中外美術作品賞析

㈠ 中外優秀美術作品賞析論文

《撐陽傘的女人》Femme a l'ombrelle
作者: 克勞德 莫奈 Claude Monet

印象派是19世紀中葉歐洲藝術從現實主義向現代主義過渡的重要階段，印象派畫家以創新的姿態登上法國畫壇，其鋒芒針對陳陳相因的古典畫派和矯揉造作的浪漫主義。

以"光為畫面主角"的印象派最偉大的大師莫奈曾經畫過二幅《撐陽傘的女人》，一幅作於1875年，一幅畫於1886年。

首幅畫里的採用仰視的角度來表現畫面的人物，女人半側著身子，衣褶因為她的轉動也在旋轉，動態的呈現著這一微妙的動作，而平衡女子動作的是她手持的陽傘。
陽傘的灰綠色調與天空融合在一起把人物既與畫面結合又使人物跳出背靜那澄明的天空動感在人們眼前。畫面中的遠處的小男孩兒又拉深了畫面的層次感，不僅突出了撐陽傘的女人也把遠處的天空顯得更加高遠。
但，在印象派中"光才是畫面真正的主角"。在這幅畫中，採用原色並列、重疊和補色手法，形成新的繪畫語言。為了表現物體的動態變化和光色的斑斕絢麗、光怪陸離，畫家採用小筆觸和色調並列方法，有些顏色不再在調色板上調配，而是黃、藍並列，時而重疊，並把黃和綠、藍和橙色補互對比，使色彩在強烈視覺沖擊中產生新的和諧。
光與影正是依託於這兩個人物跳躍穿梭在人們眼簾中的。女人身後的天空如同水一般透明多變，彷彿一指就可以戳破。
陽光透過湛藍的天空灑到女人的衣裙上，正因為光影的作用，女人的上半身色調昏暗表明她處於傘的陰影之下。 微風揚起的裙袂上有莫奈最擅長捕捉的光與影——藍天的光彩、女子腳邊墨綠的草與淡黃的花朵的顏色。它們反襯在女子的裙子上，袖肘上。女子腳下順著微風傾斜的花草，彷彿可以聞到泥土與花草混合的清新氣味。
用模糊大塊的筆觸來描繪，是莫奈在繪畫技法上的一大特點。這也是印象派不注重所描繪的主題本身而注意光影的需要所產生的必然結果。在這幅畫中，我們尚且可以看出撐傘女人的外貌，但是她和她構成三角型起穩定畫面作用的兒子的面貌卻被簡化成了僅有兩個黑洞洞眼睛長相的人。
可是，也正因為這樣，我們不必糾纏在畫面的技法上而能把更多的心思花在畫面所傳遞的，清晨，母親和孩子散步的愜意及其中的微風，藍天那種恬靜美好當中。

所以印象派的勝利在於它不僅僅是開拓了一條奇路使人們耳目一新更在於它可以把畫家自身的感受記錄下來傳遞給他人。這種心靈上的震撼是其他流派所無法比擬的。
從中也可看出當時莫奈初期作品風格強調瞬間的感官色彩來搭建一座用色彩構成的絢麗的世界。突破當時束縛繪畫的古典主義，把繪畫從單純的照物寫實中解放出來，開拓了一條用眼睛捕捉"瞬間美好"的新的繪畫流派。

作於1886年的《撐陽傘的女人》和第一幅畫在構圖上相差不遠，人物在衣著上更是如出一轍。但，比起第一幅，人物處於更次要的位置，印象派很少畫人物，風景中的色彩變化才是莫奈的永恆主題。所以第二幅《撐陽傘的女人》足以看出莫奈及整個印象派的走向。

畫中大塊的墨綠和棕紅的，凝重的顏色。不再看見早期注意天空光影的糾纏和光影對人物的影響，換而之是大塊更大塊的顏色鋪成一幅畫甚至連人物本身都只是畫中顏色的一部分（上一幅中女人的尚可辨認的面目在這里徹底被簡略掉）。或者說我們可以感受到畫面里的風不再是清晨的微風而是夕陽落下的晚風，吹的人物身後的雲彩在大塊急速的運動，熾熱的陽光照在草上淹沒了女人的腳，女人上半身因為撐陽傘形成的陰影和下半身被陽光照耀彷彿要燃燒的裙子形成強烈的對比，加上飄揚的紗巾給人以視覺沖擊。
兩副幾乎同樣的以撐陽傘的女人為主題的作品，但是意境卻相差萬里。這就是印象派的核心所在——此時此刻的光和影。而光與影永遠在變，水中的浮光掠影，空中的色彩萬千，地上的花朵妖嬈。不變的是對影的捕捉對光的追隨。

這件作品是莫內早期的印象技法畫作。畫面正中偏右站著一位撐陽傘的女仕，而畫面偏左較遠處的就是她的兒子。這是一個晴天的早上，兩母子在草地上漫步。

整幅畫只用了簡單的藍、綠、棕等自然的色彩，給人一種寧靜舒適的感覺。畫中的女仕佔了畫面大部份的空間，成為畫的趣味中心。但左側的小兒子與陽傘和女仕也構成一個三角形，得到一個平衡的作用。

雖然此畫是莫內早期的作品，但也可見他已很好地捕捉光影和畫中的瞬間印象感覺。畫中女仕面部和上半身都用上較暗的色彩，表明是處於陽傘的陰影之下。而整個陽傘、面部、衣裙和草地上的陰影區，與女仕衣裙上向光一面的光影形成對比（小兒子方面也一樣），就如現實中看到的一樣。另外，女仕擺動的頭巾和長裙上的縐褶也加強了畫面的動感

㈡ 中外優秀美術作品賞析 論文

《撐陽傘的女人》Femme a l'ombrelle
作者: 克勞德 莫奈 Claude Monet

印象派是19世紀中葉歐洲藝術從現實主義向現代主義過渡的重要階段，印象派畫家以創新的姿態登上法國畫壇，其鋒芒針對陳陳相因的古典畫派和矯揉造作的浪漫主義。

以"光為畫面主角"的印象派最偉大的大師莫奈曾經畫過二幅《撐陽傘的女人》，一幅作於1875年，一幅畫於1886年。

首幅畫里的採用仰視的角度來表現畫面的人物，女人半側著身子，衣褶因為她的轉動也在旋轉，動態的呈現著這一微妙的動作，而平衡女子動作的是她手持的陽傘。
陽傘的灰綠色調與天空融合在一起把人物既與畫面結合又使人物跳出背靜那澄明的天空動感在人們眼前。畫面中的遠處的小男孩兒又拉深了畫面的層次感，不僅突出了撐陽傘的女人也把遠處的天空顯得更加高遠。
但，在印象派中"光才是畫面真正的主角"。在這幅畫中，採用原色並列、重疊和補色手法，形成新的繪畫語言。為了表現物體的動態變化和光色的斑斕絢麗、光怪陸離，畫家採用小筆觸和色調並列方法，有些顏色不再在調色板上調配，而是黃、藍並列，時而重疊，並把黃和綠、藍和橙色補互對比，使色彩在強烈視覺沖擊中產生新的和諧。
光與影正是依託於這兩個人物跳躍穿梭在人們眼簾中的。女人身後的天空如同水一般透明多變，彷彿一指就可以戳破。
陽光透過湛藍的天空灑到女人的衣裙上，正因為光影的作用，女人的上半身色調昏暗表明她處於傘的陰影之下。 微風揚起的裙袂上有莫奈最擅長捕捉的光與影——藍天的光彩、女子腳邊墨綠的草與淡黃的花朵的顏色。它們反襯在女子的裙子上，袖肘上。女子腳下順著微風傾斜的花草，彷彿可以聞到泥土與花草混合的清新氣味。
用模糊大塊的筆觸來描繪，是莫奈在繪畫技法上的一大特點。這也是印象派不注重所描繪的主題本身而注意光影的需要所產生的必然結果。在這幅畫中，我們尚且可以看出撐傘女人的外貌，但是她和她構成三角型起穩定畫面作用的兒子的面貌卻被簡化成了僅有兩個黑洞洞眼睛長相的人。
可是，也正因為這樣，我們不必糾纏在畫面的技法上而能把更多的心思花在畫面所傳遞的，清晨，母親和孩子散步的愜意及其中的微風，藍天那種恬靜美好當中。

所以印象派的勝利在於它不僅僅是開拓了一條奇路使人們耳目一新更在於它可以把畫家自身的感受記錄下來傳遞給他人。這種心靈上的震撼是其他流派所無法比擬的。
從中也可看出當時莫奈初期作品風格強調瞬間的感官色彩來搭建一座用色彩構成的絢麗的世界。突破當時束縛繪畫的古典主義，把繪畫從單純的照物寫實中解放出來，開拓了一條用眼睛捕捉"瞬間美好"的新的繪畫流派。

作於1886年的《撐陽傘的女人》和第一幅畫在構圖上相差不遠，人物在衣著上更是如出一轍。但，比起第一幅，人物處於更次要的位置，印象派很少畫人物，風景中的色彩變化才是莫奈的永恆主題。所以第二幅《撐陽傘的女人》足以看出莫奈及整個印象派的走向。

畫中大塊的墨綠和棕紅的，凝重的顏色。不再看見早期注意天空光影的糾纏和光影對人物的影響，換而之是大塊更大塊的顏色鋪成一幅畫甚至連人物本身都只是畫中顏色的一部分（上一幅中女人的尚可辨認的面目在這里徹底被簡略掉）。或者說我們可以感受到畫面里的風不再是清晨的微風而是夕陽落下的晚風，吹的人物身後的雲彩在大塊急速的運動，熾熱的陽光照在草上淹沒了女人的腳，女人上半身因為撐陽傘形成的陰影和下半身被陽光照耀彷彿要燃燒的裙子形成強烈的對比，加上飄揚的紗巾給人以視覺沖擊。
兩副幾乎同樣的以撐陽傘的女人為主題的作品，但是意境卻相差萬里。這就是印象派的核心所在——此時此刻的光和影。而光與影永遠在變，水中的浮光掠影，空中的色彩萬千，地上的花朵妖嬈。不變的是對影的捕捉對光的追隨。

這件作品是莫內早期的印象技法畫作。畫面正中偏右站著一位撐陽傘的女仕，而畫面偏左較遠處的就是她的兒子。這是一個晴天的早上，兩母子在草地上漫步。

整幅畫只用了簡單的藍、綠、棕等自然的色彩，給人一種寧靜舒適的感覺。畫中的女仕佔了畫面大部份的空間，成為畫的趣味中心。但左側的小兒子與陽傘和女仕也構成一個三角形，得到一個平衡的作用。

雖然此畫是莫內早期的作品，但也可見他已很好地捕捉光影和畫中的瞬間印象感覺。畫中女仕面部和上半身都用上較暗的色彩，表明是處於陽傘的陰影之下。而整個陽傘、面部、衣裙和草地上的陰影區，與女仕衣裙上向光一面的光影形成對比（小兒子方面也一樣），就如現實中看到的一樣。另外，女仕擺動的頭巾和長裙上的縐褶也加強了畫面的動感。

㈢ 對中外美術大師及其作品的看法

我最喜歡的是《城市之舞》，1883年雷諾阿現藏於巴黎奧塞美術館。。前些天剛從中國美術館花了128買了一幅裝裱的，雖然買不起原畫，但還是很開心。。。
優雅的城市之舞，由一位本身也是畫家的女性蘇珊.瓦拉東代言。雷諾阿無意顯示她的專業特質，依舊將她描繪成柔婉的傳統女性。
他的早期作品是典型的記錄真實生活的印象派作品，充滿了奪目的光彩。然而到了（18世紀）80年代中期，他從印象派運動中分裂出來，轉向在人像畫及肖像畫，特別是婦女肖像畫中去發揮自己更加嚴謹和正規的繪畫技
他曾說過：「為什麼藝術不能是美的呢？世界上丑惡的事已經夠多的了」。在平時畫畫的很多時候，我總是會帶著自己的情緒去話。。。不知道是好還是。。不能像雷諾阿這樣永遠帶給別人溫馨、美好喜悅的一面，，，很慚愧，對與一位已經奔2的女孩來說卻做不到，，，或許不是大師的緣故吧？？？，，雷諾阿還是女性形象的崇拜者，他說：「只有當我感覺能夠觸摸到畫中的人時，我才算完成了人體肖像畫」。雷諾阿，雖然經歷也坎坷，但他的筆下，卻一直是「不讓你的眼睛，看見人世的傷心」，他花費一生的時間，去描驀生命的喜悅、圓滿、美好，看著那些畫，那樣明亮的色澤，那樣洋溢著生命力，即使我們明知，人生不如意事，十之常有七八，人生不是只有晴天，更多的時候，甚至是陰郁的，但我們也還是會被深深吸引，而且深信，這並不是痴人說夢，它們在，而且將延至永遠。
只有想不到沒有做不到 ！！！！ 世事的本相是：人有生老病死，怨憎會，愛別離，但是，也有明亮、美好、陽光……的一面，如雷諾阿的畫，那是理想中的境界，也是事實的一種，並不是虛幻。
我喜歡這幅畫的神秘感，寧靜又不乏靈動感，那是一種期待的感覺，可能是我的好奇心所致，每幅畫對於不同的人來說都會有不同的遐想、闡述、理解、以及意義...
中西的畫個人認為不好去比較，只能各取所長吧。。互相借鑒。。共同發展。。

㈣ 中外有名畫家的作品 也要作家名 列出畫的名稱和簡介

繪畫欣賞是提高審美能力，研究並吸取他人繪畫經驗與技能的重要而不可缺少的途徑，是不能忽視的專業活動。平時參觀美展，閱覽各種畫冊、美術圖片、美術報刊雜志等等，都是屬於這種活動的內容。在美術基礎學習的同時，如能重視美術欣賞，必將促進基礎學習成績的更快提高。

此章重點介紹部分中外美術家的水粉畫作品，並作一些介紹和分析，提供給讀者研究和參考。所介紹的作品，大多是屬於創作性質的，這是由於考慮到創作所包含的藝術內容更為全面廣泛，創作更能顯示畫家的風格與藝術水平。同時，在美術表現技法方面，可以提供廣泛的借鑒和學習的機會。

崖下（水彩）
[英]理查德·帕克斯·波寧頓

這是一幅透明的水彩畫，是19世紀英國水彩畫繁榮時期代表畫家的典型作品之一。通過欣賞，可以具體認識透明水彩畫與不透明水彩畫(即水粉畫)在表現方法與藝術特色方面的不同。作品的主題是表現英格蘭一個海灣中因潮汐而產生的船難場面。明亮山崖周圍的山、海岸的沉暗色調和畫面中的許多傾斜線，加強了險惡的恐怖氣氛。畫幅下面的人物動態和道具的處理也密切聯系主題，表示出不幸和悲哀。

此畫構圖完整，造型嚴謹，濃淡色調對比強烈，水色充分、流暢而透明，筆法也非常隨意而自然，具有傳統水彩畫的藝術特色。

作者在完成此作品不久，即因肺病而去世，時年26歲。

亨特是英國19世紀自然主義畫家。他擅長表現水果、花木、飛禽、鳥巢等題材。作品形象逼真，為同輩人所望塵莫及。《迎春花與雀巢》是他畫風發展到後期的典型作品，在此幅畫中可以看到，他使用的細密畫法，運用不透明顏色(水彩顏料和鋅白混合)，用各種不同的點彩方法，細微、緊密而真實地表現出對象，線條緊湊，色彩生動。他很少使用長筆觸。當時，曾有許多畫家爭相模仿這種精緻的作畫技巧。

迎春花與雀巢
[英]威廉·亨利·亨特

路易斯早年從事版畫藝術，後來創作水彩畫，至中年他旅遊東方，在阿拉伯度過了十年時間，以畫異國情調的中東風光而馳名。他以人物作為創作的重點，真實地反映出阿拉伯人民的生活。他用精美的線條、細巧的筆法和豐富的色彩、微妙的明暗調子，專門描寫那優美環境中的異國風情人物。《哈利姆生活》就是該時期最佳代表作品之一。作品背景中的門窗、鏡子、牆面紋樣等錯綜復雜，但卻處理得有條不紊，統一穩定，且顯示出室內的空間效果。作品製作中所採用的手法是英國當時許多水彩畫家普遍採用的，以透明水彩開始，然後用不透明水粉色深入刻畫而完成的方法。

哈利特生活
[英]約翰·弗雷德利克·路易斯

拜德明不僅是水彩畫家，也是一位版畫家。他常用透明的水彩色與不透明的水粉色結合作畫。他對自然具有莫大的興趣與熱情，喜歡將景物中所看到的一切不厭其煩地描繪出來，對細節也要求畫得盡善盡美。但這些細節都仍能統一在畫面整體之中，成為不可缺少的組成部分。他繼承文藝復興時期的傳統，以真實表現大自然的本來面目而形成與眾不同的個人畫風。《萊特利之春》是具有裝飾風味的風景畫，構圖內容極其繁雜，在起伏不平的坡地上，景物層層重疊，從地面引向天際，整體關系處理得有條不紊，表現出鄉村風光濃濃的春意和生氣勃勃的和平景象。景色中所有的樹叢、房屋、牛羊等等不管在遠或近處輪廓都很清楚，並描繪得十分具體。品種繁多的樹木，形體結構不同的房屋，也表現得富有變化而完美。屋邊牛羊成群，活動在靜謐的鄉景之中，陽光和煦、樹葉閃躍出早春特有的嫩綠光彩，這是一幅風格別致，富有情趣，具有水粉畫藝術特色的風景畫。

萊特利之春
[英]斯坦萊·羅伊·拜德明

這是前蘇聯畫家布特里斯的兩幅不同題材、不同構圖、不同色調、畫風粗獷、色彩濃重的不透明水彩畫。這類水彩畫，基本上都是使用透明色與不透明色結合起來繪制的，可以說大部分色層都遮蓋了紙面，失去了透明感，所以我們可以認為是屬於水粉畫范疇。這兩幅畫在表現手法上，強調單純鮮明的色彩與粗獷的深黑粗線條結合起來，色彩強烈明亮，使畫面效果顯示出力量，具有版畫的某些藝術特點。

5.立陶宛風景[蘇]布特里斯

《立陶宛風景》描繪的是丘陵山村風光。構圖中景物的疏密安排、色調的濃與淡、曲線與直線、大地的靜穆與雲天的流動等等，具有韻律感。景物的造型極其簡練，筆觸肯定明確而有力。弧形起伏的曲線，是畫面的基本結構因素，優美而渾厚。近處和遠處垂直站立的四座錐形景物與建築物的平行線、垂直線、曲線形成對比的美感，同時也使畫面產生穩定感。紅與綠、橙與青等對比補色的運用，使色感鮮明，畫面暗而不悶，既有對比又能諧調。

6.克拉依別斯基港
[蘇]布特里斯

《克拉依別斯基港》表現的是港口碼頭場景，構圖具有對稱形式特有的莊重感。畫面中的垂直、平行、傾斜等復雜的直線是畫面結構主要的形式因素，這直線群使主題表現得強烈而有力度，而畫正中的圓形太陽和橢圓拱門的弧形，與周圍的直線形成剛柔相濟之美。色調與前一幅不同

㈤ 中外著名畫家美術作品及其表現形式特點

談到齊白石，對這位「中國人民傑出的藝術家」、「世界文化名人」，不少中青年也許感到不熟悉，這里只從外國畫家對他的評價說起，談談白石老人的影響。
西班牙藝術大師畢加索曾說：「我不敢去你們中國，因為中國有個齊白石。」
齊白石是我們所崇敬的大師，「是東方一位了不起的畫家！」（畢加索語）。齊白石與吳昌碩、黃賓虹、潘天壽等不同，齊白石不是一位傳統意義上的文人畫家，其成功之處在於：他從文人畫家統治了數百年的中國畫領域，以一個農夫的質朴之情、以一顆率真的童子之心、運老辣生澀的文人之筆，開創出文人畫壇領域前所未有的境界。這種境界，得到了傳統文人階層與廣大平民百姓的交口稱贊，從而確立了齊白石在畫壇上的歷史性地位。他的繪畫充滿了泥土芬香、生活氣息，其作品既師造化又師古人，達到了民間藝術與傳統藝術的統一，寫生與寫意的統一，工筆與意筆的統一，無限生機躍然紙上。
1956年6月張大千曾去拜訪畢加索，三次而不得接見。張大千是一個不達目的不罷休的畫家，最後還是見到了畢加索，畢加索不說二話，搬出一捆畫來，張大千一幅一幅仔細欣賞，發現沒有一幅是畢加索自己的真品，全是臨齊白石的畫。看完後，畢加索對他說：「齊白石真是你們東方了不起的一位畫家！……中國畫師神奇呀！齊先生水墨畫的魚兒沒有上色，卻使人看到長河與游魚。那墨竹與蘭花更是我不能畫的。」他還對張大千說，「談到藝術，第一是你們的藝術，你們中國的藝術……」「我最不懂的，就是你們中國人為什麼要跑到巴黎來學藝術？」西方一位大畫師，這樣評價齊白石，由此可見齊白石的價值。
齊白石把生活中感興趣的和較熟悉的一切事物統統都搬進了他的畫面上。他的選材突破了單純的民間畫、學院畫之間的森嚴界限，歷史上從未有過任何畫傢具有他這種罕見的表現現實世界的熱情，他把平凡普通的事物作為畫材從而使自己的畫達到了空前的豐富。
蛙聲十里出山泉名畫賞析關於齊白石《蛙聲十里出山泉》的鑒賞和評價
畫青蛙，只畫幾只蝌蚪逆水而游動，旁邊是山石。據說這是老捨出題，有好多畫家參與，最後公認齊白石的最好。為什麼呢？
原來，欣賞藝術作品（包括文學作品，特別是詩歌），都離不開鑒賞者的生活經驗，，人們依據做平所寄託的意象，也就是畫面的形象，喚起生活積累，展開聯想和想像，從中就會感受到一種藝術美，將畫面還原成生活現實。
具體來說，由畫面上那幾只蝌蚪，我們想到，蝌蚪是青蛙的卵變成的，自然就想起青蛙；青蛙在交配前，都有一段談情說愛的日子，他們不停鳴叫，，這就是「聽取蛙聲一片」。所以說，沒有青蛙就沒有蝌蚪，換句話說，有蝌蚪必定有青蛙。
再看畫面上的蝌蚪，它們逆水而游，並非順水而下，這意味著，這里是它們的故鄉，這里有它們的爸爸媽媽，它們不能離開這里。那它們的父母又在何處呢？也許，它們正躲在旁邊的大石底下，饒有興趣的看著自己的子女在嬉戲呢。只不過，畫面上沒畫出它們罷了。
主要作品：
蝦趣圖 千帆過盡圖 古人造像
齊白石墓
位於海淀區魏公村西南原湘潭公墓內。墓南北向，佔地88平方米，墓地為方形磨石拼接而成，兩墓並立，西側為其繼室胡寶珠之墓，周圍植有松牆。1982年重修，碑文為李苦禪所書。齊白石（1863－1957），傑出的中國畫家，曾任中國美術家協會主席，北京中國畫院名譽院長等職。
齊白石墓墓地是質朴無華，和他那水墨畫卷一樣。墓前的碑石是用花崗石鐫刻的，字是篆體。這是齊白石生前親自預備下的，上面寫著「湘潭齊白石墓」六個大字。旁邊是他繼室胡寶珠的墓。
齊白石作品集
《蛙聲十里出山泉》、《古樹歸鴉 》、《 逋蝶 》《羅浮覓句圖》 、《借山吟館詩草》、《白石詩草》、《白石印草》、《白石老人自傳》、《齊白石全集》

㈥ 簡述中外兒童美術作品的區別

國外的作品比較注重創意，所以很隨性，國內的注重模仿，所以比較循規蹈矩

㈦ 結合1,2幅中外經典美術鑒賞作品，談談中國與西洋畫的區別

最主要的是透視和表現方法的區別，中國是多視點透視。西畫是單視點透視。而表現方法上中國畫是以抓特徵為主而西畫是寫實為主。但要詳細了解中國畫和西畫的區別，起碼應該是一本厚厚的教科書吧。

㈧ 列舉中外美術史上著名藝術家及作品

中外美術史上著名藝術家及作品包括：

1達芬奇 《蒙娜麗莎的微笑》《 最後的晚餐》

2愛德華· 孟克 《吶喊 》

3米勒 《拾穗者 》

4拉菲爾《西斯廷聖母》

5米開朗琪羅《大衛》

6莫奈《日出》

7梵谷《向日葵》

8塞尚《紅紗發上的塞尚夫人》

9畢加索《格爾尼卡》

10拉斐爾 《 披紗女子像》《椅中聖母》

11梵•高《星夜》、《向日葵》。

12塞尚 《穿紅馬甲的孩子》、《紅椅上的塞尚夫人》、《靜物》等

13高更.《拿水果的婦女》

14丟勒《拾麥穗者》

15徐悲鴻 《八駿圖》、《愚公移山》

16齊白石（《蝦》、《蟹》、《牡丹》、《牽牛花》、《蛙聲十里出山泉》等等

17張大千（《來人吳中三隱》、《石濤山水》、《梅清山水》

18林風眠《海濱》

19關山月《嘉陵江碼頭》、《岷江之秋》、《黃河冰封》及《祁連放牧》

20劉海栗《夕陽》、《河邊》、《湖光》、《塞納河橋》

㈨ 舉例說明一下中外美術作品的藝術美

美術作品的藝術美

一、藝術美的來源。美術作品藝術美究竟意味著什麼，它與現實生活、藝術家的創造，美術語言等有什麼樣的關系，則是需要認真加以思考才能給予回答的。美術作品的藝術美與自然美、現實美以及人類的社會生活形態具有很大的差別，但從根源上看，前者來源於後者，也就說，只有實現生活才是藝術作品中藝術美的源泉。什麼是現實生活呢？從它的范圍來說，就是多種生活（政治生活、經濟生活、文化生活等等）的相互滲透、相互聯系的現實整體，或者說我們每天置身於其中的活生生的現實情境本身。從價值上來說，它既包含著真善美，也有假惡丑。每個時代都有其自身的當代性。從這種意義上說，任何時代的美術作品中的藝術美首先就是反映了這種當代性的社會生活的結果。藝術作品中的藝術美不僅來自現實生活，而且自然界的美。印象派美術作品中光和色，中國畫山水中意境的特定美感都是藝術家們研究自然，「外師造化」，「行萬里路」的結果。所以，美術作品中的藝術美從根本說，來源於人類的現實生活，來自對大自然的深切感受，是美術家對社會生活和自然界的審美體驗的物化形態。毛澤東有精闢的論述：「人民生活中本來存在著文學藝術原料的礦藏，這是自然形態的東西，是粗糙的東西，但也是最生動、最豐富、最基本的東西；在這點上說，它們使一切文學藝術相形見絀。它們是一切文學藝術的取之不盡，用之不竭的唯一源泉。
二、藝術美的特徵。黑格爾認為：「藝術美高於自然，因為藝術美是由心靈產生和再生的美，心靈和它的產品比自然和它的現象高多少，藝術美也就比自然美高多少」黑格爾在這里所說的「自然」不僅包括自然美，也包括社會生活。我們可以說現實生活總是處在流動、變化、轉瞬即逝的狀態之中，它就象奔騰不息的江河那樣不能使自己停留。美術作品中藝術美則猶如一個水壩，能截住流動和生活，並把它們轉化為包含了觀念和意義的物質形態。這樣，美術作品中的藝術美就超越了生活自身流動的特點而具有永恆性。在美術品中的藝術美中注入了美術家的理想和願望，從而也就使它在思想上具有導向性，在情感上具有感染力。美術作品藝術美的另一大特徵是它的創造性。現實生活及其美是原生態的，它就是它自身，而美術作品中的美，如上所述，則是藝術家對現實生活及其美進行觀察、體驗、思考的結果。美術家的特殊個性，理想和對生活的洞察力，能改造生活的原生形態而使其作品富有創造性。

藝術美是由藝術家通過美術的語言元素和語言規則創造出來的藝術所特有的美。美術作品中的藝術美不是同等於現實中的「漂亮」和「好看」，而是通過特定的美術現象表現出來的藝術自身的「美」。
構成形式的主要三個方面：
1，美術的語言元素
2，語言手段
3，語言規則

比如繪畫，世界各國的繪畫藝術表現形式大體上分可寫實的、抽象的和意象的三大
類。
寫實的，也叫具象繪畫。20世紀以前的西方繪畫，多是寫實主義的。不
論是古典的繪畫，還是當代的繪畫，都是以精心描繪客觀存在的事物為主。
豐富的色彩、惟妙惟肖的寫照，產生了很多傑出的油畫家、版畫家。中國古
代最初也主張寫形，《爾雅》說： 「畫，形也。」但不久，顧愷之就提出「傳
神寫照」的著名論點，即不但要畫得像，還要畫出事物的精神面貌。這一點，
西方 20 世紀以前的寫實的繪畫藝術和中國畫形神兼備的繪畫藝術的理論大
致相同，只是表現形式和繪畫所用的工具和材料不同。
20 世紀以後，西方繪畫由寫實主義逐漸演變成各種現代流派，如印象
派、野獸派、立體派等。以後，由達達主義所開始的現代藝術，20 世紀 50
年代發展到高峰，60年代開始走向沒落。達達主義認為：藝術是非理性的暴
露，口號是「破壞就是創造」。達達主義的代表人物是瑞士馬塞爾·杜桑。
抽象和抽象主義並不是一回事。以中國的畫史來說，由彩陶時期到春秋戰國，
繪畫是一種抽象的描繪，它充滿了神話幻想的形象，但和現代的「抽象主義」
迥然不同。比如，西安半坡出土的彩陶盆上的人面魚紋圖形，就是一幅抽象
的圖形。人面頭頂戴著盛飾的三角形帽子，面頰及嘴角兩邊各銜著兩條魚，
面部眉以上、嘴以下都塗上了裝飾性色彩。距離人面正前方，還有一條很大
的魚。它表現什麼內容呢？據考證，人面圖形是氏族社會部落成員舉行宗教
活動的化裝形象，面頰及嘴角兩邊的魚形紋，可能與圖騰紋身有關。人口銜
魚，大約是表現了漁獵季節開始時，人們祈求獲得大量食物的願望。這一富
有想像力的抽象藝術，表達了原始人對勞動生活的情感和認識。還有很多帛
畫，塑造的都是充滿浪漫主義的神話人物和迷信思想。它們是反映社會生活
中某種觀念和人的情感的抽象繪畫。抽象的藝術，給人以遐想，給人以美感，
是能為人們接受的。西方有很多藝術作品，如後期印象派繪畫，是一些具有
生活情調的抽象藝術，看了同樣非常令人神往。我們反對的只是那些荒誕的
作品。
還有一類，就是意象的繪畫。這種繪畫是中國所特有的，是在中國的土
地上生根、發芽、成長的一門藝術。它是幾千年來中華民族繪畫藝術的結晶，
是把書法、詩詞與繪畫交融在一起的美的創造。這種形式揭示了中國畫的本
質——意象，是借物象以寄託作者思想、情感的藝術，是「物我合一」的藝
術表現。
什麼是中國畫的藝術美呢？
不同時代、不同階級的人們對繪畫的藝術美的評價是不一樣的。以中國
的山水畫來說，它是在長期封建專制政治的壓迫及一般士大夫的利慾熏心的
現實之下，畫家想超脫現實、回歸自然，為了獲得精神自由，藉以保持精神
純潔，陶冶情操，解除郁悶而逐步形成的。這是1000年來山水畫所以成為重
點內容的原因之所在。
今天，我們處在一個朝氣蓬勃的新時代。生活在這個時代，就應當用時
代的觀念，正確理解時代的精神，用藝術形式表達出來。
缺少了藝術，在心靈上便會是一片冰冷的荒漠。藝術能激起青少年們無
窮的力量，喚起青少年對理想的追求，獲得精神世界的升華。繪畫作品的美
滲透人心靈之中，使人賞心悅目、心曠神怡，使身心得以娛樂和休息。在這
個過程中，繪畫藝術提高了人們的思想境界，美化了人生，使人受到潛移默
化的教育。因此，繪畫應當起到如下兩方面的作用：一是給人以愉悅美感，
陶冶人們的情操。二是給人以教育，使人們生活得高尚、純真，使人們奮發
向上。
生活是我們認識客觀世界，創造繪畫藝術的源泉。藝術雖不等於生活，
但生活就如同空氣和水一樣，離開了它，藝術生命也就停止了。不接近生活，
只是漫無邊際的遐想，玩弄筆墨，閉門造車，就畫不出鼓舞人心的作品。在
中國歷史上，明清兩代500多年的繪畫，多是脫離生活，專事模仿，以至於
在山水畫里，所畫的人物，都是穿著宋元時期的服飾；沒有一個人是穿明、
清朝服裝的。脫離生活到了這種地步，可悲可嘆！幸虧還有幾位和尚逸民造
了反，反對一味臨摹，而是「搜盡奇峰打草稿」，使中國畫前進了一大步。
在欣賞和創作中國畫時，必須考慮三個問題。
第一，我們應當看畫上是否表現了時代氣息。
不同時代的人受著不同時代的思想、道德的影響與制約，在審美認識上
呈現出強烈的差異性。中國古代從晚唐五代開始，婦女以纏足為美。那時的
人物畫中，很多是畫「三寸金蓮」的。如今時代變了，在今天人們眼裡它是
一種丑態、病態。又如，在山水畫點景中，常常畫個穿著古裝的老頭拄著拐
杖，彎著腰或看山，或獨釣。試想如果今天畫一幅河山圖，歌頌江山多嬌，
再畫一個這樣的老頭看山，就很不協調了。
今天我們歡迎的是表現健康的，與人民的情感息息相通的中國畫作品。
比如畫山水，帶著對祖國河山美好的感情和藝術表現的慾望去描畫，作品才
能給予人一派美妙的壯麗河山。表現生活的作品，要向世界樹立一種中華民
族堅韌不拔，為理想而奮斗的民族形象。時代在不斷發展，對客觀世界要不
斷認識，這樣我們才有可能創造出嶄新的有時代的氣息的作品。
我們反對一味在古畫中兜圈子，把自己禁錮在古人們所生活的氛圍之
中。我們的生活，既不同於古人，也不同於外國人。我們應當在自己生活的
田園中，去發掘美，表現美。
第二，我們應當看畫上是否表現了清新的意境。
關於意境，前面已講到一些，由於意境說是中國畫美學的本質，在中國
畫的創作中是至關重要的。因此，不妨把這個問題再詳細談一談。
什麼叫意境？很難下一個確切的定義。我們可以從以下幾方面來探討。
意境說早在唐代已經產生。如果探究其思想根源，可以一直追溯到老子
和莊子的美學觀點。
老子認為，天地萬物都是「無」和「有」的統一，「虛」和「實」的統
一。有了這種統一，天地萬物才能流動、運化，才能生生不息。老子的這種
思想，對中國古典美學的發展影響很大。「虛實結合」成了中國古典美學的
一條重要原則，認為只有這樣才能真實反映有生命的世界。
莊子認為，天地萬物是有形和無形，虛和實的統一。形象，並不只是有
形的形象，而應該是有形和無形相結合的形象。
老子、莊子的這種思想，對於中國古典藝術中意境的創造，影響十分巨
大。
我們在談論中國畫的本質時，常常提到兩個概念，一個叫「意象」，另
一個叫「意境」。

㈩ 中外美術作品有哪些

張擇端 《清明上河圖》 中國古代
文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷蘭 《向日回葵》
伊里亞答.葉菲莫維奇.列賓《伏爾加河上的纖夫》
還有的我說名字，你去查吧《蒙娜麗莎》
《最後的晚餐》