美术作品讲解

1. 梵高的《星月夜》作品赏析。

作品鉴赏：梵·高通过这幅画作不是想用浩瀚的宇宙来反衬出人类的渺小，令人类生出畏惧之心，而是传达出一种不向命运低头的精神。天空中飞卷的星云，好像在旋转着跳舞，好像鲜花一样怒放，那柔韧的枝条虽然力量微薄，却无畏地抽向天空。而直上云端的巨大柏树，形如一团黑色的火舌，不屈地奋力伸展着枝叶。传达出作者内心的苦闷和忧郁。也表现出人类的挣扎与奋斗。

这幅画的色彩主要是蓝和紫罗兰，同时也有星星发光的黄色，深蓝色的 基调，给人以沉重的感觉，加强了夜色的黑暗，前景中的柏树用了深绿和棕色，意味着黑夜的笼罩。明亮的白色和黄色来画星星及周围的光晕，又给人一种温暖光明的感觉。

梵·高运用浓厚并且短促的笔触，交织成弯曲的旋转线条，海浪般的图形使画面呈现出炫目的奇幻景象，画中旋涡状的天空与平静的村落形成对比。在大面积冷色调的流动星云中，一轮橙色的月亮散发出亮光，仿佛明灯般点亮了沉寂的夜宅，奇幻的色彩给人留下深刻印象。 整个画面着色搭配协调。浓淡相宜，深浅适中，很好地配合了画中的氛围。

拓展资料：

作品简介：《星月夜》(The Starry Night)是荷兰后印象派画家文森特·威廉·梵高于1889年在法国圣雷米的一家精神病院里创作的一幅油画，是梵高的代表作之一，现藏纽约现代艺术博物馆。

作者简介：文森特·梵·高(1853-1890年)，出生于荷兰赞德特镇一个新教牧师之家，24岁之前，曾在海牙、伦敦、巴黎等地的古匹尔画店当店员。后来成为传教士，在比利时西南部的博里纳日矿区传教，由于同情和支持穷苦矿工的要求而被解职，在度过了一段极度失望和贫困的生活后，他决定在艺术的探求中完成自我的解脱。

2. 蒙娜丽莎的作品赏析

《蒙娜丽莎》的姿势，已经升华为一种神圣的符号，它不仅仅是艺术规律问题，不仅仅是内对文容艺复兴人文思想粗糙大潮的冲击，而是心灵回归者、觉醒者心中的一个崇高细致理想的显现。

《蒙娜丽莎》具有另一种难以说明的象征意义，如佛的坐势、站势、讲道姿势，菩萨的动势，基督的几种象征性姿势：如两手摊开，一手持十字，一手指天，这有某种非世俗的意味，不是做作，而是不得不是如此，是最不自然最自然，最不简单最简单，最轻松最沉甸甸的样式。

(2)美术作品讲解扩展阅读

达·芬奇在《蒙娜丽莎》绘画中，成功地运用了“渐隐法”绘画技法。“蒙娜丽莎”人物形象，与背景界限不太明晰，人物轮廓不那么明确，仿佛融人背景之中。

尤其是在该人物形象的眼角和嘴角处，作者是着意使用了“渐隐法”绘画技法，让眼角和嘴角渐渐融人柔和的阴影之中，从而造成了含蓄的艺术效果，极大地丰富了形象的意蕴。

《蒙娜丽莎》幅肖像中，那双眼睛周围、那生动的红色小圈和毛发，不经过最精细的刻画，是无法表达出来的。眼脸也自然得体，睫毛浓密，每一根都经过细致的描绘，曲折自如，宛如出自皮下，极为逼真。

3. 如何在美术欣赏课中合理应用多媒体

多媒体教学技术的广泛应用使美术课堂焕发了新的生机，许多抽象复杂的知识可以直观地呈现在学生的面前，一目了然。运用多媒体教学在很大程度上减轻了教师的授课负担。然而有相当一部分教师过分地依赖多媒体教学，视频加音频，一个课件从头放到尾，课件取代了教师的讲解，把多媒体从教学辅助地位变成了主导地位，让学生从头至尾一味地去欣赏，这样便导致师生交流沟通不够，情感淡漠。部分教师只要一谈改革创新就不加甄别地抛弃传统，一味地把课件弄得特别花哨，不讲求课堂内功的提升，只做表面文章，把教学改革弄成了课件的表演赛。那么，在多媒体辅助的课堂上教师怎样讲解才合理呢？下面我就结合美术课欣赏课谈谈自己的一点浅见。
一、合理的讲解应该依据学生的反馈信息决定
美术课不仅仅是教学生掌握绘画技能，还要让学生了解美术作品中形式美以及作品的含义，使学生的美术鉴赏能力得以形成，进而促使他们审美能力和审美品味的提高。因此美术教学离不开“讲解”，但也不仅仅是“讲解”，“讲解”是最常见的教学方法，但不是唯一的和最好的方法。教师采用“讲解”的多少，哪些地方该“讲解”，“讲解”到什么程度，“讲解”多少时间，我们在课前要进行必要的调查分析，还要依据授课的内容以及学生的反馈信息决定，决不能搞一刀切。
二、合理的讲解应该引导学生与作者进行“心灵的沟通”
要欣赏经典的艺术作品就好比品茶，在回味中领悟作品的意象、意境、艺术语言等。学生由于知识和社会阅历的局限有时无法品味出这些，所以教师的启迪，讲解在此时会绽放出美丽的火花。欣赏教学不是一个“给多少”的问题，而是一个“什么时候给”、“如何给”、如何使学生增强与作品“对话”能力的问题。教师在对特定作品分析介绍的基础上，要求学生能够叙述作品的内容，有意识地引导学生挖掘不同时期美术作品其背后所蕴含的特定时代特征等。让学生从小接触经典，与大师“心灵交汇”，可以开阔他们的眼界，增强其对美的知觉和选择的敏感性，使学生形成一定的历史感，养成多角度思考，观察，分析把握事物的有益思路和习惯。
三、合理的讲解是帮助学生不断地积累生活经验，明辨真伪、是非、美丑的有效途径
每个人的社会阅历不同，对生活的洞察、感悟也不同，相同的事物不同社会阅历的人会产生不同的，甚至是相反的认识和理解，这时教师的讲解引导就显得格外重要，这种讲解实际上是教师充当了作者的角色，和学生进行心灵的沟通。美术源于生活，美术的灵感来自于对生活的感受。古今中外的美术家，他们的共同点就是“师法自然，注重生活”。缺乏对现实生活的认识，美术家无法创作出生动感人的美术作品。同样，学生如果缺乏生活经验，将很难理解作品的内涵。从学习美术的角度看，指导学生对现实生活进行观察是为了让其对生活有认识，以便于更好地学习美术。从育人的角度看，指导学生认识生活是为了让他们学会明辨真伪、是非、美丑，以利于行，学会做事做人。因此，教师要把教材“活化”为生活，讲解的内容结合实际，以教材为框架，以学生面临的实际社会生活为内容，以教室为舞台，让学生始终处于体验的状态，不断地积累生活经验，善于观察、勤于思考、乐于动手。只有这样，美术教学才能和学生的生活实际紧密联系在一起。
四、合理的讲解应该促使学生从作品的意象、意境去了解作品的表现形式
学生在欣赏或者技能训练时，“没有感觉”、“看不明白”、“感受不到”，这都是常见的现象。这时教师除了“讲解”作品的内容外，还要让学生从作品的意象、意境去了解。在欣赏佳作时，一个是以直观的方式进行欣赏，一个是以理性的方式进行鉴别。教师应该尊重学生对美术作品的独特感受，并要求他们以口头和书面的方式“讲评”别人。教师引导用如“笔墨”、“肌理”、“感觉”、“形式”、“风格”等艺术语言，针对画面的内容进行描述，创设情境让他们表达，以培养学生的美术审美能力。在表达方面，除了要求学生口头表述外，还可以让学生写一段恰当的文字进行表述，教师在总结时语言要精美生动、准确。
现代化的教学手段与传统相比，有着其独特的优势，我们应该大力提倡，但是新的理念的实施是从继承中创新的。当确定一种新的观念或方法时，也要给传统的观念和方法留出足够的空间。因此，我们在倡导新的教育观念、教学方式的同时，不应排斥传统的存在，更不能以某一种观念或者方法来束缚教师的头脑和手脚，禁锢他们的思想。教学有法，但无定法，没有最好，只有更好。只有传统和现代完美的结合才是教学改革的可行之路。只要能使学生善学、乐学，轻松地掌握了授课内容这就是比较完美的方法。多媒体美术教学课同样如此。

4. 小学生绘画作品（最好是风景画）

5. 对梵高的作品《向日葵》的赏析

在世界当中有非常多知名的艺术家，他们给我们带来了一副又一副精妙绝伦的作品，梵高就是其中的一位，知名代表作品《向日葵》更是火遍世界，在艺术界可以说是无人不知无人不晓，就连我们在上学的时候应该也听说过这幅作品，大家对于这一幅作品的评价程度非常之高，那么这部作品到底好在哪里呢？接下来就随小编来了解一下吧。

而更重要的是，这幅作品背后所表达的意义更是让人潸然泪下，梵高想通过向日葵这样一幅作品，呼吁人们怀着感激之心对待家人，怀着善良之心对待他人，怀着坦诚之心对待朋友，怀着赤诚之心对待工作等等，呼吁人们要像那灿若盛开的向日葵一样，发挥着自己独特的光芒。梵高的一生虽然并没有那么的幸运，但是对于生活他从来没有放弃过希望，希望大家也是如此，不知道大家都是怎样看待这样一幅作品的呢？

6. 陈诗宇:如何欣赏现代美术

许多人都对现代美术作品感到困惑和愤怒：“为什么现代美术作品中有那么多不明所以的随机图形?这难道不是画家随便乱涂的吗?这有什么艺术价值?小孩子也能画成这样啊?难道就是因为艺术家有名气，涂两笔就是艺术作品了?这有什么技术含量啊?”
很明显，提出这样问题的逻辑是：这么两三笔，我也能画出来，那么画家和普通人有什么差距?
而愤怒在于：连我都画得出来的作品，居然卖价这么高?但是如果是我来画，就是废纸一张，这太不公平了!而且这么简单的画面，那些画家一天就能画好多张，这有什么意义啊?这不是明摆着抢钱吗?凭什么让这种破烂东西赚钱!这是公然的骗子!这个社会怎么了?!
这次，我采取一种顺应你心情的方式来为你解答。
既然你认为这样的作品一般人都能画出来，我建议你完全可以试试，是否能够完整临摹一幅抽象派美术作品?临摹得一分一毫不都差?比如下面这幅蒙德里安的作品。你知道这幅画价值连城，所以你完全可以仿作一下，来证明自己有没有制作价值连城的能力。你必须使用和蒙德里安一样的作画工具，也就是仅仅是颜料、画笔和画纸/布。

蒙德里安的作品
对于一个没有受过美术训练的人而言，这显然非常困难。即便允许你使用标尺画直线，你也会因拿不准线条起点的位置而犹豫，更因为控制不住画笔而使颜色总是漫过边界而伤脑筋。更麻烦的是这种红色和紫色，可能不在你的颜料管里，你得想办法去调出这种颜色来。然后你还要花大量时间纠结水和颜料的比例以免让色彩显得太单薄。
你开始发现，完成这样一幅作品肯定不是你原来“想象的那样简单”。
如果线条不是这样规整，你就更抓狂了。你陷入这些你眼中“混乱线条”的定位里，并对准确调出丰富的色彩束手无措。估计你花上一周时间也完成不了下面这张康定斯基的作品，并做到完全一致。
好在蒙德里安和康定斯基也不是你想象中的“一天就能画好多张”。他们大概用了和你差不多的时间，甚至比你所花更长的时间，去完成这样一幅作品。

康定斯基的作品
于是你说：嗯，这么说来，这些画作在技术上还是有些劲道的。好吧，我承认画家比我会画直线和曲线。但是这种构图算什么呢?就这么几根线条，几块颜色，既不像猪又不像鸭，这画的到底是什么呢?要是不拘泥于临摹，我也能随便涂几笔，取名无题，挂在墙上展出了。
如果你真的这样想，那么恭喜你，你刚开始学习如何去欣赏艺术作品。
在这里，我要强调的也就是这句话：欣赏艺术作品时，永远都要思考艺术家为什么要这样表达。
我还要澄清你的一个误解。你以为这些艺术家跟你一样不会画画吗?并不是这样的，你可能认为一幅人体素描“很显功力”，你也看到了有许多人在街边贩卖人像速写，二十块一幅。你要知道，你在美术馆里看到的任何作品的创作者们的素描功底都不逊于街边速写。当然，如果找他们给你画人像速写，肯定不止二十块一幅了。不仅如此，大多数中国美术生在写实画作方面也相当扎实。对于一个经过四年美术专业训练的人而言，画出一张让你惊叹“好像照片啊”的画来简直是小菜一碟。
你要相信艺术家们永远比你要会画画。你所能想到的绘画，大多已经被他们实践过了。
于是你得思考，既然这些艺术家们能够去描绘人物、风景、建筑等等你所熟悉的对象，为什么他们不这么做?他们为什么要采用这样不同寻常的方式?
艺术不是模仿。这句话在艺术界几乎是常识，但是你不一定能很快意识到。你喜欢按一般人的认识以及你原来的口味去品评画作。有时候你会有点个人的审美感，比如你对蓝色很敏感，那么那些以蓝色表达为主的作品就会让你有所思。那么我们为什么不把这种思路扩宽，以便我们欣赏更多的画作呢?我再来告诉你四个常识。
第一，颜色在绘画里是平等的。
为什么要偏爱鲜艳的色彩而忽视深色呢?为什么认为朦胧的淡色无法塑造鲜明的形象呢?为什么认为白色的空间是毫无意义的呢?有的画家喜欢在深色区徘徊，在你眼里是不是就是一团泥巴呢?而且，这样的画家很有可能喜爱用褐色画云朵，用深到发紫的红色画街道，用介于泥巴和煤炭之间的颜色来画人的面部。你能否看出这些颜色的区别呢?你是否会因为整幅的深色而忽略上面的几抹亮色呢?或者会因为整个画面的清丽而抱怨那几笔难看的深色?
请不要歧视任何一种颜色，更别说是颜色区了。当然许多艺术家会有对颜色的偏爱，但那不是你的权力。既然是你在试图学习和观赏艺术家的作品，就请仔细地看深色区和浅色区的区别，请看艺术家偏爱什么颜色，请看主体色彩之外的环境色，请仔细地观察。(别只顾着看到那些常色，广告商才会喜欢用鲜艳色彩吸引小孩子呢!)
一个合格而深刻的艺术家，会为他画面上的一切色彩负责。并且，抽象派艺术会对此更为负责，因为他们不必顺从现实的色彩，只顾着在构建自己的话语世界。如果你真的想问他们：“为什么这里有一团莫名其妙的黄色?”相信我，如果是一位友善而富于激情的艺术家，他说不定会就此唾沫横飞地回答半个小时。
第二，线条在绘画里也是平等的。
你以为这一条与上一条类似吗?不，并不是。这一条比上一条要困难多了。因为许多人都能说出色彩的不同，却无法理解和解释线条的不同。我想说，既然你知道文档中的加粗是表示强调的意思，你就应该了解绘画中的线条处理也有各种不同的意义。
再次强调，艺术不是模仿，我们不生产一模一样的字体。花样字体本身也是借鉴了一些艺术思维。我们要让整个画面表现艺术家眼里的美感，或者是情绪、思想、事件等等，我们当然要采取不同的线条。这里有几个问题，你可以在欣赏线条造型明显的作品时好好思索一下：
为什么画面的这个位置有这根线条?
为什么这根线条这么粗/细?
为什么这里是弯/直的?
为什么这跟线条这么平滑/粗糙?
为什么这根线条是这个颜色的?
为什么这一块是用线，而那一块是用面?
欣赏画作有时候就是几个简单的角度而已，并非许多人想的那样神秘莫测。有些人看到别人评论画作时，一会“XX主义”，一会“XX风格”，一会“意境”，一会“符号”，就觉得内涵深刻高不可攀，常人不能理解。我建议，在你开始学习欣赏美术作品时，不妨先从上面这些简单的问题和回答中累积经验，过了一段时间，你就能够摸到那些“XX主义”的门道了。切忌一开始就从“XX主义”或“XX风格”入手，这样你会错过太多具体作品的精彩之处了。
一个合格而深刻的艺术家，会为他画面上的一切线条负责。线条之所以为线条，都是有来源的。我们来举个例子，中国人非常熟悉的梵高，他的绘画非常注意线条的使用，他并不是一个热爱立体面的画家。下面是他的一副自画像。你可以观察到整幅画几乎都是由短促有力的线和点组成，围绕着人物形成一个圈。梵高一生创作过许多自画像，业内认为这些短促的线条是他精神状态的一种表现，越是临近他自杀时的作品，这种线条特征就越明显。如果你有幸看过梵高的原作，那么你就会欣赏到这些短促用力留下的油画颜料的形状，像是化石一样保存了梵高当时的情绪。(是的，你可以想象一下你用笔使劲往画布上戳的心情)

梵高的自画像之一
线条十分重要，线与线交错形成二维面，它是绘画之所以成为二维艺术的基石。同样线条也是所有三维艺术的基石，只不过在整体的框架下，面更能影响到三维艺术的大局。如果你看不懂线，你就几乎与“造型”一词无缘，于是你便完全搞不懂“这画的到底是什么”。
扯一点专业思维，“画的到底是什么”就是造型，造型造的是什么，纯粹就是看线条的组合。因此倘若你对具体的线有所观察，你就应该不至于对这个问题毫无想法。一根线，可能是一根铅笔、一根树枝、一条路、一根电线、地平线、墙的转折线、某行文字的下划线……线不会来的那样离谱，如果你的思维更开阔一点，你也能体会到艺术家用线表达的愤怒、沮丧、困惑、恐惧……下面这张最近引起公众注意的卢西奥·丰塔纳的《ConcettoSpaziale, Attese》。画面非常简洁，就是在红色的画布上有几道刀割破的痕迹。你可以明显注意到，整幅画只有两个元素：红色的背景，笔直的黑色的割破线条。这两个元素代表什么呢?红色，可能是激情，也可能是愤怒;割破，可能是一种突破，也可能是一种暴力。割破的角度并不整齐，但也不凌乱，可能具备理性的控制。不管如何解读，你都能抓到“红色”和“割破”这两个明显的关键词。你没办法绕开这两个元素，这是作品对我们想象的限制，也是给我们提供的空间。

卢西奥·丰塔纳的极简主义作品
网上现有业内对这幅作品的解读是：
作品的副标题是意大利文attesa和attese，分别是意大利语中的等待和期望的动词和名词形式，据说意义是观者原本“期望”看到一个正常画面的想象空间，但丰塔纳一刀毁掉了这个“期望”。艺术家封塔纳(1899-1968)最为人知的艺术贡献在于其一系列“割破的”画布。他因此成为极少主义的始祖。1949-1950年间，封塔纳开始刺穿其画布，他说，“打破了画布的空间，好像在说：自此我们可以自由地做我们喜欢的了。”封塔纳同时也将其视为一种唤出的无限，声称“我创造了无限的一维。”
第三，艺术家们在创作时几乎不考虑观赏者的意见。
刚好近来在知乎上看到一个提问：”为什么现代诗多半是些表达得不知所谓的语句组合，却还是那么多人去写?“这个问题当然是大胆坦诚地表现了提问者的无知无畏，在许多诗歌爱好者看来应该是很欠揍的。这个问题下面有许多精彩的回答，都可以借鉴到本文开头那个问题上。链接在这 http://www.hu.com/question/20785495/
不过我觉得最需要强调的是这句话：“对于诗人来说，读者是(最)不重要的。”
同样，对于现代艺术家们，观赏者也是最不重要的。你丝毫不用顾虑你的想法会影响到他们的创作。艺术家是一群埋头描绘自己内心的人，他们创造个人艺术语言，表达自己的情绪思想。当你开始指责他们胡涂乱抹时，很遗憾你又错过了一次学习新的艺术语言的机会。
说真的，每次我看到那些对现代艺术表示抗拒的人，我都觉得他们个人的表达也真的很程式化。换句话说，没有丝毫新意，还在不断抵制新意，表面上是在维护传统的话语权，实际上是在展现他们的脑子有多么匮乏。特别是一些作品，在许多人看来早已能够接受，在另一些人看来仍然如洪水猛兽。比如上面所引用的蒙德里安的色彩构成，已经成为服饰家居建筑时尚的流行元素之一，不少人都对其中的平衡美感有所感知，但仍然有些人认为这样的作品“毫无技术含量”，我便不能不怀疑这些人的审美智商低于平均水平了。
第四，对艺术作品的解读没有标准答案。
这句话放在这里，是要警示那些总是对标准答案有强迫症的人。他们有两种表现，一是特别怯于表达观点，总觉得自己对作品的看法不够“正确”，非常担心自己的看法不符合那幅画下面的小标牌上的文字;另一种则是特别能指点江山，总觉得一类作品是艺术标杆，无上崇高，而其余的都很荒谬，荒谬到应该从这个世界上被抹消。
唉，完全不知道这些人在固执什么。说了嘛，艺术家是完全不会考虑你的想法的，你的想法是完全不会影响艺术家以及艺术产业的。没人给你的艺术水平打分，你干嘛那么在意其他说法啊?你看到什么，就是什么。但是也别想着要维护什么，根据什么，坚持什么。如果你有条可理，可以顺着一种思路理解。解读与解读之间没有正误之分，只有高低之别，但是前提是你得真正地表达出你的解读。
对于平常人而言，美术馆是一个学习和提高自己审美水平的地方，是一个做思维训练的地方。美术馆是一个社会教育的场馆，一个没有美术基础的人进来，应该是跟进入图书馆一样的心态，绝不应该在没有仔细阅读完一本书之前对此擅作评价，不是么?
你最大的固执，应该发挥在对一件具体艺术作品的解读上。你应该像钻研一道数学题一样去解读一件你中意的艺术作品。你应该坚持采纳多方意见，摆脱你对一件作品的困惑，而不是坚持认为“我看不懂这件作品”是一件很高尚的事情。这种自以为是的行为的愚蠢程度就跟讳疾忌医一样。
目前看来，大多数人看不懂作品的缘故，只有两种：一是艺术品有高度，解读者思维不够高度;二是艺术品没什么高度，解读者有标准答案强迫症。介于目前国内当代艺术都没什么高度，所以第二种情占了大多数情形。
现代艺术本来就有“艺术生活化”和“生活艺术化”的口号，艺术家们最喜欢的就是把生活和艺术放在一起。欣赏者们也完全可以跟随这样的号召，去亲近那些被艺术家们从神坛上拉下来的艺术。艺术作品是个人的，从个人到个人，由个人创造，也由个人解读。所以只要解除你的标准答案强迫症，相信你很快就能开始欣赏现代艺术作品。

7. 幼儿园小朋友的绘画作品从哪些角度评价

幼儿园的活动，既然要发挥其教育功效，就不能缺少了评价这个环节。幼儿绘画活动的评价活动是幼儿园绘画活动的最后一个环节，与幼儿园其它任何一种教育教学活动的评价相比较，其应用的程度最高，受到的重视程度却较低。而在绘画活动中，老师对作品的评价态度往往直接影响着孩子对活动的兴趣，影响孩子的自尊心与自信心，因此作为老师，我们要重视对幼儿作品的评价，培养幼儿的绘画兴趣，提高幼儿绘画的表现力及审美能力。 关键词：评价观 评价体系 发展性评价 多元评价 教育评价：《纲要》将幼儿园教育评价的功能界定为：“是了解教育的适宜性、有效性，调整和改进工作，促进没一个幼儿发展，提高教育质量的必要手段。” 发展性评价： 发展性评价是以人为本,以孩子的最终发展为目标的评价方式.这种评价方式是当今世界课程与教学改革评价的最新发展的先进成果,也是今后课程与教学评价的主要发展方向,具有前瞻性与实用性,对于幼儿园的课程改革与评价改革颇有成效且意义深远。 涂鸦是孩子的天性，当还不太懂事的孩子抓着蜡笔在纸上随意地涂鸦的时候，我们看到的是孩子满脸灿烂的笑容，我们看到的是孩子为五彩缤纷的色彩而感动的神情，这一刻，我们相信孩子爱上了涂鸦。而在幼儿园里，我们看到的是有的孩子，渐渐不爱动手画画了，而有的画的总是那么些，也许原因有很多，但作为我们幼儿园老师应该反省一下，是什么抹杀了孩子的天性？ 我们发现在绘画活动中，老师对作品的评价态度往往直接影响着孩子对活动的兴趣，影响孩子的自尊心与自信心，因此作为老师，我们要重视对幼儿作品的评价，培养幼儿的绘画兴趣，提高幼儿绘画的表现力及审美能力。 一、确立正确的评价观，培养和提高幼儿绘画兴趣 教师要明确评价的目的不是为了淘汰，所以在绘画活动中我们不能以哪个幼儿画的好，或哪个幼儿画的不好为标准来评价幼儿的作品，评价的根本目的是促进幼儿的发展，所以发展性评价这种以人为本,以孩子的最终发展为目标的评价方式有助于促进幼儿富有个性的发展。他能依据幼儿的不同背景和个性特点，准确地判断每个幼儿的不同特点及其发展潜力，为每一个幼儿提出适合其发展的具体的有针对性的建议。 如果没有正确的评价观，就有可能对幼儿产生消极影响。孩子有时候是特别敏感的，一次在绘画评价活动中，我无意中说了文泾的画画的不太好看，颜色图的有些乱，当时孩子也没有特别的表现。可是在接下来的一次绘画活动中，当小朋友们都专注于自己的绘画时，我却看到文泾拿着笔愣在哪里，我问他怎么了，他说老师我不会画，这时候我明白，孩子不是不会画，他是不敢画，他害怕自己的画达不到老师的要求，怕老师说他的画画的不好看。于是我意识到评价的重要性。又有一次，在《宇宙人游山洞》的美术活动中，佳俊很认真地在山洞里画了很多宇宙人，在评价活动中佳俊向同伴们介绍宇宙人在排着队过山洞，他们要走出山洞回家去，虽然那些宇宙人画的有些歪扭扭的，但是今天我看到了孩子的进步，本来孩子绘画的时候特别缺乏耐心，总是草草了事，可今天孩子很认真很耐心地完成了作品。于是我在集体面前表扬了他，并把他的作品展示出来了，我发现下课的时候佳俊会去展示区看看自己的作品，还会向同伴介绍，慢慢地孩子喜欢上了绘画，每次绘画活动都很认真，每当我们帮他指出一些不足之处时，孩子也会耐心的听了，孩子的绘画的兴致越来越高了，他的作品也越来越多地赢得小朋友的喜欢了。 这些让我清楚的明白了评价对孩子的影响，更清楚了确立正确的评价观的重要性。作为老师不能以片面的眼光来评价孩子的绘画作品，用画的好或不好来评价，是对孩子的不负责任，也许只会造成部分幼儿只能听表扬，不能听批评，认识不到自己的缺点和不足，盲目乐观。因此教师要用发展和全面的眼光看待孩子，逐步培养其正确认识自己，提高反省能力，不因存在某些不足而怀疑自我价值。这样，即使教师指出幼儿的不足甚至提出批评，幼儿所感受到的也仍然是教师对自己的关注和期望，并会由此产生进步的动力。 二、建立多元的评价体系，促进幼儿多元发展 1、尊重幼儿的个别差异性，让每个幼儿获得富有个性特色的发展。 在幼儿园里，老师和孩子是形影不离的，所以相对中小学来说，幼儿园老师和孩子的距离更近些，老师对孩子的各方面了解也更深些。在评价中，不仅要突出“为了孩子的一切”，还要突出“为了一切的孩子”，努力做到不让一个孩子掉队，提高不同个性孩子的学习兴趣、学习能力与学习水平，从而达到促进全体孩子共同进步的目的。 例如：在《森林里的动物园》这一绘画活动中，我们对于那些爱绘画，绘画线条有力、连贯，图形、形象清晰完整的孩子来说，在评价中我们应本着“高起点、严要求”的原则，为他们的进一步成长留有足够的发展空间。在观察他们画面是否完整，小动物们形象是否清晰的基础上，我们还要考虑画面是否具有孩子自己的想象，是否符合孩子的年龄特点富有童趣，我们鼓励他们发挥想象里，让画面里的动物活起来，给动物们提供一个活起来的背景或舞台。对对那些喜欢绘画，但绘画线条不流畅、形象不完整的幼儿来说，应本着“低起点、小步子、多活动、快反馈”的评价宗旨，我们更关注的是动物形象是否清晰，孩子有没有抓住动物的特征，我们鼓励他们在活动结束后进入美工区多加练习。对于那些不爱绘画，绘画习惯不好的幼儿来说，应从逐步培养喜爱绘画的情感入手，加强有针对性的个别辅导，教师还应当是一个细心的观察家，要敏锐地捕捉他们的点滴进步与闪光点，并及时予以奖励和表扬，使他们不断看到自己的进步，提高学习的自信心。 2、评价活动由静态评价变为动态评价，注重活动的过程性。 在以往的绘画评价活动中，我们往往偏重于作品结果的优劣，静态的对孩子的绘画作品实体作出评价。新纲要理念指出我们的评价要关注孩子的学习过程，应动态的对幼儿的整个绘画过程作出评价。所以在美术活动中，我们要关注孩子在活动中的兴趣性、主动性、持久性、绘画习惯等。如观察孩子是否主动参与美术活动，对美术活动倾注极大的热情，完全沉浸其中，还是对美术活动迟疑不前，活动中企图停止或张望别人做什么等；观察幼儿对美术作品的注意集中与持久程度；观察其作品是自己决定完成的，还是模仿他人完成的。 如：我们班的小妹妹（邹琦玥），一开始每次绘画活动时都不肯动笔，软硬兼施都无济于事，后来，我观察到绘画活动时她虽然自己不画，但是她会对边上的小朋友指手画脚“你画的不对”、“不是这样画的”、“哎，你画的太难看了”，通过这些行为，我猜测可能小妹妹其实她并非真的不想画画，也许是她对自己缺乏信心，她怕自己画的不好，所以不敢画，于是绘画活动时，我就轻轻的对她说“琦玥是不是怕自己画的不好？”她点点头，于是我就继续鼓励“没关系的，老师小时候一开始也画得不好，多花几次就能画得漂亮了，但是如果不练习的话就一直画不好的哦！”在不断的鼓励下，琦玥终于第一次自己动笔画画了，在活动评价时我把琦玥的进步告诉了大家，并在集体面前给予了肯定，琦玥腼腆的笑了，接着在以后的绘画活动中，她开始能独立完成作品了。可见绘画活动中的评价要注重活动的过程性，变静态为动态。 3、增强幼儿与评价活动的互动性 在绘画活动中，我们往往在无意中就会以教师自己的意愿为主，自己决定作品的好坏优劣。教师要扮演的是：“裁判者”的角色，虽然也有个别幼儿参与评价，教师总结，但由于教师平时缺乏对幼儿该方面的引导和培养，幼儿缺少该方面的能力，这一切形同虚设。所以

8. 中国美术史及作品鉴赏的主要内容讲解

作品鉴赏做好一个一个作品在网上收 中国美术史最好买本书看 有很多不同的版本 最好找按年代讲述的美术史

9. 透视对我们绘画有什么作用

透视有三种:NO.1 色彩透视 NO.2 消逝透视 NO.3 线透视. 这是达芬奇总结的其中最常用到的是线透视.透视学在绘画中占很大的比重,它的基本原理是,在画者和被画物体之间假想一面玻璃,固定住眼睛的位置(用一只眼睛看),连接物体的关键点与眼睛形成视线,再相交与假想的玻璃.在玻璃上呈现的各个点的位置就是你要画的三维物体在二维平面上的点的位置.这是西方古典绘画透视学的应用方法.如<最后的晚餐>
中国画在的透视学应用:
(1)多视点
中国画善于表现丰富的情节,西方绘画注重单视点(类似于摄影).中国画讲求的丰富情节用单视点是不能完成的.因此,中国画用(类似于把摄象的多镜头分割再重新组合)多视点来表现.如<清明上河图>
(2)高视高
采用微俯的视角表现,"远山即高"高山往往是画在远处的,其间再用云雾缭绕加以衔接.表现一种人比山高的心情.中国画是不采用近距离仰视来表现高山的.
(2)远视距
中国画讲求"仗山尺树,寸马豆人"要求画中物体符合事物的正常比例,因此,画者必须采用远视距来表现.
毕加索的作品打破了透视学的基本规律,把一个物体的正面反面,能看见的不能看见的全都表现在一个二维的空间中.理解毕加索的画首先要抛弃透视学.
现在的画家已经开始无视一切规则,尝试打破所有的规则.但这些做法又在一个基本的哲学规则之中----打破一个旧的规则,创造新的规则.

希望对你的绘画有帮助.

10. 美术意蕴的解读方法

深藏在艺术作品中内在的含义或意味,具有多义性,模糊性和朦胧性,体现为一种哲理,诗情或神韵,经常是只可意会,不可言传,需要欣赏者反复领会,细心感悟,用全部心灵去探究和领悟,是文艺作品具有不朽艺术魅力的根本原因.
第一,从一定意义讲,艺术意蕴就是艺术作品蕴藏的文化涵义和人文精神.中外古今优秀的艺术作品,正是因为具有深刻的艺术意蕴和独特的艺术创造,体现出较高的文化品格和艺术价值,具有经久不衰的艺术魅力.显然,艺术意蕴作为民族文化审美心理的积淀,凝聚着具有民族特色与时代特色的文化内涵.
第二,艺术意蕴是指艺术作品应当在有限中体现出无限,在偶然中蕴藏着必然,在个别中包含着普遍.优秀的艺术作品总是通过生动感人的艺术形象,传达出深刻的人生哲理或思想内涵.
第三,艺术作品中的这种深层意蕴,有时由于具有多义性和模糊性,不但欣赏者意见纷纷,其说不一,有时甚至连艺术家自己也说不明白.
第四,艺术意蕴,不完全是由艺术形象体现出来的主题思想.比起艺术作品的主题思想来,艺术意蕴是一种更加形而上的东西,它是一种哲理或诗情,"此中有真意,欲辩已忘言",只有通过整个作品的领悟和体味才能把握内在的意蕴.许多情况下,对作品的艺术意蕴的阐释,只能接近它,而无法穷尽它.
第五,在艺术作品的构成中,都须具有艺术语言和艺术形象两个层次.作为第三个层次的艺术意蕴,并不是每一个艺术作品都必须具有,某些偏重于娱乐性,功利性或纪实性的作品,常常就不存在这一层次.但从总体上讲,正是这三个层次的完美结合,形成了流传后世的优秀艺术作品.艺术作品的三个层次具有相对独立的意义,每一个层次都有自身的审美价值,人们在欣赏艺术作品时都会感受到.有的艺术作品或许其中某一个层次比较突出,或者有独创的艺术语言,或者有感人的艺术形象,或者有发人深思的艺术意蕴.但是,真正优秀的艺术作品,总是在这三个方面都卓有成就,并且将这三个层次有机融合为一个整体.