美國國家美術

『壹』 求美國國家美術館東館的CAD圖和具體數據,,

下載地址
http://sketchup.google.com/3dwarehouse/details?mid=&prevstart=0

http://sketchup.google.com/3dwarehouse/details?mid=&prevstart=24

聯絡網頁：http://www.nga.gov/xio/phone.shtm

另外美國國家美術館官網里有著一些有關東館設計的草圖，希望對你有幫助：
1. http://www.nga.gov/collection/20th_design.shtm
2. http://www.nga.gov/exhibitions/eastbuilding/facade.htm
3. http://www.nga.gov/collection/20th_atrium.shtm
4. http://www.nga.gov/collection/20th_images.shtm

俗話說授人以魚 不如授人以漁
首先查維基網路 得知美國國家美術館英文名為National Gallery of Art
然後得知美國國家美術館東館英文名為National Gallery of Art - East Building
然後上GOOG3D模型庫找模型http://sketchup.google.com/3dwarehouse/
OK

『貳』 美國國家美術館的各立面圖，

只有各個平面 以及貝律銘的草圖。。。還有一個SU模型。。。不過有SU模型的話 畫立面和做模型是沒有問題的。。。我先給你發過去。。。

『叄』 美國國家美術館的介紹

美國國家美術館，位於美國國會大廈西階，國家大草坪北邊和賓夕法尼亞大街夾角地帶，由兩座風格迥然不同的花崗岩建築組成，一座在西，為新古典式建築，有著古希臘建築風格；一座在東，是一幢充滿現代風格的三角形建築。兩座建築共同組成了美國國家美術館。這兩座建築中，西邊的一座長240米，底層建築面積4.7萬平方米。

『肆』 美國國家美術館東館立面圖

美國國家美術館東館立面圖如下：

美國國家美術館東館位於回一塊3.64公頃的梯形地段答上，東望國會大廈,南臨林蔭廣場，北面斜靠賓夕法尼亞大道,西隔 100餘米正對西館東翼。附近多是古典風格的重要公共建築。同時，業主又提出了許多特殊要求。貝聿銘綜合考慮這些因素，用一條對角線把梯形分成兩個三角形。西北部面積較大，是等腰三角形，底邊朝西館，以這部分作展覽館。三個角上突起斷面為平行四邊形的四稜柱體。東南部是直角三角形，為研究中心和行政管理機構用房。對角線上築實牆，兩部分在第四層相通。這種劃分使兩大部分在體形上有明顯的區別，但又不失為一個整體。

『伍』 美國國家美術館東館的具體的尺寸資料

國家美術館東館，美國華盛頓（1978年）
建築師：貝聿銘
對貝聿銘而言，國家美術館的擴建，不是在基地上創造一幢單純的建築物，基地受
條件限制，與原有館舍的配合，在華盛頓的地位、建築計劃的需求等，這些都是艱巨的
挑戰。
1978年落成的華盛頓國家美術館東館，包括陳列館和藝術研究中心兩部分。它在議
會大廈和白宮之間，是白宮前最後一塊空地，位置很重要。但是地段的形狀不完整，是
個斜角的楔（梯形）。因為東館是整個美術館的一部分，所以它的大門必須面向1941年
建的舊館（一座新古典形式的建築）。同時，陳列館和研究中心兩部分要求有分有合，
各自有出入口。這通常會帶來一些麻煩：在一個面上設兩個門，處理得不好，會使人感
到一個是大門，一個是「狗洞」。設計者把梯形分成兩個三角形：一個大的等腰三角形，
做陳列館；一個較小的直角三角形，做研究中心。進陳列館的大門設在等腰三角形的底
邊，研究中心的小門設在兩個三角形之間的凹縫里。這座建築的整個構思都是由三角形
變化出來的，沒有一般的矩形空間。造型既清閑簡潔而又莊重典雅。陳列館的中心是個
多層空間，有縱橫天橋聯接，中央大廳頂部為玻璃天窗，中間有縱橫跨過的棧橋或挑出
及四進的廊子。參觀者在其中走動時，步移景隨，空間景象變化萬端。東館與古典主義
的老館及附近的美國國會大廈相鄰，在對比中又有配合。開幕時由卡特總統親自剪綵，
他稱贊這座建築是世界上最好的美術館。

『陸』 美國國家美術東館的具體資料

東館1978年落成。它包括展出藝術品的展覽館、視覺藝術研究中心和行政管理機構用房。貝聿銘設計。
東館周圍是重要的紀念性建築，業主又提出許多特殊要求。貝聿銘綜合考慮了這些因素，妥善地解決了復雜而困難的設計問題，因而蜚聲世界建築界，並獲得美國建築師協會金質獎章。
東館位於一塊3.64公頃的梯形地段上，東望國會大廈,南臨林蔭廣場，北面斜靠賓夕法尼亞大道,西隔 100餘米正對西館東翼。附近多是古典風格的重要公共建築。貝聿銘用一條對角線把梯形分成兩個三角形。西北部面積較大，是等腰三角形，底邊朝西館，以這部分作展覽館。三個角上突起斷面為平行四邊形的四稜柱體。東南部是直角三角形，為研究中心和行政管理機構用房。對角線上築實牆，兩部分只在第四層相通。這種劃分使兩大部分在體形上有明顯的區別，但整個建築又不失為一個整體。
展覽館和研究中心的入口都安排在西面一個長方形凹框中。展覽館入口寬闊醒目，它的中軸線在西館的東西軸線的延長線上，加強了兩者的聯系。研究中心的入口偏處一隅，不引人注目。劃分這兩個入口的是一個棱邊朝外的三稜柱體，淺淺的棱線,清晰的陰影,使兩個入口既分又合，整個立面既對稱又不完全對稱。展覽館入口北側有大型銅雕，無論就其位置、立意和形象來說，都與建築緊密結合，相得益彰。
東西館之間的小廣場鋪花崗石地面，與南北兩邊的交通幹道區分開來。廣場中央布置噴泉、水幕，還有五個大小不一的三棱錐體，是建築小品，也是廣場地下餐廳藉以採光的天窗。廣場上的水幕、噴泉跌落而下，形成瀑布景色，日光傾瀉，水聲汨汨。觀眾沿地下通道自西館來，可在此小憩，再乘自動步道到東館大廳的底層。
展覽館美術館館長J.C.布朗認為歐美一些美術館過於庄嚴，類若神殿，使人望而生畏；還有一些美術館過於崇尚空間的靈活性，大而無當，往往使人疲乏、厭倦。因此，他要求東館應該有一種親切宜人的氣氛和賓至如歸的感覺。安放藝術品的應該是「房子」而不是「殿堂」，要使觀眾來此如同在家裡安閑自在地觀賞家藏珍品。他還認為建築應該有個中心，提供一種方向感。為此，貝聿銘把三角形大廳作為中心，展覽室圍繞它布置。觀眾通過樓梯、自動扶梯、平台和天橋出入各個展覽室。透過大廳開敞部分還可以看到周圍建築，從而辨別方向。廳內布置樹木、長椅，通道上也布置一些藝術品。大廳高25米，頂上是25個三棱錐組成的鋼網架天窗。自然光經過天窗上一個個小遮陽鏡折射、漫射之後，落在華麗的大理石牆面和天橋、平台上，非常柔和。天窗架下懸掛著美國雕塑家A.考爾德的動態雕塑。
東館的設計在許多地方若明若暗地隱喻西館，而手法風格各異，旨趣妙在似與不似之間。東館內外所用的大理石的色彩、產地以至牆面分格和分縫寬度都與西館相同。但東館的天橋、平台等鋼筋混凝土水平構件用樅木作模板,表面精細,不貼大理石。混凝土的顏色同牆面上貼的大理石顏色接近，而紋理質感不同。
東館的展覽室可以根據展品和管理者的意圖調整平面形狀和尺寸，有些房間還可以調整天花高度，這樣就避免了大而無當，而取得真正的靈活性，使觀眾覺得藝術品的安放各得其所。按照布朗的要求，視覺藝術中心帶有中世紀修道院和圖書館的色彩。七層閱覽室都面向較為封閉的、光線稍暗的大廳，力圖創造一種使人陷入沉思的神秘、寧靜的氣氛。

『柒』 美國獨有的藝術

美國獨有的藝術
在我們印象中，二戰之前的全球「藝術中心」是在法國巴黎。可到了二戰之後，美國出現了抽象表現主義和70年代初期及後來的超級寫實，七八十年代至今的多元化、多流派的宏偉局面。這一來，美國不只是政治、經濟、文化的國際超強，也是藝術上的超強。
有一點必須注意，很多人認為美國的藝術「生態區」只集中於紐約這個大都會，忽略了華盛頓、芝加哥、得克薩斯、路易斯安那、加利福尼亞、西部多個城市和地區的藝術發展和面貌。如此的無知、偏頗，導致我們對一個美術大國的了解，有欠全面和客觀。
美國是政治、經濟、文化大國，雖然像其他大國強國一樣，美國也存在毒品泛濫、暴力充斥、貧富懸殊、道德淪喪等問題。可是在藝術發展上，美國財力雄厚、資金充足、人才眾多，有助於他們創造藝術的偉大城邦。
無可否認，紐約是一個散發光芒的藝術「熱點」，證明資料是：紐約有10萬名注冊的專職畫家，美術館、畫廊、工作室及拍賣行都在這里出現。問題是紐約寸土尺金，租金昂貴，再加上設施不足、人口飽和，長期來說非常不利於藝術家的發展和創作，因而導致大批畫家「外逃」。
其實，使紐約以外地區成為重要的藝術發展中心，原因還有：美國國家藝術基金會每年撥款上億美元給各州的「藝術委員會」，每州所得也高達50萬到上千萬美元，這無疑為紐約以外地區的藝術打了一支「糧草充足」的強心針。
以移民最多的州——加利福尼亞州為例，1973年時政府撥款是20萬9000美元，到1981年撥款數目就增加到1020萬5000美元。此外美國各州和各個藝術機構還有向社會籌款的自由。資料說，目前美國藝術機構多達10萬個，用在藝術上的款項是國家藝術基金撥款的11倍。
美國國家藝術理事會主席威廉·費里斯（WilliamFillis）曾向政府建議，全國性設立藝術活動網路，使美國各州、盛市也分到藝術撥款的「蛋糕」。
美國各州中，最早在紐約之外地區「自立門戶」的是芝加哥，芝加哥位於美國中西部核心，地扼五大湖交會處，工業發達、大學林立，交通和運輸業也很興旺。芝加哥的建築早已聞名於世。當紐約在搞普普藝術時，芝加哥同時有自己的普普藝術家。著名代表有「毛茸茸集團」的柏切（Paschke）和尼爾遜（Neilson）和吉姆·納特（JimNutt）等。
芝加哥之外，路易斯安那州也值得注意。它位於美國南方，與拉丁美洲的加勒比海為鄰，也靠近美國第一大河密西西比河，是美國黑人文化及爵士樂的搖籃。而得克薩斯在美國西部，「盛產」牛仔和紅印第安人，作品以表現當地風情為主，該州出了一個彼得·索爾（Peter
Saul），也是著名的普普藝術家。此外得州在1980年至2000年，也有一個新表現主義的流派，雖然題材是從當地民俗中吸取養料，風格也非常強勁有力，代表畫家有貝茲（Bates），她畫風景、靜物和人物。
陽光普照的加利福尼亞州是美國最大一個州，有兩個藝術中心，北邊舊金山南邊洛杉磯。大批的外來移民帶來世界各民族的文化，加利福尼亞州的文化面貌也因此深具國際色彩。加利福尼亞州的美術館也聞名於世。

『捌』 美國美術教育和中國美術教育的區別

兩國美術教育的區別主要體現在教育方式和側重點上。
舉個例子，畫一個蘋果。我國的美術教師一般都是拿一個蘋果放到講台上，再介紹畫蘋果的步驟，最後學生畫蘋果，看誰畫得象。美國的美術教師先把學生帶到蘋果園，讓每個同學摘一個蘋果，觀察蘋果的外觀，結構特點(可以吃一口)。再把學生帶回教室，畫蘋果。比誰畫的畫更富有想像力。
個人認為兩國美術教育互補性。

『玖』 19世紀下半葉的美國美術是如何發展的

以美國南北戰爭為界線，標志著美國藝術開始走向全面成熟的時期，無論是在風景畫、肖像畫還是在風俗畫方面都出現了一批掌握了純熟繪畫技巧，能充分展示自己的個性，並且能深刻反映美國人民現實生活和思想感情的藝術家。

溫斯洛·霍默（Winslow Homer，1836—1910）被認為是美國19世紀最偉大的畫家。他出生於波士頓的一個中產階級家庭。父親是一個善良的商人，母親受過良好教育，這使霍默從小就生活在一個藝術環境之中。後來霍默在紐約全國美術設計學院接受了正規的藝術教育。霍默的藝術是典型的美國藝術。他早年的作品表現美國人民愉快的生活，中年的作品則是戰爭時代的記錄，晚年在緬因州海岸畫的反映漁民生活的畫面，氣勢磅礴，感情深厚，成為美國精神的象徵。

霍默又是美國第一代風俗畫家。他早期從事版畫製作，主要描繪美國人民樂觀的性格，充滿了生氣，在構圖與造型上都有一種臨場效果，動作的隨意性、構圖的不完整性為其特徵，這與當時版畫的新聞性有關，運用於油畫中則成一種新風格。南北戰爭成為霍默藝術的轉折點。他作為美術記者隨軍采訪並根據戰地速寫畫了一批反映戰爭生活的油畫，如《前方來的俘虜》。戰後大批青年人赴歐學畫，民族畫派受到冷落，霍默有些失意，於是轉向水彩畫創作，在偏僻的鄉村探索自己對自然和生活的感受。他畫海洋瞬息變化的氣候，用筆有一種自然力量。其作品1890年獲得巴黎國際博覽會金質獎章。代表作品有《海流》（1899）等。

托馬斯·伊肯斯（Thomas Eakins，1844—1916）是美國著名的現實主義畫家。伊肯斯生於賓夕法尼亞，最初就學於賓夕法尼亞美術學院，1866年從費城到巴黎，在學畫過程中受馬奈影響很大。隨後又到西班牙，受委拉斯貴支繪畫的影響。1870年，伊肯斯回到費城任教於賓州美術學院附中，開始探索現實主義的教學方法，主要畫日常生活題材，包括家庭風俗畫、戶外運動場景和肖像畫。他的代表作品有《格羅斯病院》（1875）等。伊肯斯早先的人物畫多表現行動中的人，構圖較復雜，包含自然的與人文的形式，如橋、帆船、賽艇等，在《轉過標樁》和《游泳池塘》等畫中作為基本的因素組合在構圖中。室外場景畫也包括外光、色彩和氣候等復雜因素，最後的室外題材《荒野上的牛仔》是他所有作品中色彩最響亮和最單純的。他的後期創作主要是肖像畫，他的肖像畫不是組合形式的，而是單一的靜態人物，通常襯以樸素的、無物體的背景，這是一種中心形式的構圖，強化了造型感。伊肯斯是第一個接受當代美國都市生活的重要藝術家，並從中創造出有表現力的藝術，他使美國的現實主義傳統走向成熟。

卡薩特（Mary Stevenson Cassatt，一1926），1844年生於美國賓夕法尼亞州的阿勒格尼城，曾隨父母游歷於歐洲。1861年她不顧家人的反對考取了費城的賓夕法尼亞美術學院，開始了藝術生涯。但她對此院的教學感到不滿，教條式的學院課程使她的創造力和自由受到壓抑，於1866年夏天來到巴黎。除了臨摹盧浮宮的先輩大師作品外，她也到巴黎沙龍學習同時代藝術家的作品。1867年她參觀了庫爾貝和馬奈的畫展，對馬奈作品很有興趣。1872年春，卡薩特向巴黎沙龍送的第一件作品《狂歡節日之前》被接受，其後兩年她都送作品參加沙龍的展覽。1874年，她的一幅中年婦女肖像畫在沙龍展出，受到德加的高度評價。1879年，應德加的邀請，卡薩特參加了印象派畫展，直到1886年這段時間，她始終是印象派的活躍成員。1879年展出的《藍色扶手椅中的小女孩》和作於1883年的《穿黑衣的婦女》是她的代表作品。前者用筆豪放，傳達出的卻是一片寧靜、安逸的氣氛；後者則表現出東方藝術對她的影響，尤其是背景上的扇子，具有濃郁的東方風味。1886年以後她的作品進入新的風格階段，開始追求簡潔、穩定的構圖，注意力多放在母親和孩子的題材上。她的《埃米和她的孩子》（1899）用筆流暢，但避免了過分闊大的筆觸，認為那是印象派的標簽，可見她這時在內容和手法上都體現出與印象派不同的風格。1890年在日本版畫的影響下，她創作了一套十色凹版畫，包括《洗澡》、《梳洗》、《書信》等。1900年後，卡薩特的創作進入後期，這也是她多產的時期，作為母於題材畫家的聲望日益提高，在歐洲局勢動盪不安的情況下，人們能從她的畫中感受到一種親切的懷舊之情。

約翰·辛格·薩金特（John Singer Sangent，1856—1925）生於義大利的佛羅倫薩。童年隨母親漫遊歐洲各地，1870年到1874年在佛羅倫薩美術學院接受系統的教育，1874年定居於巴黎，考人卡羅勒斯一杜朗（Carolus—Duran）的畫室學習。卡羅勒斯是一位肖像畫家，運用著嚴格的現實主義手法，薩金特很快成了他最得意的學生，同時也將自己的才能集中到肖像畫上。1877年薩金特的一幅畫被沙龍接受。1878年他根據海景及漁民生活的速寫創作的油畫《坎卡爾的拾牡朗者》為他贏得名聲，標志著他在職業藝術界的第一次成功。1879年，薩金特到西班牙旅行，臨摹了許多大師的作品，其中受委拉斯貴支的影響很大，並完成第二幅大畫《埃爾·傑莉奧》。此後他作為一名肖像畫家名重一時，《卡羅勒斯一杜朗肖像》、《波依特的四個女兒》等都是這時期的代表作。在英國皇家協會展出的《維克三姐妹》、《少女和玫瑰》和《亨利·懷特夫人》體現了他敏銳的觀察力及卓越的技巧，畫面富麗典雅。到了80年代，薩金特的作品越來越精彩，他特別喜歡用光的效果來突出質感和面料的感覺。1884年在沙龍展出了《高特魯夫人》肖像。1885年移居英國後，他對外光景色發生了興趣，畫了不少速寫，並創作了《康乃馨、百合花及玫瑰》。整個90年代是薩金特事業的頂峰，1897年他被選人紐約全國美術設計學院、倫敦皇家藝術學院和法國勛級會。他後期的肖像畫代表作有《河格紐夫人》及《溫德姆三姐妹》。1899年，他接受美國波士頓公共圖書館的建築裝飾設計及壁畫設計的任務，此間還畫了《埃及少女》。風景畫是薩金特的另一主要成就，1905年以後水彩成為他旅行寫生的工具，創作了許多優秀作品，如《修帆》（1905）、《阿拉伯馬廄》。晚期他還創作過兩幅以第一次世界大戰為題材的壁畫。20世紀以來，現代派潮流沖擊歐洲畫壇的時候，他始終堅持了現實主義藝術道路。

艾伯特·賓漢姆·賴德（Albent Pinkham Ryder，1847—1917）是美國19世紀最重要的浪漫主義畫家。他出生於馬薩諸塞州的新貝德福德。雖然他一直住在紐約的貧民區，但他的繪畫題材大都是海景和其他風景。他的繪畫充滿了怪誕與夢幻，色彩奇麗，用筆厚重。雖然他訪問過歐洲，但沒有受歐洲繪畫的影響，而是始終在探索自己的內心世界。賴德留下的重要作品有《阿登的森林》（1888—1900）《海上月光》和《白馬上的死神》（約1910）等。