怎麼學美術史
美術史論在美術高考時是不用考的。但你進入大學後，如果學的是繪畫，即純藝就要多到圖書館了解美術史論了。想要繼續考研或者出國留學就要熟悉這理論知識，當然專業水平更重要。
㈡ 大學裡面，美術史專業是學什麼
人文學院：美術史系
中央美術學院美術史系是新中國第一個美術史系，它是集研究、教學和學術交流為一體的專門機構，多年來為國內外培養了大量的美術史、藝術品鑒定、美術理論和美術批評方面的特殊人才。2002年4月，人文學院的美術史專業經北京市學位委員會正式認定為全國普通高等學校北京市重點學科。現已成為國內一流的規范學科，是由國際著名學者和國家級專家組成的學術集體。
2003年10月28日中央美術學院人文學院成立之後，美術史系成為人文學院下屬的一個系。美術史系現有教師12人，其中教授3人，副教授4人，講師4人，助教1人。根據學科特點，按專業分為中國美術史教研室、外國美術史教研室、美術理論教研室。由三個教研室分別編寫的《中國美術簡史》、《外國美術簡史》和《美術概論》，作為人文學院美術史論教學的基本教材，也在國內兄弟院校中被廣泛選用。
人文學院成立之後，在本科教學階段，美術史系承擔的教學工作是：一、中央美院全院的理論基礎課，即藝術概論，中國美術史，外國美術史；二、人文學院本科生一、二年級美術史學專業基礎課的教學；三、美術史系三、四年級的專業課教學和學士學位論文的指導。
進入新世紀之後，隨著社會和文化的變遷，美術史系在教學與學術研究上也正在經歷一個新的發展階段。美術史系除繼續保持已有的學科優勢、推進其發展之外，也在根據國際學術發展的態勢，主動擴充和拓展相關的教學內容和研究領域。近幾年來，美術史學系在視覺文化，西方女性主義美術史，新中國美術史，東方美術史的研究和教學上，已初顯其成就。
中央美術學院人文學院美術史系作為新中國成立之後在全國開設的第一個美術史論專業，在美術史論方面積累了豐富的教學經驗和深厚的學術傳統。我們將以此為基礎，再結合中央美術學院在視覺藝術領域中的資源優勢，盡職盡責地為國家和社會培養合格的美術史論人才，如大專院校的美術史論教師，出版社、報刊、雜志的美術編輯，電視台、電台的美術編導，美術館、博物館的研究人員等。2007年本系在北京成功主辦"首屆全國高等藝術院校美術史學教育年會"，並率先倡導年會制度。
㈢ 美術史論究竟是一門怎樣的學科
美術史論，包括兩大方面，一方面是史，一方面是論。具體來說：
美術史，又可分為美術的歷史和美術史，一個作為美術史的子學科（art history），一個作為歷史學的子學科（history of art）。作為美術史的子學科，傾向於研究藝術的形式、創作規律、風格演變，甚至包括我們在對宗教美術、民間美術等研究過程中概括總結的「圖式」，如「畫稿」等，這些算是內部美術史的研究。作為歷史學的子學科，主要運用的是「圖像學」的研究方法，不再過多關注藝術作品的價值（也就是畫得好與不好），而是分析圖裡面有什麼內容，反映了什麼樣的社會觀念，有什麼樣的意義等問題，這個方面來說即使不是學美術的也能做。但目前來說，往往都是交叉進行的；講求學科交叉的今天，圖像已經成為一個平台，美術史學者、歷史學者、社會學家、人類學家、經濟學家等都從自己的學科角度出發來共同理解這幅畫，對畫的理解和認識，就是今天對美術史研究的主要方面。如果僅僅是「以圖證史」「以圖補史」「以圖糾史」，那麼其研究實際是偏向了歷史學了。
美術史又可細分為國別史、斷代史、專題史、個案研究等等。這個你應該知道吧，如中國美術史、日本美術史；唐代美術史、宋代美術史；繪畫史、工藝美術史；吳門四家研究，元四家研究；沈周研究，李成研究等等。
論，偏向於美術學理論。你可參考王宏建的《藝術概論》，首先知道討論藝術是討論藝術的哪些方面，該書分為兩大部分，總論和系統論。總論包括藝術的發生、發展、分類；系統論包括藝術家、藝術創作、藝術作品（批評和接收）。目前的藝術學概論的研究，大多是美學和社會學角度的研究，是研究宏觀的藝術理論以及走交叉學科方向的研究，如藝術人類學、美術地理、美術考古等。
歡迎你加入到美術史論研究的隊伍之中，壯大美術史論的研究。目前該學科還很薄弱，跟文學、史學、哲學等人文學科相比，還差很多很多。
㈣ 如何學習外國美術史
今年開課我接觸了一門新的課程——《外國美術史》，從開課起，老師就帶我們走進了西方美術的世界。先是原始美術，從舊石器時代開始，原始人類留存下來的洞窟壁畫、岩壁浮雕和各種小雕像，這些作品譜寫了人類最早的美術篇章。雖然這些壁畫和雕塑看起來簡單樸素，但是生動的展現了當時人類的生活狀態，對美的理念，給我很深的震撼。還有洞窟里的牛，馬以及奇異的斑點，原來有那麼復雜的意義。再比如那誇張至極的維納斯遠古石雕，遠比現在當代的一些誇張藝術更震撼人心！ 隨著歷史的前進，我們學到了古埃及文明。
提起埃及，人們首先想起的是金字塔。金字塔是古埃及卓越的建築藝術，它是法老王們的陵墓。對於金子塔的美麗和雄偉我不多說，在課上學到的最令我印象深刻的是埃及的雕刻、繪畫藝術。從那些作品我們可以看到，埃及人的燦爛文
化以及他們對「秩序」的狂熱追求，繪畫的比例，外形都奇異的保持一致，宏偉的雕像現在雖然有好多殘缺，但仍能感受到那埃及的輝煌文明！ 超凡入聖的藝術，古希臘與古羅馬。羅馬人在相當長的時間里直接根據面具製作肖像雕塑。後來古羅馬肖像雕塑的美學追求在於求真美，這同古希臘的寧靜、理想化的完美迥然不同，這種特徵趨向於個人意志的創造，表現出敢於參與世事爭勝的氣概。 它是希臘文化的繼承者和發揚者，偉大的羅馬，璀璨的希臘！充滿神話的希臘，雅典衛城，巴特農神廟，這些美麗的地方都給我們不一樣的視覺享受。雖然沒有在幻燈上看到十幾米高的雅典娜塑像，但是可以想像那是怎樣的宏偉美麗。充滿了神聖，夢幻般的感覺！這些都給我從新認識了希臘的文化，對希臘的建築也有了一些了解。 最後另我印象深刻的就是文藝復興時期的兩大天才——達芬奇與米開朗基羅，他們的生平種種，讓我們了解了天才成功的不易與艱辛。時代造就了他們，他們也成就了時代！他們值得我們現在每一個學生去學習，為之理想而奮斗，因為他們告訴我們，藝術是門偉大的科學！
終求一生，值得為之奉獻，為之探索！ 通過外國美術的學習，在欣賞了許多優秀作品的同時提高了自身的鑒賞能力。原來對於名畫，只知道人雲亦雲，現在看到一幅畫，可以基本的分析它的布局，光線射入的方向，為了烘托出某種意境的表現手法等。雖然只有短短的學習時間，但是這次課帶我踏入了藝術鑒賞的大門，拓寬了我的視野，使我對於美有了更深的理解。 通過對西方美術史的學習，我明白了一些問題。 首先是藝術究竟為了什麼？ 藝術的性質，古來說者不一，亞理士多德說"藝術是模仿自然"，這話現在已不能完全成立。盡管藝術需用自然的材料藉以表現，或者取自然的現象做象徵，取自然的形體做描寫的對象，但他決不是一味的模仿自然。有人說藝術就是"人類的一種創造技能，創造出一種具體的客觀的感覺中的對象，這個對象能引起我們精神界的快樂，並且有悠久的價值"。這是就客觀方面言。若就主觀方面，藝術就是藝術家理想情感的具體化，客觀化，即所謂自己表現。所以藝術的目的並不是在實用，乃是在純潔的精神的快樂，藝術的起源並不是理性知識的構造，乃是一個民族精神或一個天才底自然沖動的創作。他處處表現民族性或個性。
藝術創造的能力乃是根於天成，雖能受理性學識的指導與擴充，但不是專由學術所能造成或完滿的。
㈤ 學習美術史與設計的關系
藝術與設計的關系
藝術，是反映當地生活，滿足人們精神需求的意識形態。其根本在於不斷創造新興之美，藉此宣洩內心的慾望與情緒，屬濃縮化和誇張化的生活。文字、繪畫、雕塑、建築、音樂、舞蹈、戲劇、電影等任何可以表達美的行為或事物，皆屬藝術。在古希臘，藝術與技藝並無區分，人們把有一定記憶的人統稱為藝術家。藝術通常被看作記憶的表現，並以技藝為標准來定義「藝術」，而「技藝性」統攝一切藝術。
設計是把一種計劃、規劃、設想通過視覺的形式傳達出來的活動過程。人類通過勞動改造世界，創造文明，創造物質財富和精神財富，而最基礎、最主要的創造活動是造物。設計便是造物活動進行預先的計劃，可以把任何造物活動的計劃技術和計劃過程理解為設計。
雖然設計活動一直伴隨著人們的歷史，但只是到了工業革命以來，它才成為一個突出性的問題。技術和藝術在人的生活世界中分屬不同層面，但它門又作為設計活動的構成要素共同的融入產品的創制活動中。藝術作為術，在根本上是人的身體和心靈的活動。隨著20世紀歐美工業化程度的提高，設計開始作為一項專門的職業從藝術領域中獨立出來。新的工具、設備和機器不打斷北方發明和製造出來，極大地促進了生產力的發展。但與此同時也給生活世界帶來了極大的沖擊，這些新發明的產品無論在功能、形式、安全和使用上都存在著較大的問題。針對這些問題，無論是「工藝美術」運動，還是「新藝術運動」、「裝飾運動」都無法解決。因此，必須思索出一條新的道路來解決這些問題，也就促使了現代設計的誕生。
英國工藝美術運動成為現代設計的前奏，因為此次運動明確提出「藝術與技術結合」的主張以及提出設計為大眾服務，而不是少數權貴的民主主義思想。這些主張的提出直指當時混亂的社會狀況並將產品造型醜陋的源頭指向了工業化大生產。雖然拉斯金、莫里斯等人所倡導的解決問題的方法並不可取，但揭示出現代設計所面臨的的問題，即工業化大生產與人們審美需求之間的矛盾。現代設計的成熟得益於現代藝術，可以說沒有現代藝術的出現，就不會產生現代設計。19世紀末20世紀初，歐洲相繼出現了德國表現主義、超現實主義以及義大利未來主義等眾多的現代藝術流派。這些眾多的現代藝術對現代設計帶來了相當程度的影響。
眾多的現代藝術流派為現代設計的最終形成提供了理念和方法，反之工業化大生產過程中的設計活動也為現代藝術驗證其理念提供了實踐場所。隨著藝術介入到工業化大生產活動過程中，使用新型材料呈幾何外形的建築、外形簡潔而又實用的傢具以及各種各樣的生活器皿被創制出來，這都是現代藝術投入到工業化大生產中所應運而生的，成為藝術與設計結合的典範。千百年以來，室內設計的歷史與風格固然有它自己內部的發展機制，但同時，它與社會的發展息息相關，基本保持同步的發展，以歐洲為例，古希臘盛期為城邦保護神的建築群及廟宇室內，古羅馬為純消費性大型公共建築，中世紀為宗教建築等等，因此，歷史上也形成了室內設計特有的藝術流派與風格。
現代藝術對現代設計的影響主要表現在三方面：形式語言的探索、創作觀念的形成和新的美學思想的產生。例如現代藝術中的拼貼法，它作為創作手法和形式語言的建構方式具有三個發展階段以及不同的美學追求：第一階段是立體主義時期，藝術家們用拼貼法探討再現和現實之間的差異；第二階段是達達主義與超現實主義時期，藝術家們把拼貼法的意義擴大，使用立體的現成物作為表現的手段；第三階段是第二次世界大戰後時期，藝術家們把拼貼本身作為具有積極意義的獨立的藝術品。20世紀的藝術家們以其令人想像不到的靈感進行他們的藝術形式乃至觀念的革命。現代藝術或是在創造意識上給予現代設計以營養，或是在形式上提供了改革的借鑒，現代藝術和現代設計既受時代的美學思想的影響，同時又在實踐與探索中不斷總結而形成新的美學思想。
設計與藝術的關系需要避免為藝術而設計的傾向，否認設計的科學技術和經濟特徵，把設計只作為純藝術的一個品種，這樣，設計就成了紙上談兵，科學、技術、生產、流通、消費、材料等均成了概念。同時還需要避免為技術和設計，否認物質產品的精神功能，否認設計的藝術特徵，把設計作為純科學技術的一個行業，這樣非常明顯地導致設計的純技術觀點，素描、色彩、圖案、構成等成了擺設，藝術思想、藝術技巧、藝術風格和藝術傳統，都變成了無聊的言語。最後，藝術與設計的關系，是一種聯系，兩者不是孤立的、靜止的。設計只被當作民族民間工藝美術傳統圖案，藝術仍是蘇聯式的素描和水彩，尤其是設計在學習中發揚光大的時候，不可能只注重傳統或只注重國外的文化，還需要注重設計的本土化和現代化的發展。