美术馆风格

1. 中国美术馆的外部设计风格

中国美术馆主体大楼为仿古阁楼式，模版是敦煌莫高窟主楼建筑，黄色琉璃瓦大屋顶，四周廊榭围绕，具有鲜明的民族建筑风格。

2. 上海美术馆的建筑风格

是30年代英式风格的楼宇。改扩建工程完整地保留了其原有的新古典主义建筑特色外观，后根据美术馆的功能进行了内部改造，在设计上继承了欧式建筑的传统语言，并强调了明快的现代气息。

3. 介绍一下不同的美术画派风格

印象派:
印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派，其代表人物有莫奈、马奈、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、莫里索、巴齐约以及塞尚等人。印象派画家的绘画生长在写实主义的土壤之中，但他们的主要兴趣在于准确而客观地描绘个人面对世界时的视觉感受。印象派画家对瞬间视觉感受，对色彩、氛围、笔触的关注，超过对社会历史、宗教、伦理的关注，正是在这一方面，他们与此前的欧洲画家走上了不同的艺术道路。他们的作品刚出现时受到已经习惯于古典绘画形式的观众非难，1874年在首届印象派画展上，莫奈的《日出·印象》一画遭到批评，从此以后，“印象派”和“印象主义”就作为一个专有名词来称呼像莫奈这样一批艺术家们的作品。

从欧洲绘画史的发展进程看，正是在印象派画家笔下，闪烁的阳光和微妙的阴影被引入画面，绘画由此变得清新明丽而有生机。艺术家追求真实的努力在印象派时代达到顶峰，然后开始回落。从马奈到塞尚，欧洲绘画传统在自我否定的同时又在自我完善，这样的进程构成了整个西方现代绘画的发展框架。印象派画家虽然在开始其艺术活动时受到误解甚至嘲讽，他们共同活动的时间也没有持续很久，但他们对西方艺术产生了极其深刻的影响，并波及音乐和文学。到20世纪初期，印象派已经成为广受欢迎的艺术流派。直到今天，印象派绘画在世界各地受观众欢迎的程度，仍然超过绘画史上其他流派的作品。利用像马奈、莫奈、雷诺阿、德加或塞尚这些艺术家的作品，这次画展将介绍法国印象派的演变：它的开始、发展和它对后来绘画艺术的影响。参观者不仅可以观察到这些杰出画家处理的题材的多样性(涉及风景、静物和肖像)，也可以观察到他们绘画经验的发展。一些代表作品的展出，使这次画展显得很难得。这次来中国展出的印象派作品共51件，法国印象派的主要画家可以说囊括无遗———莫奈11件，西斯莱5件，德加4件，雷诺阿4件，马奈3件，毕沙罗7件，凡汀———拉图尔、莫里索、巴齐耶等人也都有作品与中国观众见面。其中像马奈的《吹短笛的男孩》、《酒馆女招待》，德加的《舞蹈课》、《咖啡馆，又名苦艾酒》、《年轻女人像》，莫奈的《鲁昂大教堂》、《睡莲》，雷诺阿的《半身像，阳光的效果》，毕沙罗的《蓬图瓦兹：艾尔密塔日的坡地》，西斯莱的《鲁弗申的花园小路》等作，都属于印象派绘画艺术的典范之作。

印象派绘画在上世纪20年代开始传入中国，但直到20世纪70年代末，中国观众才得以看到不多的印象派作品。在法国文化年活动中，集中展示印象派绘画，开创了我国对外艺术交流史的先例。这次与中国观众见面的5l件作品，属于法国国家收藏珍品，大部分来自巴黎奥赛博物馆。奥赛博物馆是专门收藏近代美术作品的国立博物馆，它位于巴黎塞纳河畔，是世界各地的艺术朝圣者巴黎之旅的必选站点。奥赛博物馆一次拿出这样多而精的印象派作品，送到远隔重洋的中国展出，堪称世纪性的艺术盛会。这次画展希望向民众提供一次机会，在中法文化之间架起一座桥梁，认识中法文化相近和区别的东西，中法文化共有和互补的东西。

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印象派产生于19世纪下半叶的法国。以马奈为中心的一批画家如莫奈、西斯莱、雷诺阿、塞尚、德加、毕沙罗等人，在反对学院艺术的口号下，以创新的姿态进行艺术革新，并登上法国画坛。1874年他们在巴黎举行了第一次展览，社会反响很大，参展作品中，有一幅莫奈创作的题为《印象·日出》的油画，遭到学院派的攻击，评论家们戏称这些画家们是“印象派”，这样印象派绘画便由此而得名了。

印象派强调画家对客观事物的感觉和印象，反对学院派的因循守旧，主张艺术上的革新。绘画技巧上对光和色进行了探讨，研究出用外光描写对象的方法，并认识到色彩的变化是由色光造成的，色彩是随着观察位置，受光状态的不同和环境的影响而发生变化，同时把这种科学原理运用到绘画中去。他们走出画室，走进大自然，在阳光下直接对景写生，根据观察和直接感受表现微妙的色彩变化。这在绘画史上是很大的革命，也给后来的现代美术以极大的影响。由于印象派绘画很少反映人类生活的主题，使创作题材和内容受到很大限制。

马奈（1832～1883），是19世纪下半叶对绘画领域的革命起重要作用的绘画大师，他虽与印象派画家们有密切的联系，但并未参加印象主义画展，可是印象派的画家们始终是以马奈为中心，创造新的绘画理论和作品。

马奈1832年出生在一个富裕的法官家庭，因为热爱艺术，他放弃了高官厚禄的前程，成为一位画家。马奈是最早打破传统的棕褐色调，使画面明亮、有外光新鲜感的画家。他受过古典艺术的薰陶，作品中始终保持着宏大和庄重的气魄，他的画在造型上有很高的写实技巧，但在色彩上还没有发展到其后一些印象派画家那样去分解物体颜色的程度。他对色彩的处理比较完整，每一色块都很协调柔和，又很鲜亮，给人透明和清新之感。《吹笛子的少年》是马奈的一幅著名的作品，在总的暗调子中，突出几块明亮鲜艳的色彩，使之更加响亮耀眼。他的另一幅代表作品《奥林比亚》也同样运用了这样的表现手段。

莫奈（1840～1926），是印象派的领袖人物。1874年由他发起组织了首届印象派画展，他的油画《印象·日出》一画在展览中引起反响，从而使“印象派”这一名称正式出现。

《印象·日出》表现的是画家对所看到的“日出水面”这一转瞬即逝景象的感受和印象。画中表现的是在天水一色的朦胧晨雾中，一轮红日冉冉升起，水中的船和岸上的景物用蓝绿色彩轻松的勾画出来，整个画面的一切物体都融成一片。

在莫奈的作品中都非常注重在色彩领域的探索，忽视对物象形体的写实。侧重于用光线和色彩来表现瞬间的印象，追求绘画上色彩关系的独立美。他是第一个真正强调外光写生的画家。他所有的作品，几乎都是户外写生完成，而且态度非常认真。为了保持印象的真实性，常常是早晨时画的画，如果没完成，就等到第二天的同一时间继续画，直到画完。他还常常对着一个景物，分别画出对象在不同时间，不同光线下的色彩变化。如油画《草垛》《里昂大教堂》等就是画家进行这种色彩试验常被人们提及的作品。他的这些经过了深思熟虑，追求瞬间光色细微变化效果的作品，在以前是从未有过的。这种艺术追求在莫奈晚年创作的油画《睡莲》中表现得尤为突出。莫奈在印象派画家中是最长寿的，他到晚年时人们已经认识到了印象派绘画的价值，也使得他的晚年生活过得幸福。

德加（1834～1917），是印象派画家中的积极活动者和重要成员，以描绘舞蹈演员和浴女著称。德加是一个银行家之子，生活富裕并受到过良好的教育，文化修养较高。

德加早年接受过严格的古典主义艺术的熏陶，培养了他热爱传统艺术的感情，所以在印象派画家中他是始终坚持严格造型的画家。他受到马奈的影响，开始注重对色彩的研究，并参加印象派的画展，成为印象派画家中风格独特的一员。德加一生中对扑朔迷离的动感追求保持着浓厚的兴趣，尤其是舞台灯光下的舞蹈演员和赛马场上的情景，表现得极为生动。他常常在后台和包厢里冷静地观察对象，默写演员们舞蹈时一瞬间的动作，生动地表现出舞蹈者轻柔的动作和跳动起来的生动姿态，更成功的是他将舞台灯光下的感觉传达得格外真切。德加的代表作品是《舞台上的舞女》《熨衣妇》等。

雷诺阿（1841～1919）是印象派的重要画家。1841年他出生在一个穷裁缝家，曾以在陶瓷器皿上作画谋生。他天性乐观、纯朴，热爱生活，热爱大自然，对人和大自然的美，有着极其敏锐的艺术感受力。雷诺阿主要画妇女肖像和裸体，他的画总是充满着欢乐的气氛，人物塑造得有着无法形容的柔和与微笑。同时在他的画中尝试着运用印象派的方法，也取得了理想的效果，他的人物画生动活泼，色彩丰富。

雷诺阿的绘画创作中少女和儿童题材的作品也具有很高的艺术价值，他笔下的儿童天真稚气，所画的少女更能传达出沉静、优雅的情态。《少女肖像》是他这一类作品中的代表作品之一。

雷诺阿笔下的作品在笔触运用上给人一种跳跃的感觉，他还经常喜欢使用各种由浅到深的红色作画。画中的人物被描绘得非常悠闲愉快，充满青春的美丽，犹如一首赞美和抒情的乐曲，它能使人感到生活是这样美好而富于浪漫情调，作品《游船上的午餐》《饼干坊街的舞会》《包厢》等都十足体现了他的艺术特色。

毕沙罗（1830～1903），是印象派的重要画家。毕沙罗出生在法国安提尔群岛的圣多马小岛上，他的父亲是一位开杂货铺的小老板。年轻时他曾当过店员，由于酷受绘画，在他25岁时离开了家乡小岛，来到以艺术都城著称的巴黎。柯罗和米勒的作品给了他很大的影响，他坚信着艺术唯一可遵循的大师就是自然。毕沙罗比其他印象派画家中任何人都更早在外光中开始作画。他常说：“在户外生动的光线中，按着自然忠实地画吧！”

毕沙罗一生清贫，但却总是带着愉快明朗的面容生活着。他非常喜欢田园生活，毫不夸张、粉饰地画眼中看到的极其普通的一切。在画面上他常常采用饱和的颜色和笔笔压盖的细腻笔法描绘对象，具有一种淳厚的艺术韵味。代表作品有《逢图瓦兹的红屋顶》《蒙马特尔大街》等。

修拉（1859～1891），印象派中的后起者，他在印象画派中独树一帜。修拉是根据色彩学原理来指导艺术实践，认为在光的照耀下，一切物象的色彩是分割的，要真实地表现这种分割的色彩，必须把不同的、纯色彩的点和块并列在一起。在这种理论指导下的作品被称为“点彩法”，并形成“新印象主义绘画”，又称“点彩派”。建筑在科学理论和理性基础上的新印象主义，在某些方面恢复了绘画中物象的具体性、实在性，在色彩分析方面有所探索，但由于过分注重法则和规则，也使绘画丧失了可贵的、直观的生动性。

《大碗岛星期日的下午》是修拉的代表作品，共用了三年时间才完成。画家采用了细笔小点的形式，并用大块的绿色为主调，杂以紫、蓝、红、黄等色点，使画面在局部中有着丰富的色彩变化和互补色的对比，整体上协调一致。

印象派之后出现了与印象派的艺术主张不同，以塞尚、凡·高、高更为代表的另一种艺术主张，人们称之为“后印象派”。后印象派不满足于印象派的“客观主义”表现和片面追求外光与色彩，转而强调抒发作者的自我感受，主观感情和情绪。在艺术表现上，“后印象派”重视形、色、体积的构成关系，强调艺术形象要异于生活的物象，要用作者的主观感情去改造客观物象，要表现“主观化了的客观”。他们尊重印象派在外光和色彩上所取得的成就，但不追求外光，侧重于表现物质的具体性、稳定性和内在结构。后印象派的绘画对现代诸流派的发展有着重大的影响。

塞尚（1839～1906），是后印象派的重要画家，现代绘画之父。塞尚由毕沙罗介绍加入印象主义画派，并参加了第一届印象派画展。他不拘泥于印象派的光色分析，为捕捉转瞬即逝的自然现象而苦苦探索，确立了自己的艺术方法和风格。

塞尚经过长期的观察和实践，提出自然的物象都可以概括成圆柱形、圆锥形和圆球形等几何形。自然对人类来说，主要不是平面而是深度，要重视表现自然景物的形体与结构上的关系以及色彩的层次推移。他认为“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他非常善于用色彩处理画面的空间感，作品中景物无论远近，没有模糊朦胧的地方，十分清新明快，同时又表现出了层次分明的远近透视感和空间感。这种感觉不是由画面上物体的透视线和构图来表现的，而是由物体的色彩及色彩的相互关系表现出来。色彩代替了体积，颜色关系代替了明暗关系，他是在用颜色造型。我们知道，困难在于找到准确的色彩和色彩之间的和谐关系，塞尚则成功地克服了这一困难。

塞尚的作品，大都是他自己艺术思想的体现。他的静物画、风景画及人物画表现出了结实的几何体感，忽略了物体的质感及造型的准确与否，着重强调厚重、沉稳的体积感，物体之间大的整体关系。塞尚的作品不是盲从地去复制现实，而是寻求诸种关系的和谐。

塞尚这种对体积感和空间感的强调，对色彩的巧妙安排和运用，对物体造型结构的处理并有意识地采取变形手法等等，这些追求形式美感的艺术方法，对后来现代流派有着十分重大的影响。所以，塞尚晚年为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇，并尊称他为“现代艺术之父”。

塞尚的代表作品有《静物》《圣维克托尼尔山》等。

凡·高（1853～1890），是后印象派的重要画家，荷兰人，家庭生活贫困，年轻时曾干过许多职业，如美术商人、教师、传教士等。年近30岁时，他才开始绘画艺术的生涯。

由于他有过丰富的生活体验，同劳动人民有着深厚感情，所以在他的艺术中热衷于表现他们平凡而艰苦的劳动生活。早期的油画作品多以现实主义的手法，描写乡村景色和人们的劳动生活，在色彩的表现上是以传统的暗调子为主。1886年，凡·高来到巴黎，被印象派画中那种奇妙热烈的光色效果所吸引，并开始改变原有的画法，以极大的狂热投身于印象派绘画色彩的表现和其他形式方面的实验中去。从此凡·高的油画开始明亮起来，多使用鲜艳和火辣辣的色彩，以及具有运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触，构成他绘画的特色。他把所描绘的对象，当作表现自己热烈激动的主观感情的媒介、当作表现自己独特艺术手法的媒介，以表达他的主观感受和激情。他把印象派的艺术方法，尤其是在色彩和对事物的形体塑造上的方法，发展到更加独立于传统之外的地步。凡·高的艺术在他生前是不为世人所承认的，但是后来，人们慢慢的理解和认识了他的艺术创造。在他的作品中充满着对善良、对美和对创作想象自由的渴望，他尤其被后来发展起来的“野兽派”和“表现派”的画家们所接受，直至今天，凡·高仍然活在艺术世界中。

凡·高的代表作品有：早期创作的作品《吃土豆的人》，后期创作的作品《向日葵》《星夜》及《邮递员》等。

高更（1848～1903），是后印象派的重要画家。他出生在巴黎，青年时当过船员、店员，后来他弃商从艺，把大部分时间投入在绘画的创作上。最初他是由印象派画家毕沙罗引导走向印象派绘画的道路。不久他便改变画风，开始创造一种更偏重艺术家主观幻想、更富于装饰意味的风格。他厌倦繁华而充满纷争的都市生活，向往着纯朴的自然和离群索居的生活方式。高更放弃富裕生活，离开巴黎，远涉重洋，来到太平洋中部赤道以南的热带岛屿——塔希提岛，开始探求他独恃的艺术风格，他一生中最主要的作品就是在这里完成的。在这里他找到了童年时代从母亲那接受的，对土著民族很深的感情。高更用极大的热情表现具有原始美的，未开发的热带大自然，表现远离文明喧扰的，简单纯朴的土著人的生活。他采用近于古代埃及美术中庄严、平稳、安宁而富有图案装饰风格的艺术手法，并追求简单、稚拙的粗线条结构形式。在色彩上，他从形式美感的要求出发，注重色块之间的布局和整体效果，以主观创造来加以安排，使色彩之间的关系简化，多使用较纯的色彩，追求一种跳跃性的或对比的谐和，表现出一种强烈的装饰感。高更主张艺术家不仅要表现客观自然，而且还要探求思想中神秘的内心，表现主观的东西，所以他同塞尚、凡·高一样启发了一批现代流派的画家。

抽象派:
「抽象」是「具象」的相对概念，是就多种事物抽出其共通之点，加以综合而成一个新的概念，此一概念就叫做「抽象」。「抽象绘画」(AbstractPainting)是泛指二十世纪想脱离「模仿自然」的绘画风格而言，包含多种流派，并非某一个派别的名称：它的形成是经过长期持续演进而来的。但无论其派别如何，其共同的特质都在于尝试打破绘画必须模仿自然的传统观念。1930年代和二次大战以后，由抽象观念衍生的各种形式，成为二十世纪最流行、最具特色的艺术风格。

抽象绘画是以直觉和想象力为创作的出发点，排斥任何具有象征性、文学性、说明性的表现手法，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上。因此抽象绘画呈现出来的纯粹形色，有类似于音乐之处。

抽象绘画的发展趋势，大致可分为：〔一〕几何抽象〔或称冷的抽象〕。这是以塞尚的理论为出发点，经立体主义、构成主义、新造形主义....，而发展出来。其特色为带有几何学的倾向。这个画派可以蒙德里安(Mondrian)为代表。〔二〕抒情抽象〔或称热的抽象〕。这是以高更的艺术理念为出发点，经野兽派、表现主义发展出来，带有浪漫的倾向。这个画派可以康丁斯基〔Kandinsky〕为代表。

代表画家

康丁斯基（W.Kandinsky,1866～94），抒情抽象派代表画家，曾是德国表现主义团体「蓝骑士」的领导者。代表作《构成第四号（战争）》（1911，杜塞尔夫莱茵河西发里亚艺品收藏室）、《构成第七号习作》（1913，莫斯科Tretyakov画廊）。

蒙德里安（P.Mondrian,1872～1944），几何抽象派代表画家，在平面上把横线和竖线加以结合，形成直角或长方形，并在其中安排红、黄、蓝三原色，但有时也用灰色，是荷兰风格派（deStijl）的主将，代表作《黄与蓝的构成》（1929）、《百老汇爵士乐》（1942～43，纽约现代美术馆）。

马列维奇（K.C.Malevich,1878～1935），俄国构成主义倡导者，也是几何抽象派画家，代表作《飞机起飞》（1915，纽约现代美术馆）、《青色三角形与黑色长方形》（1915）。

库波卡（F.Kupka1871～1957），捷克画家。运用色彩理论和音乐式和谐造成独特的几何风格，例如《绘图构成主题二》（1911～12，华盛顿国家画廊）、《垂直线语系习作》（1911）。

克利（P.Klee，1879～1940），瑞士画家。运用色彩调和及抽象的手法，创作了许多含有哲理性和富稚拙趣味的作品，例如：《金鱼》（1925，油彩加水彩，纸裱在卡纸板上，48.5×68.5cm，汉堡美术馆）、《干道与支道》（1929，油画，布，83×76cm，科隆，里伯尔兹美术馆）、《死与火》(1940，油画，83×67cm，科隆，里伯尔兹美术馆)

4. 中国美术馆的建筑风格

造型上仿敦煌莫高窟，中间采取的是莫高窟九层塔的造型。两边也近似莫高窟的石窟，两边对称。

5. 浙江美术馆的建筑风格是什么

呃，美术馆设计的理念是“现代建筑符号与传统建筑韵味的融合”但是在修建时又提出了“建筑造型与功能要求相统一的创新理念”所以就成了今日的浙江美术馆

6. 上海美术馆的建筑特点

该建筑建成于1933年，原为旧上海跑马场，是30年代英式风格的楼宇。改扩建工程完整地保留了回其原有的新古答典主义特色外观，并根据美术馆的功能要求进行了内部改造，在设计上继承了欧式建筑的传统语言，并强调了明快的现代气息，是一座典雅、大方的艺术殿堂。当观众步入端庄的大厅，仰望凝重的梁柱，再沿着宽敞的楼梯拾级而上，抚摸着三十年代的铜铸马头，浏览着艺术家的精美之作，定会领略到新旧上海的历史变迁，感受到引人入胜的文化魅力。

7. 中国美术馆的建筑风格是什么

外观还是老美术馆的感觉，但是外立墙面换成了花岗岩，窗户是深色铝合金的，门换成了大铜门，东西两侧长廊也恢复了，三面竹林环抱。

馆内部完全焕然一新。展馆空间通透、灯光设计独具匠心，内部湿度、温度都清爽宜
人。尤其是一楼东南西北四个角厅都去掉了立柱，并采用智能化遮阳采光天窗。

硬件装修国际标准

据介绍，这次馆内装修硬件设施都采用国际标准：所有柱、梁、楼板都抗震加固；展厅内采用全空气空调系统，并可灵活调节送风量，保证实现不同功能展厅对不同温度和湿度的要求；部分展厅设置名贵艺术品专用的通体玻璃柜；还有火灾自动报警喷洒系统，防盗报警系统，智能楼宇自控系统等等。

坐椅临摹以人为本

除了这些软硬件设施，美术馆的大气和舒适还体现在以人为本上。展厅里增加了座椅，随时可以坐下临摹。卫生间增加了数个，展厅间新设计了通道，省了许多冤枉路。增设了接待室、存衣间、咨询处以及残疾人专用设施。

二期扩建4万平方米

除了把内部重新装修改造得舒适和环境达到国际展览标准外，美术馆这次改造的另一个主要目的是扩建，在保留原建筑风格的基础上，主楼扩建了5328平方米，美术馆总建筑群面积达到27622．5平方米，大大丰富了陈列、展览美术作品的空间。

为了满足人们日益增长的文化需求，避免发展滞后问题，美术馆二期工程也正在审批当中，预计不久后上马。该工程将在美术馆原址西侧征地1．8公顷，建筑4万平方米的新馆，新馆地上3层地下3层，在规划布局上东面与老馆相呼应，西面与黄城根遗址公园融合。

8. 美术馆的建筑特点

美术本身的特点就是对美、对文化、对精神品质高度追求的产物。因此美术馆的建筑便成为这一产物很为重要的文化形象表征与依托之一。同时它自身也可以是一件静止下来的雕塑品，承载着我们所有对于城市和历史的记忆与理解。

建筑本身除了衣食住行的基本功能之外，它也应该是我们整个时代和文化的象征物，是人类文化精神的皈依所在。而美术本身的特点就是对美、对文化、对精神品质高度追求的产物。因此美术馆的建筑便成为这一产物很为重要的文化形象表征与依托之一。同时它自身也可以是一件静止下来的雕塑品，承载着我们所有对于城市和历史的记忆与理解。而美术馆与博物馆，在国际上通常是被视为一体的。它们在英文当中的词源相同，都是“museum”，在西方“museum”最早的含义就是“ 缪斯的神殿 ”，是西方人表达信仰与寻找精神皈依的圣殿。现代意义上的美术馆已经成为西方人除了教堂之外的另一含义的教堂，它是为人们提供调节身心，享受生活并同时接受艺术熏陶与艺术教育的地方。从这个意义上来说，美术馆建筑它不仅用来陈列与展示艺术作品，它还具有一定的宗教性特质。

在中国，从改革开放一直到今天，由于各阶段社会经济水平发展不均、以及我国建筑设计在资本架构的市场规则中所体现出来的被动性与局限性。长期以来，我们的建筑设计师为了适应当前社会经济的高速发展，或者说是为了适应自身生存的需要。多数时候会在为了迎合领导或投资商以及评委意图的过程中妥协，从而丧失建筑艺术本身所应该具备的社会责任性以及文化批判力。乃至于我们眼下充斥着大量形态平庸、公共视觉形象糟糕、以及建筑学术质量低下的钢筋混泥土结构的建筑垃圾。独立而富有文化思想性的建筑设计艺术从当下建筑高速发展建设的市场机制中突围出来，成为不少年轻建筑师们追逐的梦想与表达学术理想的一个途径。于是，在大部分人需要用妥协来换取生存的同时，也有部分设计师选择了从其中突围的方式寻求发展。以张永和、刘家琨、张雷等实验建筑师为代表，他们的建筑实践逃脱了诸如评标、审核等规则的层层围堵而获得设计权。在他们争取脱离体制背景束缚的建筑设计作品中，大胆创新、并融入更多元文化、地域与环境观照等诸元素，使他们很快在中国的建筑师群体中脱颖而出，形成了影响力，并为世界范围的建筑界所关注。而美术馆或者艺术家工作园区空间建筑本身的公共地标性特点，正是他们相对更加独立创作并获得影响力的重要试验田。

随着中国当代艺术的发展与影响力日益国际化以来，与之相适应的具有国际化水准的美术馆建筑便也提上设计议事日程。中国有美术馆的历史还很短，第一所国家级美术馆是 1936 年 8 月建成的“国立美术陈列馆”，就是现在位于南京的江苏美术馆，但它的命运很坎坷，成立当年南京被日寇占领，美术馆便中止了一切美术活动。而后来中国再出现国家美术馆，是 1959 年，被称作北京“十大建筑”之一的中国美术馆。直到近十余年以来，中国才渐渐开始涌现大量新的美术馆，国有的、民营的，形式多样不一而足。在建筑艺术设计本身方面比较有特点的现代美术馆建筑也便渐渐开始浮出水面。在2002年的上海双年展上，张永和的泉州中国小当代美术馆、刘家琨的四川犀浦镇石亭村艺术组天井之家、赵冰的书道系列、王澍的苏州大学文正学院图书馆。都颇具时代艺术特色，关注当代问题同时融合了现当代艺术的审美趣味，在空间结构与文化思考方面大胆突破，较好地进行了融合。一时间在当代中国建筑界颇为领风气之先。

当代艺术创新中的探索性与实验性有别于传统艺术的普遍性，所以当代艺术馆的建筑通常也有别于传统美术馆的建筑，而显得更加特立独行、更能体现建筑艺术的时代感、独立性与思想性。近两年来颇具特色的现代美术馆建筑中，由徐甜甜设计的北京宋庄美术馆、王晖设计的北京今日美术馆，也很是别具一格。展现了新一代年轻建筑设计师在美术馆建筑方面的成果。另外还有已经落成的由著名建筑大师贝聿铭担纲设计的苏州博物馆新馆，正在实施建设中的上海证大喜马拉雅艺术中心，以及目前计划正在推进中的四川成都以周春芽、何多苓为代表的画家们将在附近的风景区“三圣花乡”置地，由艺术家们自行设计建造艺术家工作室园区。其实，在历史上很长一段时期里，画家同时也做建筑设计师的不在少数。达芬奇、拉菲尔等绘画艺术大师都干过这一行，而且非常出色。美化建筑原本就是造型艺术至高无上的课题，造型艺术也曾是大建筑艺术不可分割的组成部分。只是随着时代的发展，生产结构发生改变，分工越来越细，以至于今天的造型艺术存在着彼此分离、相互孤立的状态，这恐怕只能通过所有环节工作人员有意识的共同努力，才能将它们从孤立的状态中解放出来。

9. 中国美术馆有什么特点

应该算中国民族建筑风格。
主体大楼为仿古阁楼式，模版是敦煌莫高窟主楼建筑，黄色琉璃瓦大屋顶，四周廊榭围绕，具有鲜明的民族建筑风格。其特点仿我国古代宫殿建筑，其平面严谨对称，主次突出，层次分明，用现代的材料和技术取缔砖墙木梁架结构，加庑殿、歇山、重檐、飞檐、琉璃瓦等民族元素部件体现建筑的功能、层次、建筑等级， 以展示抗战胜利后具有中国特有的建筑风格。