美术创作基础

Ⅰ 美术方面的基础知识

美术：泛指创来作占有一定自平面或空间，且具有可视性的艺术，就叫作美术。

它的划分有多种，一般地包括四大门类：绘画、雕塑、设计、建筑。现代有些学者也把其它的归纳入这个门类里，例如:书法、摄影等。

“美术”这一名词始见于欧洲17世纪，也有人认为正式出现于18世纪中叶。近代日本以汉字意译，五四运动前后传入中国，开始普遍应用。

(1)美术创作基础扩展阅读

欧洲17世纪开始使用“美术”这一名词时，泛指具有美学意义的活动。

及其产物，如绘画、雕塑、建筑、文学、音乐、舞蹈等。也有 认为“美术”一词正式出现应在18世纪中叶。18世纪产业革命后，美术范围益见扩大，有绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等，在东方还涉及书法和篆刻艺术等。

中国五四运动前后开始普遍应用这一名词。近数十年来欧美各国已不大使用“美术”一词，往往以“艺术”一词统摄之。

美术是以物质材料为媒介，塑造可观的静止的，占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术。表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态。

Ⅱ 我想知道什么是美术创作基础

对创作的初学者来说，一定要严格按照创作的一般步骤来操作。命题创作的作画步骤是：

（1）审题 （2）构思

（3）画小草稿 （4）正式构图

（5）定形刻画 （6）调整完成

要在考试的短短几个小时内，完成这些步骤是很不容易的，因此，考生要重点抓好步骤中的第（2）、（3）、（5）项。特别不要忽视“画小草图”步骤，它是一个既能使你节省时间，又能使你顺利完成创作意图的手段。

命题创作的构图步骤
构图的作画步骤同素描的作画步骤基本一样，也要遵循“先大后小”、“先主后次”、“先直后曲”的方法。

（1）先画边框。边框可以徒手画。正式草图要用尺子完全按照作品的比例来画。

（2）画大结构线。大结构线由贯穿画面的线条和图形组成。例如：户外景的天、地、物的分界线，室内景的墙脚、门窗、人物的透视线和动态线，单个或组合人物构成的几何形等。

（3）调整大结构线。大结构线不但要表现物体的形状和位置，更重要的是要表现作品的内容和样式。图形在画面中的心理表现作用，对作品内容的表现非常重要。正三角形在心理上表示稳定，斜三角表示运动，矩形表示静止，圆形表示循环。考生要根据这些形式的表现特点，调整画面的结构线，以传达作者的创作意图。特别是要调整图形与底形的关系，注意两者大小、多少、形状、位置的关系，以获得美感的构图形式。 （4）确定构图的具体形式。在构图框架调整完成以后，要将具体的人物、道具、场景安排在框架内。在处理局部形式时，局部的线条也要按照整体结构和创作意图的要求进行加强或概括，使画面统一在大的结构中。

（5）调整局部，加强构图形式的变化与统一。在构图形式确定以后，局部形象要根据作品内容和形式的需要，进行改动或添加，其目的是使作品既有丰富的局部变化，又有整体结构上的统一。 （6）运用色调的手段，达到构图的平衡。色调是加强构图表现的重要手段，利用色调的明暗、冷暖对比和调和的手段，可以使构图更充实、更完整。

前面我们讲过，应考命题创作实际上是一个创作草图形式。构图在其中的作用，要远远的大于细节刻画的作用，因此，考生要努力学好和掌握好创作的构图方法。

命题创作中容易出现哪些错误

（1）主题不突出，内容分散。这种错误经常表现为：画面中出现两种主次不分的情节或情节内容含糊不清。例如：以《学习》为命题的创作，画面中就不能出现与学习无关的内容，也不能让人分辨不出是正在学习还是在消遣。不仅如此，我们还要选择典型的学习环境、学习道具和人的动作。不但要使观者看懂作品的内容，还应当使作品感染观者。艺术创作应该源于生活、高于生活，要使画面中的一切形式服从作品的主题。

纠正的方法是：设定一个主要情节或人物，让次要部分围绕主要情节来发展。加大主要部分尺寸，去掉不必要的道具，注意背景的衬托作用，用明暗和色彩对比突出画面主题。 （2）题材简单，情节无新意。这种错误经常表现为：画面情节概念化，艺术创作要求作品的题材要具有典型性，但不能概念化。好的典型性情节是用生活中独特的情节表现出来的。好的创作作品，要有新的构思立意，既要通俗易懂，又要出奇制胜。例如：对以《学习》为命题的考题，我们可以选择在业余时间里学习自己所爱好的课外知识做题材，表现学习特殊对象的特殊动作。这样的处理，要求考生要熟悉自己的生活，对生活有自己的观察、思考的角度。如果对生活缺少感受，不能深刻理解命题，就会产生表现平淡的问题。

纠正的方法是：得到考题后，思考的范围要宽，要表现自己所熟悉的生活。考前平时要坚持速写、默写训练，注意对生活中有创作价值事件的收集。

（3）画面不饱满，表现无主次。很多考生的考卷，画中形象太小、太散，空白太多。画面中的局部都很完整，但是没有主次、前后区别。所以画面不是一个有机的整体，而像是某一件作品的片断。

纠正的办法是：要区别作品的主、次要形式之间的大小、形状、位置、繁简、色调等形式，适当增加前后物体的遮挡，也要区别遮挡部分的大小和形状。明确作品中的主形，加大主次形之间的对比，同时也要注意加大主次形之间的联系，使两者形成服从与被服从的关系。 （4）构图不得当，画面无结构。这类问题的表现形式有：①作品中的物体过于集中或过于偏离画面中心。②物体的连接过于平行或过于垂直。③作品的边框缺乏与物体之间的联系。④画中的背景缺乏组织，起不到烘托主题的作用。⑤画中的道具缺乏合理的安排，对作品的表现作用不大。

纠正的方法是：将画面按照构图的要求，注意不同形之间的大小、形状、位置之间的变化；注意背景与人物的穿插关系，注意道具在画面中的点缀、调节作用。

（5）表现手段简单，形象缺少加工。这类问题是因为考生的创作经验少，把创作当作一般草图或当作一般写生来完成。在线条处理上过于单一，在色调的处理上过于追求写实造成的。 纠正的方法是：在构图确定后，人物的刻画少使用直线条，增加线形的变化，增加疏密的对比。色调的处理，不能仅考虑单个形象的表现，而应当从突出主题形象、建立主次关系、增强画面结构等多方面来考虑与设计。

应考命题创作，是对考生造型技术的应用和艺术修养、形象思维方面能力的检验。画好命题创作的前提条件，是拥有速写、默写的基础，对绘画的发展历史和作品的样式有所了解。创作的关键是主题与构图。主题要明确，构图要严谨，两者的关系要统一。作品的形象要典型、生动，主次分明。画面的效果要强烈、完整。如果考生具备了以上条件，掌握了以上的要领，就不愁完不成好的命题创作。
怎样画好色彩命题创作

在有些命题考试中，考卷要求用色彩来表现。对这类考题，考生应该做好事先的工具准备工作。要选择好自己所熟悉的工具材料，赋色前考虑好作画的步骤和草图阶段单色工具与色彩材料的衔接效果。色彩考卷作画的前几个步骤同单色步骤一样，赋色工作是在单色草图的“定形刻画”阶段开始的。赋色的方法要根据使用的工具材料而定，操作方法一般跟写生方法一样，水彩是从浅色开始，水粉和油画是从深色开始。如果考试对色彩的工具不加限制，考生可以准备一些操作简单、作画迅速的工具，例如：彩色铅笔、色粉笔、油画棒等。

使用色彩工具进行创作表现，考生要做到对色彩知识有所了解，特别是对色彩的象征意义有所了解。例如：

红色 象征着正义、斗争、兴奋、运动。

黄色 象征着智慧、光明、警惕、平衡。

绿色 象征着和平、希望、成长、生命。

蓝色 象征着幻想、高雅、深远、安静。

紫色 象征着华丽、忧郁、陈旧、悲伤。

棕色 象征着朴素、沉着、本色、深厚。

黑色 象征着力量、抽象、恐惧、重量。

白色 象征着纯洁、理想、速度、病态。

色彩对表现创作思想非常重要，用得好可以加强作品主题意图的表现，用得不好会破坏作品内容的表达。色彩的表现主要依靠色彩的对比手段。色彩的对比手段有明度对比、纯度对比、饱和度对比、色相对比、补色对比、冷暖对比等。如果作品的命题要求是活泼的、喜悦的，作品色彩应该以强烈、明快的暖色为主。如果是静态的、伤感的，作品的色彩可以用中性的或冷色调的。

色彩的色调运用应该与构图的样式相协调，对称式构图应以色彩调和的“统调”表现为主，要注意画面主要部分与次要部分的色彩协调。例如：主要部分如果是红色，次要部分可以用白色、黄色或棕色与之调和。均衡式的构图应以色彩对比的“节奏”表现为主，要注意表现主、次要部分之间的色彩冲突和次要部分对主要部分的衬托。例如：对红色的主要部分，可以用黑色、绿色或蓝色相对比。

色彩是作品的表现形式之一，是最能打动人的视觉的形式因素。但是，考生要注意创作的主要表现形式是形体，不要在画色彩时破坏了形体的准确性。因此，对于考试命题创作的工具、方法的选择，最好是用水彩或水粉的薄画法来完成。

Ⅲ 在脸上进行美术创作的基本方法和步骤

思路：画什么，怎么画，用什么画
1、确定创作主题（如蝴蝶、老虎、植物、星空、文字等）
2、先纸上练兵（考虑到是活人脸，不能没定稿直接画，以免出现不断返工）
3、练兵注意平面的纸张和立体人脸之间的区别，尤其是形体的结构和转折，不同角度看到的是不一样的视觉效果。
4、美术基本功的作用（点线面的合理搭配，大小疏密以及曲线自然度；还包括色彩的搭配）
5、注意五官结构和周围创作内容的结合，不要将五官孤立或者过渡渲染。
6、准备好工具
7、开工
最后建议画脸上的不要太写实和具象（除非美术功底很深并高效率），多进行点抽象图形的创作更好。

Ⅳ 没有美术基础，可以自学创作漫画吗

可以，只是不把美术补起来，你这辈子基本上都不可能创作出像样的东西。

Ⅳ 绘画的基础

绘画基础每个人的理解不同，会有所差距，个人理解的绘画基础包含下面四个阶段：

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第一个：心态

热爱、耐心、坚持是我们学画持之以恒的内在动力，也是绘画创作心态的内在基础，喜欢画画的都懂，如果你不喜欢画画、对绘画练习没有耐心，更不能坚持练习创作，别说学习外在支撑创作练习的基础方法，如若连内在的学习心态都没解决更谈不上需要外在基础的学习方法。

第二个：熟悉软件阶段。

这个是美术最低的门槛，如果一个想画水彩的人连颜料都不会调，即使他脑子里的东西再漂亮也没有办法呈现出来。我们数码绘画也是同样的道理，他有更多的软件功能，让你可以方便地进行修改，相反，如果你没有认全工具，那你作品的水平就会比你功底相当，但软件技法更多的画师差好几个等级，会不会使用工具是人和动物最大的差别之一，你是人吗。

其实审美是没办法教学的，个人审美带有一定的主观性质，所以只能做引导：

1、多看别人的作品，通过了解别人的风格来塑造自己的审美。

2、多看图、多收集、多临墓仅仅这三点，每日养成收集十张图并日分析对方绘画方法的良好习惯，遇到特别喜欢的作品时，通过临慕学习对方的思路。

3、平常我们在找素材，搜图、找大佬作品临摹、拆解学习的时候，你可能会分析，他这张作品新颖、亮眼、没见过，用自己的方法去分析，他好像和我想的不太一样，你就可以保存下来参考学习。

所以说，在有基础扎实之后，再加上不俗的设计基础，你甚至还能把作品画得更贴切到商业价值的标准，也就是不仅仅具有高度审美价值的画作，还可以让她更具有商业价值的作品，俗称能卖钱的作品。

Ⅵ 艺术创作的基本过程

艺术创作的基本过程包括：1、生活体验，即艺术家在观察接触生活并从中产生 的深刻感受与思考。形成艺术创作的前提与基础
2、艺术构思，即艺术家在深入观察与思考和体验的基础上，选择加工，提炼，组合等手段，在头脑中形成一个全新的艺术胎儿，即艺术意象。
3、意象物化，艺术家运用艺术语言，将构思成熟的艺术意象转变为艺术作品。

Ⅶ 美术有哪些基础知识

1、三度空间。指由长度（左右）、高度（上下）、深度（纵深）三个因素构成的立体空间。绘画中，为真实地再现物象，必须在平面上表现出三度空间的立体和纵深效果。

2、量感。借助明暗、色彩、线条等造型因素，表达出物体的轻重、厚薄、大小、多少等感觉。如山石的凝重，风烟的轻逸等。绘画中表现实在的物体都要求传达出对象所特有的分量和实在感。运用量的对比关系，可产生多样统一的效果。

3、空间感。在绘画中，依照几何透视和空气透视的原理，描绘出物体之间的远近、层次、穿插等关系，使之在平面的绘画上传达出有深度的立体的空间感觉。

4、体积感。指在绘画平面上所表现的可视物体能够给人以一种占有三度空间的立体感觉。在绘画上，任何可视物体都是由物体本身的结构所决定和由不同方向、角度的块面所组成的。因此，在绘画上把握被画物的结构特征和分析其体面关系，是达到体积感的必要步骤。

(7)美术创作基础扩展阅读

美术来源

欧洲17世纪开始使用“美术”这一名词时，泛指具有美学意义的活动。及其产物，如绘画、雕塑、建筑、文学、音乐、舞蹈等。

也有 认为“美术”一词正式出现应在18世纪中叶。18世纪产业革命后，美术范围益见扩大，有绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等，在东方还涉及书法和篆刻艺术等。中国五四运动前后开始普遍应用这一名词。近数十年来欧美各国已不大使用“美术”一词，往往以“艺术”一词统摄之。

工具材料

油画是用油质颜料在布、木板或厚纸板上画成的。以油剂（亚麻仁油、核桃油等）调和颜料，在亚麻布，纸板或木板上进行操作的的一个画种。

表现方法

传统的油画家采用焦点透视法作画。在画面构成上，它讲究画面景物充实，按自然的秩序布满画面，呈现出自然的真实境界。

Ⅷ 原画创作要什么绘画基本功

最重要：日积月累的绘画经验和对形体的理解和概括，我们老师也说过越会版概括的人画的约精彩，当然权这是在形体把握能力较强的前提下
基本的：学美术无非是从素描.色彩.鉴赏入手，素描里又分静物.石膏头像.真人头像，我们一般从几何入门，接着到素描静物，再到石膏..真正达到一定程度再去画真人头像。色彩静物主要针对高考，是插在素描景物后面的，它需要一定的素描功底，最后高考的是真人头像默写和色彩静物默写。我还是个高中生只能知道这么多，如果是以后工作，就多去请教更专业的人吧
1.临摹不在于临得与原画多像，这只是一个捷径让我们更快地理解画作中传达的意思和它的表现手法，简称画家的作画风格。所以你应该多换一些不同的风格去试试，去理解不同画家的不同风格，（当然不是随便换，要在有所认知的基础上换），经过练习就能在不久后找到自己的作画的手法和风格
3.这个程度很难讲，最好在老师的指导下慢慢提高，因为老师们都有他们的方法和对作画的理解，不时请教能更快地提高自己的水平。
祝你早日能成为一名出色的画家。

Ⅸ 什么为独立的雕塑艺术创作打下了基础

在适合于实用的同时，塑作者结合对自然物各种形象的观察体验，多方面地重视美的造型，这就为独立的雕塑艺术创作开创了良好的基础。突出的如江苏淮安青莲岗出土的一件高足盆，那种三足挺立的坚实造型，使人感到它已具有某些雕塑艺术的独特形象。

Ⅹ 美术创作基础是什么

美院色彩考试一般是用水粉、油画（有规定或不规定两种可能）来表现，以水粉为多。素描考试你用铅笔、碳笔都可以，哪样熟练就用哪样，钢笔很少见到考试使用。创作基础也就是创作，这样说是针对考生入学考试的，就是一个基础考核，还没专业的学习创作，何谈有多少创作水平呢？如果形式上不限制的话，你可以任选工具来表现，色彩的，钢笔的，毛笔的等等。过去考创作，学生都会准备一些连环画之类的素材备用，学学创作里的构图等等。一般它会给你一个命题，如《过年》，像《风》之类就比较难点了。