歐洲美術
1. 中世紀歐洲美術值得是哪一段時間
中世紀：歐洲歷史上的古代與文藝復興之間的時期，通常被認為是自公元476年西羅馬帝國滅亡到15世紀文藝復興運動開始的一段時期。文藝復興時期的義大利人為了反對宗教神權的統治，推崇古希臘羅馬的文化傳統，並且認為從羅馬帝國覆滅之後到文藝復興之間的歷史是野蠻黑暗的時代，是處於文明與復興之間的時代，故稱「中世紀」，後來這一名稱被歷史學家沿襲下來。
在歐洲中世紀文化中，基督教的影響有統治地位，決定了當時的社會生活方式和社會意識形態，藝術也不可避免地具有濃厚的宗教色彩，充當著上帝與教會的代言人的角色。因此，也有人將歐洲中世紀藝術稱為基督教藝術。
中世紀的藝術仍然豐富多彩，是多種文化源流的綜合，並為近代歐洲文化藝術的發展奠定了基礎。
基督教起源於中東，當它作為一種文化形態在歐洲確立時，也帶來了東方的一些文化特徵。同時，古羅馬的文化傳統，尤其在建築、雕刻和繪畫等式樣上，有一個漫長的融合改造的過程。最後，基督教在地中海沿岸確立之後，在向西歐擴展的過程中，又吸收了當地的文化成分，即所謂「蠻族藝術」，產生了一些新的樣式，到公元10世紀前後，才形成了相對統一的基督教藝術風格。
因此，歐洲中世紀藝術不能單純理解為宗教藝術，而是在東方文化、古希臘羅馬文化傳統和蠻族文化的基礎上融合而成的基督教藝術。
中世紀是一個基督教盛行和羅馬天主教會主宰社會的時期，基督教的婚姻觀念和性觀念統治了當時歐洲的與性有關的一切活動。宗教禁慾主義這一特點被統治階級利用了，因為否定性慾、否定對今世幸福和快樂的追求，民眾就不會奮起反對壓迫和剝削，統治階級的地位就鞏固了。在這種思想指導下，教會利用所掌握的權利，強制推行教士獨身制和苦修制，教徒們禁絕性行為，基督教反對性甚至發展到反對婚姻。
2. 歐洲中世紀美術的特點和發展歷程
中世紀：歐洲歷史上的古代與文藝復興之間的時期，通常被認為是自公元476年西羅馬帝國滅亡到15世紀文藝復興運動開始的一段時期。文藝復興時期的義大利人為了反對宗教神權的統治，推崇古希臘羅馬的文化傳統，並且認為從羅馬帝國覆滅之後到文藝復興之間的歷史是野蠻黑暗的時代，是處於文明與復興之間的時代，故稱「中世紀」，後來這一名稱被歷史學家沿襲下來。
在歐洲中世紀文化中，基督教的影響有統治地位，決定了當時的社會生活方式和社會意識形態，藝術也不可避免地具有濃厚的宗教色彩，充當著上帝與教會的代言人的角色。因此，也有人將歐洲中世紀藝術稱為基督教藝術。
中世紀的藝術仍然豐富多彩，是多種文化源流的綜合，並為近代歐洲文化藝術的發展奠定了基礎。
基督教起源於中東，當它作為一種文化形態在歐洲確立時，也帶來了東方的一些文化特徵。同時，古羅馬的文化傳統，尤其在建築、雕刻和繪畫等式樣上，有一個漫長的融合改造的過程。最後，基督教在地中海沿岸確立之後，在向西歐擴展的過程中，又吸收了當地的文化成分，即所謂「蠻族藝術」，產生了一些新的樣式，到公元10世紀前後，才形成了相對統一的基督教藝術風格。
因此，歐洲中世紀藝術不能單純理解為宗教藝術，而是在東方文化、古希臘羅馬文化傳統和蠻族文化的基礎上融合而成的基督教藝術。
中世紀是一個基督教盛行和羅馬天主教會主宰社會的時期，基督教的婚姻觀念和性觀念統治了當時歐洲的與性有關的一切活動。宗教禁慾主義這一特點被統治階級利用了，因為否定性慾、否定對今世幸福和快樂的追求，民眾就不會奮起反對壓迫和剝削，統治階級的地位就鞏固了。在這種思想指導下，教會利用所掌握的權利，強制推行教士獨身制和苦修制，教徒們禁絕性行為，基督教反對性甚至發展到反對婚姻。
第一節 早期基督教美術 （公元2世紀—5世紀）
公元313年，羅馬皇帝君士坦丁頒布米蘭敕令，承認基督教的合法地位，並宣布這一曾經長期遭到羅馬帝國鎮壓的新宗教為國教。這時的羅馬帝國已處於分崩離析的前夜，基督教作為下層人民的信仰和意識，為結束古羅馬的千年帝國起了推波助瀾的作用，取得了合法地位之後，又作為統治者的工具來控制人民的思想。早期基督教藝術就反映了這個過渡時期的一些典型特徵。
基督教在公元1世紀開始秘密流傳於羅馬帝國的疆域。因為處於非法地位，信徒們只能在私人宅邸內舉行宗教儀式，這種早期的秘密宗教場所被稱為「民古教堂」。
後來為了逃避官方的搜查，這種儀式便轉移到一種公共地下墓窟，這種墓窟是用於合葬基督徒的，在墓窟的天頂和牆壁上畫滿了各種聖經題材的壁畫，因此它成為早期基督教藝術的寶庫。這種形式主要流行於羅馬城區，如羅馬的普里斯拉地下墓窟，約建於公元3世紀，其聞名於世的是天頂壁畫《善良的牧人》。
基督教合法化之後，它的集會和儀式便回到了地面上，也開始興建正式的基督教堂。但基督教沒有自己的建築傳統，只好借用羅馬現成的建築形式。羅馬有一種常見的公共建築，平面呈長方形，中廊較寬，兩旁有列柱分隔出過廊，平時供市民集會使用，稱為「巴西里卡」。基督教徒把它直接搬用過來，在一端加上祭壇，並飾以宗教題材繪畫，這種形式為以後的西方基督教堂的樣式定了基調。公元320年前後開始興建的聖彼得教堂是規模最大的"巴西里卡"教堂之一。
基督教曾遭受了200餘年的迫害，不少信徒為之殉身，對「殉教者」的崇拜是教徒精神生活的一部分。教徒們在死去的教友親人的石棺上刻上宗教內容的雕刻，寄託自己的信仰和對死者的祈禱，但在表現手法上與古羅馬石棺的雕刻風格無大差別。
第二節 拜占庭美術 （公元5世紀—15世紀）
拜占庭帝國的首府君士坦丁堡(現為伊斯坦布爾)原是一個希臘化城市。330年君士坦丁大帝遷徙至此， 逐漸代替了羅馬城的地位，成為集政治、經濟和文化中心的重要城市，成為中世紀東、西方貿易交流中心。拜占庭帝國不但繼承了古希臘羅馬的古典文化傳統，同時也受到東方文化的影響。拜占庭帝國的基督教文化是政教合一政體的產物，為宗教和王權服務。
拜占庭的建築主要繼承羅馬風格，早期教堂建築主要沿用羅馬陵墓圓形或者多邊形平面結構和萬神廟式的圓穹頂。現存伊斯坦布爾的「聖索菲亞教堂」是拜占庭建築藝術的代表。它有復雜而條理分明的結構系統。高60米、直徑33米的大穹頂高聳於中央，覆蓋主要空間，與前後的穹窿頂及更小的兩側穹窿頂所覆蓋的空間連接為一整體，並通過列柱與側廊相連。在主穹頂的底部一周密排著四十個採光窗口，每當陽光照射時，教堂穹窿猶如在空中升騰一般，給人以神秘莫測之感。15世紀土耳其入侵君士坦丁堡之後，把聖索菲亞大教堂改成了清真寺。
鑲嵌畫在拜占庭藝術中佔有特殊重要的地位。其中以義大利拉文納的「聖維他爾教堂」的鑲嵌畫最為著名。
第三節 羅馬式美術 （公元10世紀—12世紀）
10世紀之後，西歐經濟水平提高，封建制度穩固。十字軍東征和大規模的傳道活動擴充了教會的勢力和影響。經濟的發展和宗教的狂熱使新的教堂和修道院建築層出不窮，為了追求更壯觀的效果，這些建築普遍採取了類似古羅馬的拱頂和樑柱結合的體系，並大量採用希臘羅馬時代的「紀念碑式」的雕刻來裝飾教堂，因此，這個時代的風格被稱為「羅馬式」。
羅馬式美術仍以教堂建築為重點。
羅馬式教堂興起正值封建割據狀態，所以具有封建城堡的特徵，石牆很厚，窗戶小而且距地面高，教堂前後往往建有碉堡似的塔樓，以防禦外來攻擊，高聳的塔樓使羅馬式教堂在一般建築中特別突出，加強了它作為紀念性建築的效果。後來，塔樓逐漸固定在西面正門的兩側，成為羅馬式建築的一個標志。羅馬式建築著名遺構，以《比薩教堂建築群》最馳名。
第四節 哥特式美術 （公元12世紀—15世紀）
義大利文藝復興學者把12、13世紀到他們的時代之間的藝術稱為「哥特式」。
哥特式美術，是公元12世紀末首先在法國開始，隨後流行於全歐的一種建築形式。哥特式建築代表了封建中世紀最光輝最偉大的成就，從內容到形式都具有顯著的價值，從工程技術到藝術手法都達到了驚人的高度，它是當時人們智慧的結晶。
哥特式教堂的建築師利用羅馬式建築中曾出現的矢狀券，並把過去所有的拱架作以改進，產生了作為骨架的曲肋拱，並使其向上延伸，利用尖拱使它的跨度可以大小自由，整個建築物內部幾乎沒有牆壁，骨架之間是一個個又高又大的窗戶，這就便其內部既高大而又明亮，再加上從窗子的彩色玻璃畫上透過來的富於變化的彩色光線，使人產生一種騰空而起，飛向天國的神秘的宗教情感。最典型代表有：法國「巴黎聖母院」、法國「夏特爾大教堂」、德國「科隆大教堂」、義大利「米蘭大教堂」等。
哥特式建築的特點：
1，平面是「十字架」形。
2，外部多用高高的尖塔樓。
3，內部輕盈、空曠。
4，窗戶多是五彩的玻璃鑲嵌畫圖案。
3. 歐洲繪畫的主要門類有那些
史前時代 西方人最早的美術作品產生於舊石器時代晚期，即距今3萬到1萬多年之間。最傑出的原始繪畫作品，發現於法國南部和西班牙北部地區的幾十處洞窟中，其中最著名的是法國的拉斯科洞窟壁畫和西班牙的阿爾塔米拉洞窟壁畫。所繪形象皆為動物，手法寫實，形象生動。迄今為止發現的原始雕刻大多為小型動物雕刻，少數人像雕刻中，裸體女性雕像佔主要地位，這些女性雕像誇張女性的生理特點，突出表現女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，體現出原始人對於母性和生殖的崇拜意識。在維也納附近的威倫道夫出土的女性雕像被稱為「威倫道夫的維納斯」，是其中最著名的代表作。
奴隸社會時代
進入奴隸社會，那些文明古國譜寫了人類美術史的輝煌篇章。
美索不達米亞（即幼發拉底河和底格里斯河之間的地區，又稱兩河流域）的雕塑，如巴比倫王國的「漢漠拉比法典」浮雕，亞述王國那些表現戰爭和狩獵的緊張場面、手法極為寫實、充滿激烈動勢的浮雕。
古埃及的龐大金字塔建築，按照正面律程式雕刻的人像雕刻和神秘威嚴的獅身人面像。
古希臘的自由民主創造了具有民主思想的建築、雕刻和繪畫作品，其中留存於世的不少健美而優雅的雕刻形象，如《擲鐵餅者》、《米洛斯的維納斯》等，尤其具有無窮的魅力。
古羅馬美術承繼著古希臘的傳統，但羅馬人的美術更傾向於實用主義。規模巨大的科洛西姆競技場和萬神廟是古羅馬建築的傑出代表。而曾被維蘇威火山灰掩埋達1700多年的龐貝壁畫，則給我們展示了古羅馬繪畫的獨特面貌。
封建社會時代 自公元476年開始，歐洲歷史進入封建中世紀。受基督教制約，中世紀美術不注重客觀世界的真實描寫，而強調所謂精神世界的表現。建築的高度發展是中世紀美術最偉大的成就。拜占廷教堂、羅馬式教堂和哥特式教堂，各具藝術上的創造性。與宗教建築相結合，雕刻、鑲嵌畫和壁畫也取得了一定成就。
歐洲文藝復興時期
14-16世紀的歐洲文藝復興美術以堅持現實主義方法和體現人文主義思想為宗旨，在追溯古希臘古羅馬藝術精神的旗幟下，創造了最符合現實人性的嶄新藝術。
義大利的達•芬奇、米開朗基羅和拉斐爾是文藝復興美術的三位代表。達•芬奇既是藝術家又是科學家，其傑作《最後的晚餐》、《蒙娜麗莎》等皆被譽為世界名畫之首。米開朗基羅則在雕刻、繪畫和建築各方面都留下了最能代表鼎盛期文藝復興藝術水平的典範之作。他塑造的人物形象，雄偉健壯，氣魄渾宏。拉斐爾則以其塑造的秀美典雅的聖母形象最為成功。他的聖母像寓崇高於平凡，被譽為美和善的化身，最充分地體現了人文主義的理想。
17世紀時期
17世紀在歐洲出現了巴洛克美術，它發源於義大利，後風靡全歐。其特點是追求激情和運動感的表現，強調華麗絢爛的裝飾性。這一風格體現在繪畫、雕塑和建築等各個美術門類中。佛蘭德斯的魯本斯是巴洛克繪畫的代表人物，他的熱情奔放、絢麗多彩的繪畫對西方繪畫具有持久的影響。同時代的現實主義大師如荷蘭的倫勃朗、西班牙的委拉斯貴支等，也在一定程度上具有巴洛克的特色。
18世紀時期 18世紀羅可可風格在法國興起，隨後波及歐洲其他國家。羅可可美術的特點是追求華麗纖巧和精緻。代表畫家有法國的瓦托、布歇和弗拉戈納爾。隨著1789年法國資產階級大革命的到來，進步的美術家們又一次重振了古希臘古羅馬的英雄主義精神，開展了一場新古典主義藝術運動。其代表畫家是法國的大衛和安格爾。浪漫主義隨著新古典主義的衰落而興起。法國的熱里柯的《梅杜薩之筏》被視為浪漫主義繪畫的開山之作，而這一運動的主將卻是德拉克洛瓦，其繪畫色彩強烈，用筆奔放，充滿強烈激情，代表作有《希阿島的屠殺》和《自由領導著人們》等。法國呂德的《馬賽曲》和卡爾波的《舞蹈》都是傑出的浪漫主義雕塑作品。
19世紀時期 19世紀中期是現實主義美術蓬勃興旺的時期。法國畫家庫爾貝是現實主義的倡導者，他的代表作《奧南的葬禮》堪稱繪畫中的「人間喜劇」，而《石工》則深刻揭示了社會的矛盾，表現了作者對勞動人民的同情。勤勞朴實的農民畫家米勒，以醇厚真摯的感情，歌頌了辛勤勞作的農民。政治諷刺畫家杜米埃創作了大量思想深刻而形象誇張的石版畫和油畫。德國女版畫家柯勒惠支，以社會民主主義思想和鮮明的個人風格創作了反映工人運動和農民革命的系列銅版畫和石版畫。俄羅斯的批判現實主義產生了列賓、蘇里科夫等傑出畫家。法國雕塑大師羅丹的作品也具有一定的現實主義品質。
19世紀後期在法國產生了印象派。此派繪畫以創新的姿態出現，它反對當時已經陳腐的古典學院派的藝術觀念和法則，受到現代光學和色彩學的啟示，注重在繪畫中表現光的效果。代表畫家有馬奈、莫奈、雷諾阿、德加、畢沙羅、西斯萊等。繼印象派之後還出現了新印象派（代表畫家是修拉和西涅克）和後印象派（代表畫家是塞尚、凡•高和高更）。而實際上後印象派與印象派在藝術主張並不相同甚至完全相反。其中凡•高的繪畫著力於表現自己強烈的情感，色彩明亮，線條奔放。高更的畫多具有象徵性的寓意和裝飾性的線條和色彩。塞尚繪畫則追求幾何性的形體結構，他因而被尊稱為「現代藝術之父」。
20世紀時期至今
20世紀以來，現代美術呈現出流派迭起，千姿百態的局面。1905年誕生的以馬蒂斯為代表的野獸派繪畫，強調形的單純化和平面化，追求畫面的裝飾性。1908年崛起的以布拉克和畢加索為代表的立體派繪畫繼承了塞尚的造形法則，將自然物象分解成幾何塊面，從而從根本上掙脫傳統繪畫的視覺規律和空間概念。隨著德國1905年橋社和1909年藍騎士社的先後成立，表現主義作為一種重要流派登上畫壇，此派繪畫注重表現畫家的主觀精神和內在情感。1909年在義大利出現了未來主義美術運動，此派畫家熱衷於利用立體主義分解物體的方法表現活動的物體和運動的感覺。抽象主義的美術作品大約於1910年前後產生，其代表畫家有俄羅斯畫家康定斯基和荷蘭畫家蒙德里安，而兩人又分別代表著抒情抽象和幾何抽象兩個方向。
第一次世界大戰期間產生的達達主義思潮，此派藝術家不僅反對戰爭、反對權威、反對傳統，而且否定藝術自身，否定一切。杜尚將達•芬奇的《蒙娜麗莎》畫上胡須，並將小便池作為藝術品，便是達達主義思想的體現。隨著達達主義運動消退，在此基礎上出現了超現實主義藝術思潮。此派畫家以柏格森的直覺主義，弗洛伊德的精神分析學和夢幻心理學為理論基礎，力圖展現無意識和潛意識世界。其繪畫往往把具體的細節描寫與虛構的意境結合在一起，表現夢境和幻覺的景象。代表畫家有恩斯特、馬格利特、夏卡爾、達利、米羅等。
第二次世界大戰後在美國產生的以波洛克、德•庫寧為代表的抽象表現主義繪畫，綜合了抽象主義、表現主義的特點，強調畫家行動的自由性和自動性。
20世紀50年代初萌發於英國、50年代中期鼎盛於美國的波普藝術，繼承了達達主義精神，作品中大量利用廢棄物、商品招貼、電影廣告和各種報刊圖片作拼貼組合，故又有新達達主義的稱號。代表人物有美國畫家約翰斯、勞生柏、沃霍爾等。
而70年代興起的超級寫實主義（或稱照相寫實主義）運動，其主要特徵是利用攝影成果，進行客觀的復制和逼真的描繪。代表畫家有克洛斯、佩爾斯坦，雕塑家中，安德烈、漢森最為著名。除上述之外，可以歸入現代藝術范疇的還有偶發藝術、大地藝術等。其許多藝術活動已經超出了美術的范圍。
4. 歐洲中世紀美術是如何發展的
自公元476年西羅馬帝國滅亡到15世紀文藝復興運動開始的一段時期，史稱中世紀。文藝復興時期的義大利人為了反對宗教神權的統治，推崇古希臘羅馬的文化傳統，並且認為從羅馬帝國覆滅之後到文藝復興之間的歷史是野蠻黑暗的時代，是處於文明與復興之間的時代，故稱「中世紀」，後來這一名稱被歷史學家沿襲下來。
在歐洲中世紀文化中，基督教的影響佔有統治地位，決定了當時的社會生活方式和社會意識形態，藝術也不可避免地具有濃厚的宗教色彩，充當著上帝與教會的代言人的角色。因此，也有人將歐洲中世紀藝術稱為基督教藝術。但是，中世紀的藝術仍然是豐富多彩的，是多種文化源流的綜合，並為近代歐洲文化藝術的發展奠定了基礎。基督教起源於中東，當它作為一種文化形態在歐洲確立時，也帶來了東方的一些文化特徵。同時，古羅馬帝國在接受基督教文化時，並不可能完全放棄已經根深蒂固的古希臘羅馬的文化傳統，尤其在建築、雕刻和繪畫等式樣上，而是有一個漫長的融合改造的過程。最後，基督教在地中海沿岸確立之後，在向西歐擴展的過程中，又吸收了當地的文化成分，即所謂「蠻族藝術」，產生了一些新的樣式，直到公元10世紀前後，才形成了相對統一的基督教藝術風格。因此，歐洲中世紀藝術不能單純理解為宗教藝術而是在東方文化、古希臘羅馬文化傳統和蠻族文化的基礎上融合而成的基督教藝術。
5. 歐洲的藝術風格
答案有點多（轉載自網路）
奇天（成立於2006年）為您解答。
歐洲五大藝術風格分別為羅馬式風格、哥特式風格、文藝復興式風格,巴洛克式風格以及羅可可藝術風格。
羅馬式藝術風格 現在人們普遍所說的羅馬式建築，羅馬式花園，羅馬式畫風都是指歐洲在11~13世紀的藝術風格，主要泛及整個西歐和大部分中歐地區。 主要表現在建築，繪畫等主要藝術作品當中。其中因地域不同而又各有區別。 在建築方面，最典型的是教堂 羅馬式教堂建築藝術 自公元1096年開始的十字軍東侵，使歐洲興起宗教的熱潮，封建主對宗教的狂熱達到如醉如痴境地，他們全力為自己領地興建規模壯觀的教堂和修道院，建築史上稱這種新形制為「羅曼內斯克」即羅馬式。而這個時期的其他造型藝術如雕塑、繪畫等都成為與教堂不可分割的裝飾部分，因此在美術史上統稱為「羅馬式」。 羅馬式建築外觀巨大、繁復，但裝飾簡單大方。最特別的是建築的屋頂，羅馬式風格建築的設計都是一拱頂為主，以石頭的曲線結構來覆蓋空間。看過《達芬奇的密碼》嗎？裡面提到的拱頂石就是建造拱頂最重要也是最後才放入的。 說到羅馬式建築不得不提到雕塑。教堂雕塑也是十分典型的，其在教堂建築中是畫龍點睛的一筆。在中世紀的歐洲，人們認為藝術不應該獨立存在，每種藝術都得以自身的手段和方式為建築所創造。在這樣的觀念下。雕塑、繪畫都是臣服建築這個主體。常常運用杏型結構 在羅馬式風格影響下，雕塑家把作品創作得緊湊、復雜、色彩豐富。在不同國家有著不同風格.德意志的很具感染力；義大利的神聖；西班牙的很簡單。。 當時的繪畫風格多用象徵性的手法來表現活動或環境，不是很注重真實的表達。而更多的是表現人物，運用了誇張、變形等構圖，強調整體效果，突出細節。
哥特式藝術風格 起源和發展與11世紀和12世紀，由於社會的新階級-中產階級的崛起，他們不再為貴族所用。成為自由貿易者和手工藝製造者。隨著王權的限制，商業和城鎮開始發展起來。 其實在中世紀，宗教統治幾乎可以抗衡王權的威力，而那些神職人員可以說對建築物建造風格影響很大，他們成為了城市裡主要角色。而宗教資產也十分雄厚，主教和資產階級投資，建造更加宏偉的新教堂. 哥特式教堂中每一種構造元素都很高聳，尖細。就象指向天空的利劍，彷彿屋頂直通天堂。盡其所能的接近上帝，這就是哥特式建築千方百計想要實現的。 最著名的就是大名鼎鼎的巴黎聖母院了 哥特式教堂建築還有一個明顯的特點，就是沒有實體牆壁，而是利用雕塑裝飾來追求輕佻飛揚，垂直的的風格。雕塑不再是臣服與建築，地位與前面提到的羅馬式建築中的雕塑提高了一個很高的檔次，而且創作的精細程度也是嘆為觀止的。 在哥特式藝術風潮盛行的時代，由於教堂沒有可供作畫的實體牆壁，所以，教堂壁畫在那個時期是幾乎看不到的。但是，民間的世俗壁畫依然存在，內容多是騎士和宮廷故事。 哥特式風格的繪畫表現出一派美好和諧，沒有痛苦和折磨的世界，顯然，這是不可能實現的。因此，哥特式繪畫又被人評論為脫離現實的繪畫風格。 其實，當時大有發展的是一些次要藝術，比如：玻璃彩繪、掛毯等等。
文藝復興式藝術風格 起源於15世紀初義大利的佛羅倫薩，也是影響近現代藝術風格最明顯的一種藝術風格之一。 這個時期的建築雖相對來說沒有繪畫出彩，但是也可以說得上大有成就，大膽運用「透視法」就是在這個時期興起的。也就是這樣，藝術和實際工程融入一起，應該算得上是「設計」了吧。隨著這個觀念的產生，以前被稱為「工匠」的藝術家們變成了知識分子的身份，也許就是「設計師」的鼻祖。 列奧納多·達·芬奇、米開朗基羅和拉斐爾.這三個偉大的人 為世界藝術節，科學界，文學界留下了大量寶貴的遺產。
巴洛克式藝術風格 巴洛克一詞原來意思是長得不好看的珍珠，指怪誕、扭曲的藝術作品。現在我們定義的是浪漫、愉悅、多彩多姿。 整個17實際至18世紀中葉，巴洛克式藝術席捲了整個歐洲，有些甚至到了拉丁美洲。特點是外形自由，追求動態，喜好富麗的裝飾和雕刻、強烈的色彩，常用穿插的曲面和橢圓形空間。 在當時以宗教思想為主的近代，它的出現確實違背了教會認同的審美法則，所以受到主流社會的不屑。 巴洛克強調本能，追求感官刺激、喜歡幻想，一引誘人的意識為目標，因此，它被稱為「天主教教堂」的藝術工具。其實當時天主教教會正竭力吸引異教徒重返天主。所以，必須可以展現其庄嚴、雄偉的氣派，激起信徒的信心。 巴洛克時期的雕塑藝術分兩種：一個是用來裝飾或者補充建築的，另一個是真正獨立存在的雕塑。 Gian Lorenzo Bernini就是此段時期傑出的巴洛克風格的設計雕塑大師 梵蒂岡聖彼得廣場Piazza San Pietro就是出自他設計 巴洛克式繪畫風格，為了達到一種特殊的效果，通常會幾種藝術風格同時運用，，藝術家可以從上到下根據視角的不同，設計出風格迥異的變化，這種風格一直延續到18世紀中期巴洛克藝術時期之後的洛可可時期，承續了文藝復興時期的透視法，直接運用於教堂的天花板上，創作的作品華麗，雄偉。 Rembrandt Harmenszoon Van Rijin也是這個時期繪畫巨匠，還有Pieter da Hoochvv、Jan Vermeer 米開朗基羅也創作過巴洛克風格的作品 17世紀宗教告誡人們：生命是脆弱的物質不過是過眼雲煙。這集中表現於《聖經》的《訓道篇》的一切皆虛空。光及死亡必然是17世紀道德思想的主軸。 歐洲藝術風格不僅僅只是這籠統的4個分類，多種多樣的文化造就了社會多彩多姿的藝術形式，供後人慢慢揣摩。世界多元化的發展，越是民族的就越是世界的，所以，珍惜每一種先人留給我們的文化風俗，那就是我們享用不盡的寶藏。
洛可可式藝術風格 洛可可(Rococo)藝術風格產生於法國18世紀。「洛可可」是法文「岩石」的復合詞，意思是此風格以岩石和蚌殼裝飾為其特色。是巴洛克風格與中國裝飾趣味結合起來的、運用多個S線組合的一種華麗雕琢、纖巧繁瑣的藝術樣式。 洛可可藝術風格的倡導者是蓬帕杜夫人(1721～1764)，她不僅參與軍事外交事務，還以文化「保護人」身份，左右著當時的藝術風格。蓬帕杜夫人原名讓娜·安托瓦內特·普瓦松，出生於巴黎的一個金融投機商家庭，後成為路易十五的情婦，被封為侯爵夫人。在蓬帕杜夫人的倡導下，產生了洛可可藝術風格，使17世紀太陽王照耀下有盛世氣象的雕刻風格，被18世紀這位貴婦纖纖細手摩挲得分外柔美媚人了。 18世紀法國藝術是洛可可的天下，而且，已經成為歐洲近代文明中心的法國宮廷，把這種靡麗之風傳出國界，甚至傳到中國的圓明園。 洛可可風格是宮廷藝術，這種風格是由於當時一些不嚴格遵循法國古典主義法則的因素而產生的，它並不是義大利巴洛克風格的必然後果。它的遵循理論是「師法自然」。人們都在談論「師法自然」，但是，我們從現代角度去看，他們所謂的對自然的模仿只是讓自然服從於社會的心血來潮，而這個社會並未完全做好使人真正感受到生活在自然之中，並且充滿著對生活的神秘醉意的准備。這時的藝術家們對貴族俯首帖耳，同時貴族階級又要求他們唯命是從。法國人的這一發明使教會中心真正轉向沙龍中心，而這時的沙龍已與過去不同，各種繪畫展覽都被稱之為「沙龍」。畫家、雕塑家、木刻家、銅板畫家、珠寶商、金銀器皿商、細木傢俱商、理發師、裁縫、制靴匠，所有的人都對洛可可這種在結構脆弱的高雅文化基礎上綻開的美艷之極的花朵趨之若鶩。在每個角落，在高談闊論的男子和楚楚動人的女子周圍，從木器、水晶器皿、糕點、大理石、地毯到陳列櫃及裡面的餐具，從四輪馬車到轎子，從前廳到卧室，洛可可風格無所不在。這是上流社會的藝術，它濫用著並且吸幹了藝術家們的殷勤，用竊來的愛情和移植的花朵分散了藝術家們的注意力。這種不斷向上攀緣的結構盡管放射出璀璨的光輝，但它卻被禁錮在高雅文化周圍，漸漸地疏遠了其天然的源頭。令人遺憾的現象出現了：這種蜿蜒纏繞的曲線，限制了裝飾師們在空間中實現全面發展的自由，並且總是把它導向為使人難以擺脫的社交活動服務的軌道，而這種裝飾藝術正是順應這一需要才得以問世的，它成了王公貴族的俘虜。 洛可可藝術的靈魂式人物是繪畫大師弗朗索瓦·布歇。他在天花板、屏風、車把手、門的正面、首飾盒和瓷器上，可以說在任何地方，都繪制了牧歌式和田園曲式的愛情神話故事題材。布歇和藹可親，慷慨大方，注重享樂，受到男男女女的喜愛。他和自己的時代不斷地交換看法，詢問個人和這個時代應該做些什麼來愛這些男女，並獲得他們的熱愛。他因此獲得「皇家首席畫家」的稱號。 代表洛可可雕刻最高成就的是受蓬帕杜夫人賞識的兩位藝術家：皮加爾和法爾科奈。 讓．巴蒂斯特·皮加爾(1714～1785)訪問過義大利，是爭取羅馬大獎——王家繪畫雕刻學院為優秀學生提供赴設在羅馬的法蘭西學院進修而設立的競賽獎，失敗之後自費去的，足見他對義大利藝術的嚮往。他在羅馬作的《系鞋帶的墨丘利》小稿，在他1741年回巴黎時，為他贏得進入王家繪畫雕刻學院成為院士的榮譽，而且以此稿完成的雲石像連同他的另一件作品《要墨丘利傳信的維那斯》一起，被路易十五當作禮物贈給了普魯士國王腓特烈二世。他為蓬帕杜夫人工作了十年，以她為原型作寓意像的《妝扮友誼之神蓬帕杜夫人像》和《愛神擁抱友誼之神》非常精彩，他把這位藝術保護人表現得既高貴又親切，既聰慧又迷人，他有別於同代雕刻家的地方是他也追求其它藝術風格，如在他去世前完成的《拔刺少女》，追隨希臘古風，為他一生的創作畫出句號。他的這一面，在其學生烏東的藝術中得到了發揚。 與皮加爾齊名且是對手的艾蒂安——莫里斯·法爾科奈(1716～1791)，也和皮加爾一樣出自讓-巴蒂斯特·勒穆瓦納門下，也在羅馬大獎爭奪中敗陣。但他安心留在法國而未赴義大利「朝聖」。他終於成為洛可可雕刻最傑出、最典型的代表人物。他曾受命於蓬帕杜夫人，領導了著名的賽夫里陶瓷工廠，又接受俄國女皇葉卡捷琳娜二世的委託作《彼得大帝騎馬像》。 法爾科奈的靈氣和秀氣，無人可及，他把法蘭西雕刻的優雅柔美風格推到了頂點。他鑿下的年輕女性，個個都是嬌小玲瓏，苗條婀娜，風流嫵媚，充分體現法蘭西的品格，而且她們不再是吉拉東的寧芙，雖然嬌美卻尚不許凡人觸動，而是以玉溫香馨的青春之體在邀人愛憐了。法爾科奈的作品不但造型生動，而且人物情態豐富細膩。蓬帕杜夫人的時代造就了他。 洛可可風格是宮廷藝術，它起源於上層社會的需要。大部分製造這種藝術品的工匠在個人生活中是與它完全無緣的。比如塞夫里皇家瓷廠的瓷器，被用於國家的社交場合，就像今天的英國皇家將它們用於歡迎來訪的外國元首的國宴上。洛可可裝飾風格本身就成為這種盛宴場合的特色。塞夫里瓷器的設計由國王親派的法爾科奈、布歇等藝術家完成，具體製作的工匠們沒有錢也不能在日常家庭生活中使用它，只有那好趕時髦、朝三暮四的貴族使用。 這種製造和消費特有循環圈，促成了貴族互相攀比的風氣和設計走向極端奢華的兩種現象。18世紀堪稱是馬車的黃金時代，達官貴族都擁有代表自己權勢和等級的馬車，相互攀比、競相爭艷。具體表現為：選用最上乘的木料做骨架，馬車的款式奇異，以曲線居多，紋樣多以植物為主，穿插一些優美神話故事為題材的裝飾畫，色調常以紅、黃為主，再以金色統一整體，以昂貴的造價獲得華麗氣氛。這充分顯示出貴族的審美情趣，同時，我們也為匠師們用自己的智慧和雙手創造出如此精妙的作品而贊嘆不已。 我們從現代的角度審視18世紀的洛可可藝術，應該說蓬帕杜夫人是那些喜歡豪華風格者的代表人和組織者，有「眾望所歸」的特徵。所以，才有洛可可風格作品出現後在貴族引起「共鳴」的時尚。也可以說，貴族們崇尚華麗的風氣，誘發了洛可可藝術。當時上層社會的男男女女無不熱心並親自參加工藝活動，以至於這些舉動有的達到令人譏笑和荒誕不經的地步。16世紀，當衰敗的瓦盧瓦王的國王查理九世答應送給西班牙國王一支他親自製作的槍時，那位西班牙大使為之驚詫不已。18世紀，路易十六的妻子瑪麗成天抱怨他的丈夫沉湎在他的作坊中，甚至無暇顧及妻子，路易十六在他的作坊中潛心鑽研的是鍾和鎖的奧秘。在這兩例中我們似乎瞥見了那些把命運強加於他們身上的角色不相適應的悲劇性人們。這些人在體力勞動中發現了一個聊以自慰的世外桃源。但這對於不理朝政的帝王來說卻是不祥之兆。 風靡一時的奇想多變的洛可可風格隨著蓬帕杜夫人的亡故而終止，被路易十五另一情婦杜巴利夫人倡導的新古典主義而取代。但是，洛可可風格的璀璨之處，自有它超時代藝術生命力所在，現代人都公認它是19世紀下葉新藝術運動的前奏。而那些倖存的藝術精品，至今還散發著光芒，並向人們述說著那個歲月的時尚和人們不知道的故事。
6. 歐洲著名畫家有哪些
達芬奇作為文藝復興時期作卓越的代表人物達芬奇的成就和貢獻是多方面的.達芬奇出生在佛羅倫薩附近的一個小鎮芬奇鎮.他小時侯曾經拜佛羅基奧為師佛羅基奧首先讓他練習畫蛋一畫就是幾年然後才開始教他作畫.由於達芬奇打下了堅實的素描基礎後來終於成為一代宗師。代表作《蒙娜麗莎》
梵高是荷蘭人但長年生活在法國是後印象派的重要的畫家.和他的同胞倫勃朗一樣梵谷也喜歡為自己畫像。代表作《向日葵》
畢加索畢加索西班牙人自幼有非凡的藝術才能.他的父親是美術教師又曾在美術學院接受過比較嚴格的繪畫訓練具有堅實的造型能力. 他一生中畫法和風格幾經變化分為這樣幾個時期: 藍色時期" 玫瑰紅時期" 黑人時期"。代表作《鬥牛士》
列賓俄羅斯寫實主義繪畫大師列賓與法國繪畫巨匠莫奈，同為19世紀後期歐洲美術史上，引人注目的重要級人物。他們的藝術在歐洲的東西部，各領一方風騷，影響力延伸到整個20世紀。代表作《伏爾加河上的纖夫》
達利是盤踞在超現實主義中心的一位恃才傲物的怪傑，與畢加索、米羅三人都啟蒙於西班牙加泰隆尼亞這塊地靈人傑的土地上。其特異獨行的藝術，為本世紀的畫壇增添了許多燦爛光輝。代表作《記憶的永恆》
7. 歐洲藝術特點
歐洲曾以光輝燦爛的古代繪畫聞名於世，而從19世紀以來，又以色彩繽紛的現代派繪畫驚駭環球。特別是西歐，從馬奈、莫奈、修拉、塞尚、高更、梵高等為代表的印象派出現後，流派日益紛繁，尤其令人矚目。法國以馬蒂斯為代表的野獸派，是大家公認的20世紀現代主義繪畫的最早流派，跟它同時出現的有德國以凱爾希納為代表的表現主義。稍晚一點，畢加索為代表的主體主義、義大利卡拉·博喬尼等為代表的未來主義，康定斯基為代表的抽象主義，在瑞士首先出現的達達主義以及阿爾普、克利等人為代表的超現實主義等，流派一個接一個地出現，藝術運動的高潮一波接著一波，形成了萬態紛呈的局面。這些流派雖出現於1945年前，但在第二次世界大戰後，卻仍然綿綿不絕。首先，這些流派的創始者或骨幹畫家，在當代仍然活躍，並有佳作問世。如馬蒂斯、畢加索等人，在50年代，還保持著旺盛的創作熱情
十九世紀歐洲繪畫藝術的特點
1．派別
（1）浪漫派
19世紀浪漫主義的誕生是對當時新古典主義、學院派美術的一次革命。
浪漫主義以追求自由、平等、博愛和個性解放為思想基礎。追求幻想的美、注重感情的傳達，喜歡熱情奔放的性情抒發。浪漫主義藝術以動態對抗靜止，以強烈的主觀性對抗過分的客觀性。浪漫主義在題材上，多描寫獨特的性格，異國的情調，生活的悲劇，異常的事件，還往往從一些文學作品中尋找創作的題材。代表作有《美杜莎之笩》。
（2）現實派
現實派追求所謂超越現實的藝術效果，在室內布置中常採用異常的空間組織，曲面或具有流動弧形線型的界面，濃重的色彩，變幻莫測的光影，造型奇特的傢具與設備，有時還以現代繪畫或雕塑來烘托超現實的室內環境氣氛。
（3）印象派
印象派繪畫是西方繪畫史上劃時代的藝術流派，19世紀七八十年代達到了它的鼎盛時期，其影響遍及歐洲，並逐漸傳播到世界各地，但它在法國取得了最為輝煌的藝術成就。19世紀後半葉到20世紀初，法國涌現出一大批印象派藝術大師，他們創作出大量至今仍令人耳熟能詳的經典巨制。代表作有梵谷的《向日葵》。
（4）後印象派
後印象派，從印象派發展而來的一種西方油畫流派。在十九世紀末，許多曾受到印象主義鼓舞的藝術家開始反對印象派，他們不滿足於刻板片面的追求光色，強調作品要抒發藝術家的自我感受和主觀感情，開始嘗試對色彩及形體表現性因素的自覺運用。
在藝術表現上，後印象派更加強調構成關系，認為藝術形象要異於生活的物象，用作者的主觀感情去改造客觀物象，要表現出「主觀化了的客觀」。他們在尊重印象派光色成就的同時，不是片面追求外光，而是側重於表現物質的具體性、穩定性和內在結構。後印象派的繪畫對現代諸流派的發展有著重大的影響，直接導致了結構主義的誕生。
2．發展到19世紀印象派之後，在強調主觀精神、表現自我及形式探索等方面，大幅度突破傳統寫實的束縛。到了20世紀，各種流派紛呈，從強調形式到否定形式，從具象到抽象，出現了各持己見的諸種極端見解
參考資料：http://blog.sina.com.cn/s/blog_4b9eddfd01008xmv.html
8. 歐洲美術史
羅馬從一個默默無聞的小城邦，逐漸發展成控制整個亞平寧半島的羅馬共和國，最後擴展為統治整個地中海地區，地跨亞、非、歐三大洲的羅馬帝國。東起小亞細亞和敘利亞，西到西班牙和不列顛，北包括高盧，南至埃及和北非，羅馬帝國一直延宕至公元15世紀，這期間，分化、整合；整合、分化，直到拜占庭王朝——東羅馬帝國消亡，整整進行了一千餘年。這樣一個多民族、大一統的帝國，又有著上千年的演化歷史，反映在文化與藝術上，必然是多民族文化與藝術的融合。
古羅馬文化是在伊達拉里亞人和希臘人的強烈影響下發展起來的，古羅馬文化與藝術，主要繁榮於共和末期和帝國時期，古老的義大利土著文化，深受伊達拉里亞文化的影響。伊達拉里亞人早在公元前8—3世紀，就創造了拱券建築和具有東方風格的裝飾壁畫，以及有力而寫實的雕刻，這些對古羅馬藝術具有強有力的影響。古羅馬人雖然征服了古希臘，但在文化上卻被古希臘人征服。古羅馬人是古希臘藝術的崇拜者和摹仿者。古希臘藝術對古羅馬產生了重大影響，但是由於不同的社會環境和民族特點，古羅馬藝術也有其不同於古希臘藝術的獨特之處。相比之下，羅馬人的藝術更傾向於實用主義，在內容上多為享樂性的世俗生活，在形式上追求宏偉壯麗，在人物表現上強調個性。古羅馬文化與藝術的突出成就，主要反映在建築、壁畫、肖像雕刻方面。
一、羅馬時期建築風格特徵
古羅馬建築是古羅馬人沿習亞平寧半島上伊特魯里亞人的建築技術， 繼承古希臘建築成就，在建築形制、技術和藝術方面廣泛創新的一種建築風格。 古羅馬建築在公元1～3世紀為極盛時期，達到西方古代建築的高峰。
古羅馬建築的類型很多。有羅馬萬神廟、維納斯和羅馬廟 ，以及巴爾貝克太陽神廟等宗教建築，也有皇宮、劇場角斗場、浴場以及廣場和巴西利卡(長方形會堂)等公共建築。居住建築有內庭式住宅、內庭式與圍柱式院相結合的住宅，還有四、五層公寓式住宅。
古羅馬的建築最輝煌、最有藝術價值的則是為經濟服務或為人的生活（物質、精神）服務的建築，古羅馬世俗建築的形制相當成熟，與功能結合得很好；如廣場、道路、橋梁、高架輸水道、隧道、劇場、競技場、浴場、住宅和別墅等等。這些建築幾乎全是直接為人的物質生活或精神享受服務的。在藝術風格方面，它們也追求和諧，追求完美，追求崇高，但已不是一種「神聖」的和諧、完美、崇高了，而是現實人生的一種「合 宜」，是經濟繁榮，和平安定，和追求現實刺激的「崇高」，有的「崇高」還直接與某種「悲劇」情緒相聯系，如著名的古羅馬斗獸場，它那完美、和諧、崇高的造型，因與其功能性的悲劇意味相聯系著，是沐浴著奴隸血淚的一種崇高，所以，使這種崇高、完美，更具有了世俗性，它能讓人贊嘆、使人振奮，但難以產生像希臘神廟的那種「神聖」感。這可以說是古羅馬建築風格中的和諧、完美、崇高與古希臘建築風格的最大區別。至於另一些世俗的建築，如卡拉卡拉浴場，它那和諧、完美而又雄偉的風格，也主要來自於世俗的情感，而不是來自理想主義的神聖意識。
在具體建築的造型風格方面，古羅馬的建築也是既繼承了古希臘建築的造型風格，又革新、發展了它。如古羅馬大斗獸場的外部立面，特別是高4層的外部立面，就是古希臘柱式構圖的復寫，它的底層是多立克柱式，第二層是愛奧尼克柱式，第三層則是科林斯柱式，在頂層則圍繞著壁柱。但是，古希臘的這種柱式，在古羅馬的這座傑作中已不再像在古希臘建築中那樣起結構作用了，它已蛻變成了一種單純的裝飾，真正起結構作用的部件是隱藏於牆壁之中的結構體。同時，在屋頂造型方面，古羅馬人更是極大地革新了古希臘建築的造型方式，將古希臘慣用的樑柱結構，代之以一種更為有效的拱券支撐方法，從而在屋頂造型方面，出現了在古希臘建築中很難見到的「穹拱」屋頂。正是這種「穹拱」屋頂，成為了古羅馬建築，特別是房屋類建築與古希臘房屋類建築最明顯的區別。這種拱券結構因經濟、實用，且審美效果也很好，故不僅應用於神廟、宮殿等特殊建築，而且擴展到日常生活的一切領域，如道路、橋梁、輸水道、港口、劇場、住宅、倉庫和下水道等。從而使許多雄偉建築在表現和諧、完美、崇高的同時，具有了一種明顯的「圓」味。但同時，古羅馬的建築又在造型方面有意識地借鑒和繼承了古希臘建築造型的一般特點，特別是柱廊的使用，常常鮮明地表現出古羅馬建築與古希臘建築的承繼關系。例如古羅馬的潘泰翁神廟（又稱萬神廟），它的主體部分是一個帶穹頂的巨大的混凝土圓桶，這種以「圓」為主的風格，是典型的古羅馬建築的特點，而在它的大門入口處，又靠著一個典型的古希臘的柱廊，柱廊由八根科林斯柱式組成，它的上面則是一處三角形的山尖。整個建築活脫脫地顯示著古羅馬建築繼承與創新的形象。
古羅馬建築的木結構技術已有相當水平，能夠區別桁架的拉桿和壓桿。羅馬城圖拉真巴西利卡，木桁架的跨度達到25米。公元一世紀建造的羅馬大角斗場，可容 五萬觀眾，只用了5～6年時間就建成了。它建在一個填沒的湖上，但地基竟沒有明顯的沉陷。
古羅馬建築藝術成就很高，大型建築物 的風格雄渾凝重，構圖和諧統一，形式多樣。羅馬人開拓了新的建築藝術領域，豐富了建築藝術手法。
其中比較重要的是：新創了拱券覆蓋下的內部空間，有庄嚴的萬神廟的單一空間，有層次多、變化大的皇家浴場的序列式組合空間，還有巴西利卡的單向縱深空間。有些建築物內部空間藝術處理的重要性超過了外部體形。
發展了古希臘柱式的構圖，使之更有適應性。最有意義的是創造出柱式同拱券的組合，如券柱式和連續券，既作結構，又作裝飾。帝國各地的凱旋門大多是券柱式構圖。出現了由各種弧線組成的平面、採用拱券結構的集中式建築物。公元2世紀上半葉建於羅馬郊外的哈德良離宮，是成熟的實例。
公元四世紀下半葉起，古羅馬建築潮趨衰落。 十五世紀後，經過文藝復興、古典主義。古典復興以及十九世紀初期，法國的「帝國風格」的提倡，古羅馬建築在歐洲重新成為學習的範例。這種現象一直持續到二十世紀20～30年代。
二、古羅馬卓越的肖像雕刻和裝飾藝術
羅馬人在肖像雕刻方面取得了卓越的成績。羅馬人從很早期就有祖先崇拜的風俗，他們為死者作雕像，收藏在家裡。在舉行新的葬禮時，再把所有的祖先肖像搬出來參加儀式。所以羅馬人早期的肖像雕刻以自然主義的逼真為特點，藝術水品不高。
共和國末期，羅馬征服了希臘，希臘雕刻藝術對羅馬產生了不可抗拒的影響。羅馬肖像開始走向形式的多樣化、藝術性的概括和表情的生動。為數眾多的《奧古斯都像》是受希臘理想化風格影響的典型例子。雕刻家把矮小跛腳、體弱多病的奧古斯都表現成高大健美的統帥，具有運動員一般的體期和英雄期概。他的臉龐也在形似的基礎上理想化了，接近希臘雕刻一般的完美。幾十座肖像都無一例外的美化，有的將他塑造成戰神，有的將他塑造成英雄或美少年。
羅馬帝國時期，肖像雕刻中寫實風格流行，出現了具有強烈的個性和復雜的內心世界描寫的肖像。《卡拉卡拉像》表現了一個兇狠緊張而又冷酷無情的暴君面孔，緊皺的眉頭和空虛的眼神中流露出不安的心情，扭轉的頭部強調了緊張和暴戾的性格。《馬可•奧勒留騎馬像》是一個具有斯多噶哲學思想的君主肖像。他的臉部帶有哲理性的思索，具有頹廢、消極、靜觀的色彩。因為這一明顯的特點符合基督教的學說，這座青銅像在中世紀得以保存下來。它對以後的義大利文藝復興時期雕刻家產生了重要影響。
帝國晚期，在極度的政治、經濟矛盾不安中，肖像雕刻風格走向更為寫實的道路，出現了大量各種不同的面孔：凶惡的、狡詐的、粗魯的、驚惶不安的……體現出羅馬人這時候的典型性格是：外表形象的粗魯、內在精神的高度緊張。
羅馬浮雕具有記事、寫實的特徵，其最突出的代表作是圖拉真紀念柱浮雕。它詳盡地敘述了圖拉真皇帝親自率軍征服達契亞人的全過程。這些事件和情節是當作史實來記載的，不論是人物服裝還是征服城市的過程都具有歷史的真實性。在這兩千多人物的長卷式浮雕中，藝術家採用了散點透視手法，出色地處理了情節繁瑣、層次復雜、人物眾多的構圖。
羅馬的公室及富豪之家，擁有成百的藝術品及其他的裝飾品。地板常常是雜色的大理石，傢具都有非常優異的設計及工藝技巧，桌子、椅子、凳子都由耐久性的物質製成，裝飾極為豪華。木料、象牙、大理石、銀、銅及金等材料都經過非常細密的加工及磨製，銅制的火盆暖著屋子，青銅吊燈則照亮了房間，鏡子也是銅的，浮雕或鐫刻著花式或神話的圖案，有時製成橫或直的凹形或凸形，把反射出來的人形改變成可笑的瘦長或胖圓形。
銀器用品在中層以上家庭中已經是很普遍了。1895年，考古學家在一座別墅的水池中發現了數量可觀的銀器收藏品，顯然是有人在公元79年躲避維蘇威（Vesuvius）火山爆發時把它們儲藏在那裡的。其中16隻銀杯中，有一隻還看出一個幾近完美的單葉（Simple foliage）圖樣，有兩只表示著高浮雕的骨架，另1隻上面的圖畫是奧古斯都在戰神及愛神之間加冕登基，表示兩者都是人類的敵神；最可笑的是斯多喝派的鼻祖芝諾，譏諷地指著伊壁鳩魯，後者正津津有味地吃著一在塊蛋糕，同時有一隻豬，前足立起，彬彬有禮地想討取一份。
在那個時代，至少在一隻手指上戴1枚戒指是社交所必需的，少數的花花公子每隻手指都戴戒指，而不只戴一枚戒指，這些戒指都用從非洲及阿拉伯、印度輸入的寶石雕刻而成的。羅馬人用戒指做私人的印章，他們喜歡使印章有獨特的設計，因此當時玉石的雕刻已達到一種難以企及的程度。
同時，各式各樣的陶瓷藝術品也充斥義大利的家庭。這時製造藝術玻璃的技術也達到了很高的程度，在龐貝遺址發現的"藍玻璃花瓶"，描繪出酒神在為葡萄成熟而開的慶祝宴會上的優美活動。提比略在位時，吹玻璃的藝術也傳入了羅馬，很快便製造出了雜色的小玻璃葯瓶、杯子、碗及其他精美的製品，並使它們一度成為藝術收藏家及百萬富翁們心愛的"獵物"，尼祿在位時，曾付出6000銀幣買了2個小的吹玻璃杯。從亞洲及非洲輸入的"螢石"花瓶的價格則更昂貴。奧古斯都雖然把埃及女王克婁巴特拉的金盤子熔化掉，但是卻把她那螢石玻璃製成的杯子珍藏了起來。尼祿則為那樣一個杯子付出了100萬銀幣。總而言之，羅馬人在制玻璃方面至今舉世無雙。
古羅馬的裝飾與雕刻的美學追求在於求真美，這同古希臘的寧靜、理想化的完美迥然不同，這種特徵趨向於個人意志的創造，表現出敢於參與世事爭勝的氣概。
三、古羅馬的壁畫藝術風格特徵
羅馬時期的繪畫主要包括鑲嵌畫和壁畫。早期繪畫多記載具體歷史事件，用來裝飾公共場所和住宅，這種敘事性繪畫保存下來的很少。公元79年，由於維蘇威火山爆發，火山灰埋沒了龐貝等三個義大利城市。18世紀龐貝城被發掘出來，其中保留了大量壁畫，根據這些壁畫，羅馬壁畫被劃分為第一、二、三、四龐貝風格。第一風格即用色彩塗繪建築細部；第二風格是直接在牆上描繪建築細節，用透視造成更寬敞的空間幻覺，並穿插以情節性繪畫，《密祭》就屬於這一風格；第三風格強調牆的平面性，並繪以精緻的靜物；第四風格將透視效果。
古代的遊客在羅馬的寺院、住宅、迴廊及劇場中，發現的繪畫甚至比雕塑更為普遍。當然，這時的繪畫藝術只局限在壁畫等方面。由於維蘇威火山的噴發，才為我們在龐貝留下了大約3500幅壁畫。有一幅壁畫，畫著狄奧尼修斯突然襲擊安睡中的阿里婭德涅（Ariadne）；另一幅畫著赫爾墨斯安靜地望著火神被綁在苦刑輪子上；還有一連串的幽默壁畫，畫著無憂無慮的丘比特，滑稽地模仿著龐貝的工業。這些人形畫得栩栩如生，人體的色彩至善至美。
藝術鑒定家如果要了解古代義大利繪畫藝術的性質，劃分它的時期與風格，都要去參考龐貝時期的繪畫。
有一個時期，羅馬的壁畫是模擬一棟建築，或者畫它的正面，或者畫它的柱子，人們看見的柱子彷彿是從裡面向外看的，空曠的鄉野被畫在柱子與柱子之間。用這種方法，藝術家使人有置身於一個沒有窗子的房間的感覺，室外是涼爽的樹木與花卉、原野與溪流、馴良的動物。居民只要在屋裡對著牆看，便可想像到身處於一處花園之中，可以垂釣、泛舟、狩獵或養鳥，樂在其中，而不受季節的限制，這也從另一個方面說明了羅馬繪畫藝術的水平。
例如古羅馬：龐貝壁畫風情款款，古羅馬龐貝城的建築牆面，在各個時期使用的是不同的材料。多數建築物是在公元前1世紀至公元1世紀時期內建造的。其時，在牆上製作壁畫前，須塗刷多層灰泥。塗灰泥是一道重要工序，一般在豪富宅第，牆上的灰泥有十層之多，灰泥中還摻有搗碎的磚末。
我們可以從一些龐貝壁畫上看到這種建築工匠在牆上塗灰泥的情景：工匠們先在灰泥上勾出輪廓(出土的幾幅壁畫，有的僅打出輪廓，未來得及上畫稿)，然後上色。所用的顏料大多採用義大利本土的礦物質，如硃砂、赭石、錫埃納土黃、碎淳岩等，用生石灰作粘合劑(生石灰易溶於水，從空氣中吸收碳酸氣，變成不溶解的碳酸鈣，使顏料成分得以粘固)。學者們還發現壁畫家常採用有機物作顏料，如蛋黃、蛋白、乳漿等(乳漿可用於粘合龐貝藍或稱玻璃藍、深黑等色)。
這里的一幅《珀耳修斯與安德洛墨達》，所用的顏色就十分鮮艷，它出土於龐貝城，據考證，發現是從公元前4世紀尼基壁畫復制下來的，故屬於公元1世紀。現歸義大利那不勒斯國家博物館收藏。
《珀耳修斯與安德洛墨達》這一題材也出自希臘神話：衣索比亞國王的女兒安德洛墨達，被吃人的海怪挾持，並說這是執行神的指示。英雄珀耳修斯在歸途中經過巨岩上空，發現巨岩上鎖著安德洛墨達，便下去殺死了海怪，救出了美人，並娶安德洛墨達為妻。壁畫描寫的正是英雄救出美人的時刻。珀耳修斯一手提著海怪的首級，一手扶起美人要離開巨岩。
當年與龐貝城同時毀滅的另一古城赫庫蘭尼姆，經發掘也藏有許多精湛的壁畫。這些壁畫都以希臘神話為題材。盡管還帶有一定程度的摹仿希臘繪畫的特色，但從人物的造型與衣服的褶紋表現看，這位畫家有著嫻熟的繪畫技巧，明暗濃淡與色澤的變化，在龐貝的壁畫遺跡中是屬於高明的。有的學者說它是希臘壁畫的摹製品，可能是指形象的特徵。我們覺得如此流暢的藝術表現，應該說，摹制者至少在藝術修養上不比古希臘壁畫家差，相反，倒是比前者更懂得畫理一些。
歐洲文藝復興運動, 象達·芬奇的`蒙娜麗莎`,米開朗琪羅的雕塑`摩西`,拉斐爾的`聖母子`,這都是歷史上不朽的繪畫及雕塑作品,這三位大俠也被後人稱為義大利文藝復興時期的三傑。
他們的輝煌成就，不僅對歐洲而且對全世界後來藝術的發展產生了深遠的影響。
那麼就在文藝復興期間，為了區分中世紀時期(5-15世紀)的藝術風格，歌特（gotic）出現了，
15世紀中義大利人有了振興古羅馬文化的念頭因而掀起了燦爛的文藝復興運動，由於義大利人對於哥特族摧毀羅馬帝國的這段歷史情仇始終難以忘懷，
因此為了與這段時期有所區分，他們便將中世紀時期的藝術風格稱為歌特（gothic）
對他們而言即意味著野蠻。雖然歌特（gothic）這個詞中帶有貶義，但在中世紀（歌特）時期，許多偉大的藝術作品都是在這個時代孕育出的
這點似乎15世紀的義大利人也是不能否認的。其中最有名的當算是法國巴黎的聖母院大教堂(Notre Dame)。
當然，哥特式風格也不僅止於建，諸如雕刻、玻璃製品、裝飾品和彩繒圖稿等等，都深受影響，
這類藝術創作從12世紀中到16世紀初一直綿延不斷。同樣宗教在哥特藝術上扮演著極重要的角色，
不論是畫家或雕刻家，在他們的作品上都喜愛以宗教為題，對於寫實的題材則不甚感興趣。
從字面上理解歌特基本上有三種意義，
其一表示哥特式風格的建築，如大教堂(cathedral)，其最大的特色就是高大的樑柱和尖拱形的天花板與結構；
其二，在文學上哥特是用以形容那些以黑暗寂寞地點(如荒廢城堡)為背景的奇異、神之冒險故事；
其三，哥特也代表一種字體相當華麗的印刷或書寫風格。
哥特文化作為一場現代文化運動，開始於七十年代末期朋克（PUNK）搖滾的音樂浪潮，
當後者漸漸退去的時候，哥特文化作為一種邊緣的亞文化倖存了下來。
哥特文化是作為一種獨特的中世紀復古風格的音樂、藝術和文學的文化范疇
在音樂上它承襲了七十年代歐美朋克（PUNK）搖滾的音樂風格
在藝術上表現為一種對十二到十六世紀西歐的哥特式建築風格的強烈復古傾向
在文學上演變為那種隱郁和怪誕的神秘黑暗文學
哥特文化實際上傾向於那種非暴力的、和平主義的、被動的、寬忍的生活態度。
但在許多媒體中卻將它錯誤地理解為那種極端暴力的，仇視少數民族的和白人至上主義的邊緣文化。
哥特文化總是表現出一種孤僻疏離的，陰沉的精神氣質，它總是去探討那些引人深思的社會問題，種族歧視、戰爭、以及仇恨。
精神上對死亡的迷戀，驅使哥特文化不停地試圖去找尋對生活、痛苦和死亡的另外一種思考。
9. 歐洲藝術的主流是什麼
繪畫在帝國藝術特徵「古典主義」，十七八世紀時，不斷的經濟發展和殖民擴張，也同時注意到小亞細亞及巴爾干，故而興起「古希臘研究」熱潮，而當時的藝術家思想為:「藝術的理想絕不是在於個性的一點上，只有深得調和勻稱中庸之美的藝術，才是藝術的最高境界」此中庸之道的繪畫恰和革命時代顯示帝國威風的法國人相合，為政治、藝術相形影響的最佳佐證。強調完全拋棄個人的主觀情感，而以理智的、調和的書法為理想，以正確的素描為宗，色彩則被斥為感情用事的東西，作風和佛羅倫斯派接近。
從18世紀末到19世紀初，新古典主義取代了羅馬藝術而占統治地位。這一時期的法國成為西方文化藝術的中心和西方近代美術主要流派的發源地，一些重要畫家均在法國產生，法國的藝術發展成為歐洲藝術的主流。
10. 歐洲藝術家都有哪些
1、達·芬奇
列奧納多·迪·皮耶羅·達·芬奇（義大利語：Leonardo di ser Piero da Vinci；儒略歷1452年4月15日—1519年5月2日），義大利著名藝術家、科學家，與拉斐爾、米開朗基羅並稱義大利「美術三傑」 (文藝復興後三傑)，也是整個歐洲文藝復興時期的代表之一。
5、帕萊斯特里那
帕萊斯特里那（Giovanni Pierluigi da Palestrina，1525年-1594年2月2日），全名焦瓦尼·皮耶路易吉達·帕萊斯特里那，義大利文藝復興時期作曲家。被廣泛認為是文藝復興時期最傑出的作曲家之一。