的学习方法，接受到较为科学的速写正规训练指导。

学画难吗？美术教育家徐悲鸿先生曾说过，有中等以上智力的人，通过努力，都能学好绘画。看来只要肯努力，钻进去，逐渐摸到规律，原来感到难的问题也就变得不难了。在初学绘画的青少年中，有的人儿童时代就画过儿童画，有的临摹过卡通画、连环画等，有的虽然没有动手画过速写，但一直对速写很感兴趣。这些都是通向速写专业训练的良好开端。

速写是在较短时间内迅速将对象描绘下来的一种绘画形式，它具有收集绘画素材、训练造型能力两大方面的功能。速写最能表现出绘画者敏锐的观察能力和对物质世界的新鲜感受，画面生动感人，是速写的一个显著特征。因作画时间短，在描绘对象时，放笔直取，它可随时描绘我们周围生活中的任何物象，特别擅长描写运动中的对象和转瞬即逝的动态。速写描绘的题材远远超出课堂上素描练习内容的范围。所以，常画速写能使我们养成注意观察周围生活的良好习惯。长期坚持画速写，可为日后搞美术创作和美术设计积累下丰富的艺术素材。速写又是一种锻炼动手能力的良好训练方法。我们提倡从学画阶段开始就养成画速写的良好习惯。有些内容的速写训练又可以理解为素描的短期作业形式，在进行相对长时间的素描训练的同时，多画速写，做到长、短期作业穿插进行，是绘画基础训练的一种良好方法，因此，速写又是一种对素描训练的辅助练习形式。

有些绘画大师，如十七世纪荷兰画家伦勃朗、十八世纪英国画家荷加斯、十九世纪德国画家门采尔等都是速写方面的高手，我国许多著名画家在速写领域也取得了很高成就，形成了独特的个人风格。如叶浅予、阿老、黄胄、刘文西、周思聪等。他们中间有的从没有机会进入正规美术院校学习，而是以速写作为绘画训练的基本形式走上成功之路的。有志于学习绘画的青少年，只要肯努力，保持高度热情，勤学苦练，多动脑筋，方法得当，持之以恒，就一定能画好速写，为绘画学习打下坚实的基础。

速写要求在较短的时间内画出所需要表现的对象。所以，以线条形式来描绘形象，是速写表现中最直截了当的一种方法。线条除了具有描绘对象形体的功能外，其自身还具有艺术表现功能，它可体现出丰富的内涵，如力量、轻松、凝重、飘逸等美感特征。作者在画速写的时候，会不知不觉将自己的艺术个性，通过线条的运用而流露出来。以线造型是速写中最常用的表现形式。除此之外，线面结合也是常见的形式之一。有时在结构转折处衬些明暗调子，能增加速写艺术的表现力，使画面的气氛更加变幻丰富。除以上两种形式外，纯明暗的速写较少见。当然有些画家因追求自己画风的需要而作这样的形式探索也是有的。但这不能成为初学速写者训练过程中追求的目标。

本书主要讲授速写的一些基本知识和训练方法，试图在初学者对绘画的一般兴趣和写实造型规律之间架设一座桥梁，愿大家一起走进绘画学习的专业训练阶段。

速写的工具与材料

速写用的笔，初学者可选用2B型号的铅笔或炭笔，因这两种笔在速写训练过程中较易掌握，待有一定基础后也可用钢笔和毛笔作画。
速写用纸没有什么特别讲究，70克左右的普通白纸即可，也可用新闻纸（印报纸用的纸），新闻纸适宜用炭笔作画。初学者可利用各种零散纸练习。现在一些美术品商店出售专门的速写本，这为速写练习提供了更多的方便。
另外，外出画速写时，应准备一个小画板或小画夹。

绘画是一种将长、宽、深三维空间中的立体物画到长、宽二维平面的纸面上，但又要产生准确、真实的立体感的表现形式，因而绘画艺术离不开透视知识的运用。

一般来说，透视形式主要有两种，即平行透视和成角透视。平行透视是指所画立方体的某一立面与画面相互平行，这个面不发生透视消失现象；成角透视是指立方体的相互垂直的两个立面都与画面成一定的角度，在画面上，两个立面都发生透视消失现象。
视平线是指与人的眼睛等高的那条水平线。心点昼br /> ?指作画者垂直于画面上的那一点。

速写训练的基本方法

速写训练是对学画者观察能力、分析能力、理解能力和表现能力的全面训练。速写训练中对观察力的训练，不仅要训练眼睛看得准，还要训练在作画时有正确的观察方法。什么是正确的观察方法？一般说来，以我们平时看东西的习惯来作画，往往是看到哪里画到哪里，这是一种局部的观察方法，用这种看一点画一点的观察方法作画，不能做到表现对象的本质关系。我们要画好速写，就要改变这种局部观察的习惯，学会整体观察的方法，养成整体观察对象各种造型结构关系的习惯。这种整体观察方法要求在作画时观察对象要有整体意识，在画某一点、某一局部时，不要只盯着一点看，而是要将所画的这一点、这一局部与其他部位相互比较，对所要画的局部与其他部位的上下左右关系及它们之间的内在结构关系做到心中有数，从整体关系下笔。这种比较的过程，实际上就是整体分析和理解对象的认知过程。正确的观察方法，只有通过大量的练习，才能逐步真正掌握。速写训练是练眼、练脑同时又是练手的过程。绘画是一门技艺性很强的艺术，下面就速写训练的一般顺序及一些学习方法和作画步骤进行阐述。

一、由简到繁
初画速写，可先从较简单的描绘对象入手。如一个小木凳，一双随便摆放的雨靴，一件挂在墙上的衣服。作画时先画对象外形轮廓的大关系，用直线画出基本形，注意线条的长度比例及各线条的倾斜度。在此之后，再充实些细节。例如画一张凳子，凳面与凳腿的关系是大关系，而榫头及局部特征等都是细节，这些细节可在进一步深入阶段逐渐画完。
“繁”的物象是指结构关系较复杂的对象。如：枝叶茂盛的大树、衣纹繁多的人物等，作画方法也和画“简”的东西一样，先从大的方面入手，确定了大的关系后，再充实细部。要将复杂的物体理解为是由各种简单部分组成的，然后将各简单部分画在复杂的大关系之内，这样完成起来就有条不紊。画复杂物象较难处理的一点，就是整体与局部的关系。画各个细部时，要注意到它们各部分之间的关系，同时还要照顾到整体的大关系，不要因描绘细部而使整体显得琐碎。只要我们把握好先画大关系，后充实细部的原则，画“繁”的对象便不会感到困难。
由简到繁的训练从大的题材上讲，可先画花卉，后画树木风景，最后画人物。

二、由静到动

初画速写，应先从静止的对象画起，稍熟练之后，再描写处于运动状态下的物象。静止的物体或处于不动状态下的人，有利于初学速写者在作画时能从容地观察对象，反复比较所描绘对象的各种结构关系，使初学速写者能在认真研究描绘对象各种结构关系的基础上下笔。作画时用线要肯定，线条是为了表达对象的形体关系，交待清楚结构造型而画的。线条的来龙去脉要有根据，这个根据就是被描绘物的结构。

初学速写者在作画时应将所画的速写与描绘对象进行反复比较，从而纠正画得不准确的部位。速写造型练习的最佳描绘对象就是静止的物象和不动的人物。我们看到许多速写范画，一个轮廓有时有几根复线。这就是对作品进行矫正而产生的痕迹。

画动的物象，如动态人物、动物等，需要在掌握一定的静态速写的基本功后再结合结构规律、运动规律加以训练，这样画起来就容易得心应手了。有关动态速写的注意事项及作画步骤，在后面的有关部分将会阐述。

三、由慢到快

画速写并不像我们有些初学者所想象的那样，下笔如写草书，一挥而就。因为画速写的过程，是一个对形体观察、理解、表现的造型过程。这一过程，初学者须仔细体会，扎实描画。逐渐熟练了，画速写的速度就会快起来。初学者应先画慢些，如人物速写每幅可在45分钟至1个小时左右完成，以后可逐步过渡到半小时画一张或一刻钟画一张。并且在训练过程中还要不时的将慢、快训练方法穿插进行，这样才能在速写训练中既得到扎实的练习，又掌握到速写的一些方式方法。

四、从描绘有规律的对象到描绘无规律的对象

初学速写者首先要画一些有规律的对象，这样有利于把握造型的准确性，并掌握速写的一些技巧。描绘有规律的对象，可先画一些基本形明确的花卉和重复出现的有规律的人物动态。在掌握了一些速写基本技法之后，再画一些无规律的对象，如杂乱无章的灌木丛，转瞬即逝的不规则的人物动态。有规律的对象较易把握，通过中轴对称性原则，可以获得较准确的轮廓。而规律感不强的对象，则较难把握，需要有一定速写基础后，方可对之速写。

五、临摹与速写相结合

学画速写的过程，应该是临摹优秀速写范画与对着对象写生相交替进行训练的过程。临摹的目的是为了学习前人的技法，如对形象的概括、取舍、交待结构以及一些用笔用线的技巧等等，尽可能在临摹中获得体会。另外，类似速写形式的优秀的线描画、连环画都可以临摹。通过临摹可以学到一些概括形体、处理衣纹、疏密穿插等方面的速写技法。另外在初学速写的过程中还要多临摹优秀的艺用人体解剖图谱，以求在临习的过程中掌握人体的基本结构知识。要做到临摹与速写反复交替进行，这样临摹才能有体会，才能将临摹中学到的东西运用到速写中去，真正变为自己的东西。

B. 美术基础和色彩搭配

你学什么画的？首先你要确定你这一幅画的色调：冷色还是暖色。再确定基色，然后再在色调中对基色进行搭配，一般我们选基色的补色为主要配色：如黄陪紫 蓝配橙。当我们还要注意所画物体的固有色于环境色。
物体在光的照射下固有色会弱化：画时要加白，在暗部会变深：要加其补色使其纯度降低。
色感是要慢慢培养的，不要着急多看点书。
人像色彩特征：
人像写生中首先要区别亮面,暗面,反光几个大面颜色的冷暖鲜灰的不同,还要用色彩做进一步深入细致的塑造,不能只画素描的明暗变化.面部的每一个体面转折,都会改变受光角度使色彩变化,因而每深入一步的塑造都是伴随着冷暖,明暗,鲜灰的变化.
皮肤色彩变化的规律
不同人皮肤的颜色是有区别的,不仅人种有黑,白,黄,棕各种肤色的区别,而且同是黄色人种的中国人,男女老少也各异,不同人的皮肤差别有的很悬殊.但其中也可以寻找一些色彩变化的共同规律,比如,头部中额头的颜色一般偏暖,下颌以及脖子的颜色偏冷,两颊的颜色偏红,手的皮肤颜色比脸的颜色暖,手背常掺杂有静脉的青色.
人物肤色过度与色彩衔接的技巧
肤色的变化是柔和,细致,微妙的,绘画时要避免简单生硬.使用水彩和水粉画人物的皮肤时,开始时宜使用时湿画法,趁颜色湿润时连续铺色使之衔接自然,力求整体完成,然后再加以适当的修整.局部着色可以适当晕染,以利衔接.使用水粉,水彩的较少使用干画法画皮肤,因为如果没有丰富的经验和技巧,由于不易掌握色彩的干湿变化,很难做到皮肤色彩衔接得柔和,自然.
使用油画颜色画人物时,肤色的调配应当与画静物和风景时不同,要求更为细致确切,避免生硬和单调的颜色.
组织好头部和背景的色彩关系
背景起到雕塑空间,衬托人物的作用.由于色彩的对比作用,不同的背景对于前景人物的色彩是起到不同的影响的,背景颜色会改变人对脸色的感觉.灰背景前脸色显得浓重,冷色背景前脸色发暖,暖色背景前脸色发冷,深色背景前脸色较深.可以根据需要,通过 有意识的搭配背景颜色来加强和减弱脸色的每些部分.背景的颜色在构成画面总的色调方面也起着作用.为了调整方便,大多数人平时置备许多不同颜色的衬布,使用是根据需要随时调换.

C. 绘画基础，按大类别说是素描基础和色彩基础，分别是怎么去理解呢

素描：素描是来造型艺术领域源中的一门基础科学。素描使用单一的色彩来描绘对象的一种绘画形式。素描具有其独立的艺术价值。她是通过对物象的形体结构、比例关系、明暗变化等造型因素的综合手段来表现对象的。
世界万物的形体变化，实际上都是基本形体的复化、变形和组合。一简单的石膏几何形体写生为石膏半面像写生的基础，比较容易观察和理解其造型的基本规律——结构规律、透视规律、明暗规律及其表现规律。
色彩：这里以水粉为例，水粉画既是一种独立的绘画形式，也是青少年学以色彩知识、进行色彩训练的必要途径。水粉画颜料是一种色泽鲜明艳丽、遮盖力较强的粉质绘画材料。所以水粉画既可以吸取水彩画技法，又可以结合油画技法来作画：湿画朦胧、干画苍劲、薄施明亮、厚涂凝重，点、勾、摆、擦、甩无不显示出水粉画颜料的特性与美感。

D. 美术学绘画的，美术基础考的是什么 考色彩吗。

高考美术 考的是素描速写和色彩 素描有石膏 人物写生 人物默写 头像半身都专有 还有静物。色彩多数已水属粉为主，水粉干得快，覆盖性中等，彩头，色彩半身，和色彩静物。速写单个人物，多人物组合，人物场景 。 我学的美术学综合材料绘画，有问题可追问。

E. 美术色彩素描的基础知识

色彩构成理论知识讲义篇 编辑 | 删除 | 权限设置 | 更多▼ 设置置顶 推荐日志 转到私密记事本 ゞ-7~水墨ぐ 发表于2009年06月19日 23:30 阅读(2) 评论(0) 分类： 色彩 权限: 公开 一、关于色彩
视觉艺术语言的元素包括造型要素、色彩要素、肌理要素三个方面：
平面 —— 二维：点、线、面
造型要素 实空间：点、线、面
立体
虚空间：点、线、面
色相
色彩要素 明度
纯度

肌理要素———视觉产生的触觉、幻觉

视觉艺术的三大要素是相互关联的、相互依存的整体。色彩是视觉艺术、造型艺术的重要要
素之一，色彩起着先声夺人的作用。但色彩又不能脱离形体、空间、位置、面积、肌理等单独存
在，所以研究色彩问题必然牵扯以上诸方面的关系。

1、色彩构成

将两个以上的单元，按照一定的原则，重新组合形成新的单元称之为构成。将两个以上的
色彩，根据不同的目的性，按照一定的原则，重新组合、搭配，构成新的美的色彩关系就叫色彩
构成。

2、绘画色彩与设计色彩

绘画色彩、设计色彩其原理是一致的。绘画色彩包含着写实色彩和装饰色彩，设计色彩同样
也包括装饰色彩和写实色彩，只是各自的侧重不同而已。现代绘画中，装饰的配色方法被广泛的
使用，使绘画色彩与设计色彩的界限越来越模糊。当然绘画色彩和设计色彩存在着区别，如写实
绘画的色彩侧重于科学再现，设计性的色彩侧重于抽象的装饰但它们都是以科学的理论为指导。

二、色彩物理学

小林秀雄在《近代绘画》中评论莫奈一章中说：“色彩是破碎的光-----，太阳的光与地球相
撞，破碎分散，因而使整个地球形成美丽的色彩-----。”
根据现代物理学证实，色彩是光刺激眼睛在传到大脑的视觉中枢而产生的一种感觉，人对色
彩感觉的完成，首先要有光，要有对象，要有健康的大脑和眼睛，其中缺一不可，因此为了更好
的研究、应用色彩，就需要掌握光到达眼睛的物理学知识，光进入眼睛至脑引起感觉作用的生理
学知识。
1、 光谱
17世纪英国物理学家牛顿用三棱镜揭开了彩虹的奥秘。如果我们把白色日光从一夹缝倒入
黑暗的房屋中，并使这一白光穿过玻璃棱镜，棱镜就会将白光分离成红、橙、黄、绿、青、蓝、
紫各种颜色的光，当这些光投照在白色墙壁上时，我们就会在这黑暗之中见到与彩虹有相等颜
色秩序的光色谱。这种现象叫做光的分解或光谱。

2、 单色光与复色光
牛顿以前的学者，认为白色是最简单的光线。牛顿用三棱镜把白光分解为红、橙、黄、绿、
青、蓝、紫色光，如在光线分散的中途加一块凸透镜，使分散的光线在凸透镜与映幕之间的某
一点集中，而集中的一点则又是白色光。所以白色光即为复色光。
经三棱镜分解的红、橙、黄、绿、青、蓝、紫任意一个色光再经三棱镜不再分解，映幕上
仍是原来的色光，这不能再分解的光叫单色光。

3、 可见光谱与不可见光谱
用三棱镜分解太阳光形成的光谱，是人类眼睛所能看的范围。从最长的红色光波约780毫
微米，依次缩短，到紫色光波约380毫微米，这个区域为可见光谱，也就是说使我们人类所能
看到的颜色。换句话说，色彩是一种视知觉，是光作用于眼睛的结果。那麽，780毫微米以外
的则是红外线、电波等不可见光谱，通过仪器才能观测。

4、 光源色
由各种光源（标准光源：1、白炽灯2、太阳光3、有太阳时所特有的蓝天的昼光）发出的
光，光波的长短、强弱、比例性质不同，形成不同的色光，叫做光源色。如：普通灯泡的光所
含黄色和橙色波长的光多而呈现黄色味，普通荧光灯所含蓝色波长的光多则呈蓝色味。那麽，
从光源发出的光，由于其中所含波长的光的比例上有强弱，或者缺少一部分，从而表现成各种
各样的色彩。

5、 颜料色
在白纸上涂上红颜料就可看到红色，涂黑颜料就可看到黑色，是什麽原因呢？和电灯的
色一样，从光源射来的光直接进入眼睛是看不到颜色的，从光源来的光若碰到纸或颜料等不
透明的物体，在那里一部分被吸收，剩下的反射入眼睛，这才可以见到色。太阳光的白色光
遇到纸，纸完全不吸收光，全部反射，于是，纸也等比例的包含各种波长的光而可以看到白
色。灰色也是反射着等比例的各种波长的光，但是白色是全部反射照射光，而灰色则是把各
种波长的光全部少量的吸收，剩下的再反射出去，所以看着比白色暗。再一张纸上涂上黑颜
色，由于光全部吸收而不再反射，结果就看到了黑色。那麽红颜料只反射所照射的白色光中
的红单色光，吸收了剩余的光才可以红紫这样的光谱表示，可是黄稍带着绿和蓝的色消失了。
这就是说，红颜料是反射以红色为中心的光谱色，吸收所剩的光色。这样，类似颜料的物体
色虽同样是红色，但并不同于单光色，而是产生以几个单光色混合为一个色的感觉，故而把
这样的色叫做复合光的色。
其次，色玻璃等透明物体的色，是由玻璃吸收一部分光源来的光，透过所剩的光后进入眼
后所见到的色，它也是一种复合光的色。

6、物体色

这样我们看到的色，无论是动植物的色、服饰的色还是建筑和器物的色，几乎都是取决于光源光、反射光、透射光的复合色光。把这样的色特别命名为物体色，以与自己发光的光源色相区别。但是物体色不是一成不变的，光源色的改变也会使
物体色发生变化。

三、色彩的体系

1、色的三属性

世界上几乎没有相同的色彩，根据人自身的条件和观看的条件我们大约可看到200万到800
万个颜色，这些色彩大致区分的话，可以分为白、灰、黑那样不着彩的色叫无彩色，和红、黄、
蓝等那样有彩的色叫有彩色。
各种色彩现象都具有色相、明度和纯度三种性质。对色彩三要素的理解和掌握，是学习色彩
构成的基础。

①色相：指色彩的相貌，是区别色彩种类的名称。指不同波长的光给人的不同的色彩感受。红、橙、黄、绿、蓝、紫等每个字都代表一类具体的色相，它们之间的差别属于色相差别。在应用色彩理论中，通常用色环来表示色彩系列。处于可见光谱的两个极端红色与紫色在色环上联结起来，使色相系列呈循环的秩序。最简单的色环由光谱上的6个色相环绕而成。如果在这6色相之间增加一个过渡色相，这样就在红与橙之间增加了红橙色；红与紫之间增加了紫红色，以次类推，还可以增加黄橙、黄绿、蓝绿、蓝紫各色，构成了12色环，12色相是很容易分清的色相。如果在12色相间再增加一个过渡色相，如在黄绿与黄之间增加一个绿味黄在黄绿与绿之间增加一个黄味绿，以此类推，就会组成一个24色的色相环。24色相环更加微妙柔和。色相涉及的是色彩“质”方面的特征。

②明度：明度指色彩的明暗程度，任何色彩都有自己的明暗特征。从光谱上可以看到最明亮的颜色是黄色，处于光谱的中心位置。最暗的是紫色，处于光谱的边缘。一个物体表面的光反射率越大，对视觉的刺激的程度越大，看上去就越亮，这一颜色的明度就越高。因此明度表示颜色的明暗特征。明不可以说是色彩的骨架，对色彩的结构起着关键性的作用。明度在色彩三要素中可以不依赖于其他性质而单独存在，任何色彩都可以还原成明度关系来考虑，例如黑白摄影及素描都体现的是明度关系，明度适于表现物体的立体感和空间感。黑白之间可以形成许多明度台阶，人的最大明度层次辨别能力可达200个台阶左右，普通使用的明度标准大都为9级左
右。

③、 纯度：指色彩的鲜艳度。从科学的角度看，一种颜色的鲜艳度取决于这一色相发射光的
单一程度。人眼能辨别的有单色光特征的色，都具有一定的鲜艳度。不同的色相不仅明度
不同，纯度也不相同。例如颜料中的红色是纯度最高的色相，橙、黄、紫等色在颜料中纯
度也较高，蓝绿色在颜料中是纯度最低的色相。在日常的视觉范围内，眼睛看到的色彩绝
大多数是含灰的色，也就是不饱和的色。有了纯度的变化，才使世界上有如此丰富的色彩。
同一色相即使纯度发生了细微的变化，也会带来色彩性格的变化。

2、色的表示方法

由于工业的发展，在印染、涂料、装饰材料、印刷等许多门类的工业中都需要更多种类的颜色。
面对如此发展的色彩需求，必须有一个系统的科学的色彩表示方法，以求使用中对色彩便利的选择
和正确的应用。其中有适用于艺术家与设计师使用的通过用三维空间来表示明度、色相与纯度的色
立体。色立体的科学性在于它所标示颜色，它是以精密的测色仪所测定的标准色样，可供印刷、印
染、造纸、美术设计等各行业为配色的参照。在艺用色彩学中，色立体的用途不仅限于配色方面，
对于艺术工作者来说有色立体所显示出的色彩体系结构，有助于对色彩进行完整的逻辑分析。为方
便艺术家、设计师、印刷技术人员使用，后又发展为色立体图册。

四、色彩的混合

1、加法混合

加法混合指的是色光的混合 两种以上的光混合在一起光亮度会提高，混合色的总亮度等于相
混各色光亮度的总和，因此叫加法混合。色光混合中，三原色光是朱红、翠绿、蓝紫，这三种色
光不能用其他色光相混而产生。朱红 翠绿=黄、翠绿 蓝紫=蓝、蓝紫 朱红=品红。当三原色光按
一定的比例 相混时，所得到光是无彩色的白色光。如果只通过两种色光相混就产生白光，那麽这
两种色光就是互补关系。如：朱红 蓝、翠绿 紫红、蓝紫 黄都是互补关系。

2、减法混合

指的是颜料、染料的混合，透过重叠的彩色玻璃纸或色玻璃所映现的混合色。减法混合的三
原色是加法混合三原色的补色，即翠绿的补色品红、蓝紫补色淡黄、朱红的朱红的补色天蓝色，
这三原色，是不能用任何颜色混合出来的，用两种原色混合出来的颜色称为间色。如：红 蓝=
紫、黄 红=橙、黄 蓝=绿。如果两种颜色能混合出黑色或灰色，那麽这两种色就是互补色。用
三种原色相混会产生含灰的复色如棕色、橄榄绿色等，当三原色按一定的比例相混可以产生黑色
或黑灰色。在减法混合中，混合的色越多，明度越低，纯度也会下降。在印刷中重叠透明的油墨
所表现的混色就是减法混合的一种。

3、中性混合

无论是色光的混合还是色料的混合，都是色彩未进入眼睛之前以在视觉外混合好了，再由眼
睛看到。这种视觉外的混色为物理的混色。另一种情况是颜色在进入视觉前没有混合，而在一定
的条件下通过眼睛的作用将色彩混合起来。这种发生在视觉内的混色为生理混色。由于视觉混色
效果在知觉中没有变亮也没有变暗的感觉，它所得到的亮度感觉为相混各色的平均值，因此叫中
性混合。
有两种视觉混合的方式：①颜色旋转混合，这是由于转动的色盘使眼睛的视网膜在同一位置
上不断快速更换色彩刺激的缘故。混合效果在色相方面与加法混合的规律相似，但在明度上却是
相混各色的平均值。②空间混合，是指由于空间距离和视觉生理的限制，眼睛辨别不出过小或过
远物象的细节，把各不同色的色块感受成一个新的色彩，这种混合受空间距离的影响，称为空间
混合。空间混合属中性混合，即不加光也不减光。用空间混合的方法达到的混色效果比用颜料直
接混合的效果要明亮。印刷中的三色版网点的排列，就是这种混合原理。

五、色彩对比

1、同时对比与连续对比

当两种或两种以上颜色同时并放在一起，双方都会把对方推向自己的补色。如：红和绿放在
一起，红的更红，绿的更绿；黑和白方在一起，黑的更黑，白的更白，这种现象属于色彩的同时
对比。色相对比、纯度对比、明度对比都属于同时对比整体中的各个部分。
连续对比现象与同时对比现象都是视觉生理条件的作用所造成的，它们出于一个原因，但发
生在不同的时间条件。同时对比主要指的是同一时间下颜色的对比效果，连续对比指的是不同时
间的条件下，或者说在时间运动的过程中，不同颜色刺激之间的对比。如：当我们长久的注视一
块红颜色之后，看到周围的东西发绿；当我们在暖色光的环境适应后，突然来到正常光线下，会
觉得颜色发冷。这种视觉残像属于色彩的连续对比现象。掌握色彩的连续对的规律，可以使设计
师利用它加强视觉传达的印象或用于减轻紧张工作造成的视觉疲劳。

2、色相对比

不同颜色并置，在比较中呈现色相的差异，称为色相对比。如：湖蓝与钴蓝比较就觉得湖蓝
带绿味，钴蓝带紫味，在对比中，这两种颜色的特征更明确了。
色相对比中包括：

①原色对比：红黄蓝三原色是色环上最极端的三个颜色，表现了最强烈的色相气质，它们之间的对比属于最强的色相对比。如用原色来控制色彩，会使人感到一种极强烈的色彩冲突。如各国都选用原色来作为国旗的色彩；京剧脸谱也使用强烈的三原色突出人物的特征等。

②间色对比：橙色、绿色、紫色为原色相混所得的间色，色相对比略显柔和，自然界中的植物的色彩呈间色为多，如：果实的黄橙色、紫色的花朵、
绿与橙、绿与紫这样的对比都是活泼鲜明具天然美的配色。

③补色对比：在色环直径两端的色为补色。确定两种颜色是否为互补关系，
最好的方法是将它们相混，看是否能产生中性灰色，如达不到就要对色相成分,进行调整才能找到准确的补色。一对补色并置在一起，可以使对方的色彩更鲜明。最典型的补色对是红和绿、黄和紫、蓝与橙。黄紫色对由于明暗对比强烈，
色彩个性悬殊，是补色中最突出的一对，蓝橙色对明暗对比居中，冷暖对比最强活跃而生动，红绿色对，明度接近，冷暖对比居中，因而相互强调的作用非常明显。补色对比的对立性促使对立双方的色相更加鲜明。

④邻近色相对比： 在色环上顺序相邻的基础色相，如红与橙、黄与绿、橙与黄这样的色并置的关系称邻近色相对比。属于色相弱对比范畴。它最大的特征是其明显的统一调性，在统一中不失对比的变化。

⑤色相对比称为类似色相对比，是最弱的色相对比效果。常用于突出某一色相的色调，注重色相的微妙变化。

⑥冷暖体系与对比：我们对一部分色彩产生暖和的感觉，一部分产生寒冷的感觉。从色环上看，有寒冷印象的有蓝绿至蓝紫的色，其中蓝色是最冷的颜色；
有暖和印象的是红紫到黄的色，其中红橙是最暖的色。从视觉上，冷暖对比产生美妙、生动、活泼的色彩感觉。冷色和暖色能产生空间效果，暖色有前进感和扩张感，冷色有后退感和收缩感，在艺术表现中，冷暖色都又丰富的精神内涵。

3、纯度对比

一个鲜艳的红和一个含灰的红相比较，能感觉出它们在鲜浊上的差异，这种色彩性质上的比
较，称为纯度比较。纯度对比可以体现同一色相不同纯度的对比中，也可体现在不同的色相对比
中，纯红与纯绿相比，红色的鲜艳度更高；纯黄与黄绿相比，黄色的鲜艳度更高。
可以通过2个方法降低饱和色相的纯度：①混入无彩色黑白灰②混入该色的补色。在改变一
个色彩的纯度过程中无论加白、加灰还是加黑，都会在不同程度上使色彩的色相及冷暖倾向发生
变化。一般来说，冷色有些变暖，暖色有些变冷。
将一个饱和度很高的色相按一定比例不断往里增加和它明度相等的灰色，直至变成完全的中
性灰，就可以获得一个完整的纯度色阶。利用这一色阶，可以获得纯度的强中弱各种各种对比效
果。
位于纯度色阶两端的饱和色或近似饱和的色与中性灰色或近似中性灰色相比较，产生纯度强
对比；在色阶上间隔大约3-5个等级的对比属纯度中间对比；间隔只有1-2个属纯度弱对比。
现实中的自然色彩和应用色彩大都为不同程度含灰的非饱和色，而每一色相在色相上的微妙
变化都会使一个色彩产生新的相貌和情调。

4、明度对比
每一种色彩都有自己的明度特征。饱和的黄和紫比较，除去它们的色相不同以外，还会感觉
有明暗的差异，这就是色彩的明度对比。
明度对比与其它两种要素的对比一样，大体上划分为三种对比关系。与孟赛尔色立体的明度色
阶表作为划分等级的参照标准。该表从黑至白共有11个等级，凡颜色明度差在3个级数之内的为
明度弱对比，在3-5个级数差之内的为明度中间对比，在5度以上的，为明度强对比。
色彩的认识度主要取决于形状与周围色彩的关系，特别是它们之间的明度对比关系。明度对
比强，色彩的认识度就高，图形也就越清楚。
色彩的认识度向我们提供了一个有基本意义的规律：在色彩构图中，突出形态主要靠明度对
比。因此要想使一个色彩的形态产生有力的影响，必须使它和周围的色彩有强的明度差。反过来
说，要想削弱一个形态的影响，就应该缩小它和背景的明度差。这些

F. 学美术的基础是什么

美术的基础就是素描，色彩，速写这三门。
1、素描：基础课主要是《结构素描》和《人体素描》的课程，想陶冶情操的，扔掉素描，直接练水彩学国画，传统绘画和摄影是比较典型和独立存在的视觉艺术，绘画这门技术实际上绝大部分是纯理性的，纯逻辑的。
绘画会处理空间大小、剪影外形、内部几何形等等；除了基本训练外，还要开始学人体结构，要学习透视，要专门学习设计理论，
2、色彩：色彩的视觉因素包括有：明度、饱和度、要学习色彩理论和光色理论。
3、速写：要经常练习。素描那些基础就需要慢慢研究了，刚开始临摹是少不了的。但是也要多用脑子想问题，这样进步才会快。
带着热情，从基础坚持练习，广泛阅读，求教名家都是必须的。 要多跟老师沟通，交流。这也会提高绘画水平的。

G. 美术的基础是什么

美术抄的基础就是：素描，色彩袭，速写这三门。

1. 素描：基础课主要是《结构素描》和《人体素描》的课程，想陶冶情操的，扔掉素描，直接练水彩学国画，传统绘画和摄影是比较典型和独立存在的视觉艺术，绘画这门技术实际上绝大部分是纯理性的，纯逻辑的。

   绘画会处理空间大小、剪影外形、内部几何形等等；除了基本训练外，还要开始学人体结构，要学习透视，要专门学习设计理论。

2. 色彩：色彩的视觉因素包括有：明度、饱和度、要学习色彩理论和光色理论。

3. 速写：要经常练习。素描那些基础就需要慢慢研究了，刚开始临摹是少不了的。但是也要多用脑子想问题，这样进步才会快。

   
   带着热情，从基础坚持练习，广泛阅读，求教名家都是必须的。 要多跟老师沟通，交流。这也会提高绘画水平的。

H. 绘画色彩基础

先做小色搞训练，因为刚开始就画大张的难度太大，往往顾不了整体效果，小色搞可以训练形体的准确，懂得表现色彩的素描关系。小色搞一般为32K就可以，慢慢到16K到8K，能力差不多的时候开始画4k。然后最重要的就是色感了，下面是我以前学习时候很有用，很重要的的资料。

色彩感觉大部分人是可以通过训练来提高的，首先要对颜色有亲切感，西方现代艺术之父塞尚这样称呼自己的颜色：“小白”、“小棕”、“小蓝”,只有和自己颜色的感情亲切了，才感觉到色彩不是那么难于控制。
提高色彩感觉的训练途径：
1、训练用几种简单的颜色来调配丰富色彩的能力。对于一个训练有素的考生来说，调配颜色无疑是基本的技能之一，通过五到十节课的训练，熟悉调色的基本规律，能用八九种颜色表现丰富的色彩关系。色彩大师们作画，用色一般很少，但色彩往往很丰富、到位。大家往往要经过这样一个训练过程：开始练习，颜色种类不易过多，练习调色能力。中间阶段可能要练习所有的常用色，避免对哪一种颜色过分偏爱，尽可能掌握每一种颜色的性能。最后，大家又要努力简化画面的颜色，做到用最少的颜色表达最多的色彩感觉。
2、训练不断寻求变化明度、纯度、冷暖的能力，明度、纯度、冷暖是色彩基本的要素，几乎所有的色彩语言都与他们有关，三者的自身变化和三者的交叉变化才使我们画面的绚丽色彩有了可能。
3、训练捕捉光色变化能力。“光之不存，色之焉附”，没有光就没有丰富的色彩效果。同时，自然光也是变化最多的光，一天中，早中晚色彩就有明显的特点。即使同一时间段，光色变化也是瞬息万变。利用外光写生能很好训练捕捉光色变化的能力。
4、训练用色彩的纯度变化、冷暖变化表现空间的能力。空间表现是色彩写生中的一大难题，除了运用素描关系表现空间以外，大家更要充分利用色彩关系表现空间。对比强（鲜灰对比、冷暖对比等）有往前的感觉。反之，有往后退的感觉。一般规律为：冷退暖进（色彩的冷暖）、灰退鲜进（颜色的鲜灰）、湿退干进（水份多为湿、水份少或无水分为干）、薄退厚进（颜色的薄厚）、疏退密进（概括、细节少的往后、变化多、细节丰富的往前）、弱退强进（对比弱、边缘弱往后退，反之往前）。
5、训练利用色彩来表现背光部的能力。背光部的的颜色不易判断，要善于把它放到整体中来比较。背光的颜色也应该用一定的色彩倾向。
6、训练形色结合的能力。美术高考不但考察大家驾驭色彩的能力，还考察大家形色结合的能力，水粉画一般采用直接画法，不同于罩染技法，要求以色塑形，这就要求有素描造型的能力，在这里形和色是紧密相连的，做到形色结合是大家应具备的基本能力。
应注意的几个问题：
1、 缺少冷暖的对比与变化就会缺少色彩的跳动感。
2、 色彩的丰富不是颜色种类的多寡，几种颜色也可以调配出丰富的色彩关系。
3、 笔触是为色彩服务的，不要本末倒置。
4、 充分利用色相对比、明度对比、纯度对比、冷暖对比、补色对比等对比因素。
5、 不要片面的追求色彩的丰富而破坏整体的单纯性。
6、 不要片面追求条件色而使固有色面目全非。
7、 充分利用白色和水这两种媒介，“粉气”不等于“粉味”。
8、 看一张画，要从色调去看。别人的灰色调并不全是灰色，不能局部使用灰色就可以达到效果。纯色调也并不全是纯色。大家要从色调出发全面的看别人的颜色。临摹一张灰色调的的色彩范画，不能一 上去就调和灰色。这中间有个过程，调子像药水里的胶片一样，是逐步显像的。

I. 儿童绘画基础素描色彩的教案

我觉得这个要针对不同的孩子做不同的教案，这个大环境下是要让孩子拥有自己回的个性和独特的答适合他的培养。
素描显然偏向于男孩，而色彩就偏向于女孩了。
素描也有很多的类别，从画的内容基本可分为风景和人物，从手法上可分为写实和印象。还有很多分类的方法。。。
总之你要对孩子和美术有了比较深的了解之后才能具体的做这个教案