徐崇美術

① 美術的分類有幾種

1、水墨畫

水墨畫（Chinese Brush Painting）是由水和墨經過調配水和墨的濃度所畫出的畫，是繪畫的一種形式，更多時候，水墨畫被視為中國傳統繪畫，也就是國畫的代表。也稱國畫，中國畫。基本的水墨畫，僅有水與墨，黑與白色，但進階的水墨畫，也有工筆花鳥畫，色彩繽紛。後者有時也稱為彩墨畫。

(1)徐崇美術擴展閱讀：

中國的繪畫工藝十分古老，可以上溯到原始社會的新石器時代，距今至少有七千餘年的。最初的中國繪畫，是畫在陶器、地面、和岩壁上的，漸而發展到畫在牆壁、絹、和紙上。使用的基本工具是毛筆和墨，以及天然礦物質顏料。

在無數畫家不斷探索、創新的努力之下，逐漸形成了鮮明的民族風格和民族氣派，並有著自己獨立的繪畫美學體系。照這么說中國工藝也十分古老，也可稱之史前繪畫。

中國繪畫的歷史最早可追溯到原始社會新石器時代的彩陶紋飾和岩畫，原始繪畫技巧雖幼稚，但已掌握了初步的造型能力，對動物、植物等動靜形態亦能抓住主要特徵，用以表達先民的信仰、願望以及對於生活的美化裝飾。

② 美術有哪幾種類型

美術的分類
中國畫
簡稱「國畫」。指在中國民族的土壤上長期形成和發展起來的、在世界美術領域中自成獨特體系的中國民族繪畫。它是用毛筆、墨以及中國畫顏料，在特製的宣紙或絹素上作畫。按表現題材，可分為人物、山水、花竹、禽鳥、畜獸、蟲魚、宮室等畫料。按表現手段和技法，可分為工筆、寫意、鉤勒、沒骨、設色、水墨等畫法。按幅面樣式，可以分為立軸、橫卷、冊頁、扇面等款式。中國畫十分重視筆墨，運用線條、墨色和輕重彩色，通過鉤皴點染，干濕濃淡並用，來表現客觀物象的形體結構，陰陽向背；並運用虛實疏密結合和「留白」等手法來取得巧妙的構圖效果。中國畫的空間處理也比較自由靈活，即可以用「以大觀小」法，畫重山疊嶂；也可以用「走馬看山」法，畫長江萬里。中國畫物別講示「形神兼備」、「氣韻生動」，不但主張要「外師造化」，而且還要「中得心源」，中國畫在畫面上還題寫詩文，加蓋印章，將詩文、書法、篆刻融為一體。
西洋畫
指區別於中國傳統繪畫體系的西方繪畫，簡稱西畫。包括油畫、水彩、水粉、版畫、鉛筆畫等許多畫種。傳統的西洋畫注重寫實，以透視和明暗方法表現物象的體積、質感和空間感，並要求表現物體在一定光源照射下所呈現的色彩效果。
油畫
以易於油劑（亞麻仁油、罌粟油、核桃油等）調和顏料，在亞麻布，紙板或木板上進行製作的一個畫種。作畫時使用的稀釋劑為押發性的松節油和乾性的亞麻仁油等。畫面所附著的顏料有較強的硬度，當畫面乾燥後，能長期保持光澤。油畫是西洋畫的主要畫種。

雕塑
「造型藝術」的一種。是雕、塑兩種方法的總稱。以各種可塑的粘土等或可雕可刻的木、石等材料、製作出各種具有實在體積的形象，表現手法藉助於體積和結構等。雕塑一般分為圓雕、浮雕兩種。由於用途的不同，也分為架上雕塑、紀念性雕塑、裝飾性雕塑、建築性雕塑等。
工藝美術
美術種類之一。指具有一定美術意味的工藝品製作，既滿足人們的物質生活需要，又滿足人們精神生活的需要，是實用和審美的結合，技術和藝術的統一。工藝美術分為兩類：①日用工藝。②陳設工藝。

書法
①中國傳統藝術的一種。②寫漢字的方法。中國書法根據漢字的造型規則，運用點畫構成各種形態以表情達意。有正（楷）、草、行、隸、篆（大篆、小篆）等各種書體。書法美的基本因素是點畫，其次才是由點畫組成的結體。故書法用筆至關重要，是對提按、藏露、轉折、輕重、緩急、方圓等矛盾關系的掌握和運用，須講究指忌浮滑輕薄。就能篇而論，書法美在於字里行間氣勢、節奏、韻律及其所傳達的意興情緒。各種書體均講究結構橫直安排有致，顧盼呼應；布局疏密得宜，首尾連貫。
素描
一種主要以單色線條和塊面來表現物象的繪畫形式。通常所為鍛煉繪畫基本功的手段，以訓練觀察和表現客觀物象的形體、結構、明暗、質感、量感和空間感的能力。素描亦可作為一種獨立的藝術形式運用於創作。如畫家王式廓的作品《血衣》，即其一例。
水粉畫
用水調合粉質顏料描繪出來的圖畫。水粉顏色一般不透明，有較強的覆蓋能力，可進行深細致的刻畫。運用得當，能兼具油畫的渾厚和水彩畫的明快這二者的藝術效果。

【壁畫】
繪在建築物的牆壁或天花板上的圖畫。分為粗底壁畫、刷底壁畫和裝貼壁畫等。壁畫是最古老的繪畫形式之一，埃及、印度、巴比倫保存了不少古代壁畫，義大利文藝復興時期，壁畫創作十分繁榮，產生了許多著名的作品。我國自周代以來，歷代宮室乃至墓室都有飾以壁畫的制度；隨著宗教信仰的興盛，又廣泛應用於寺觀、石窟（例如敦煌莫高窟、芮城永樂宮，至今大量保存著著名的佛教壁畫和道教壁畫遺跡。）
漫畫
繪畫種類之一，又稱諷刺畫。高速畫一詞來源於義大利文Caricare，義為誇張，後來演變為專指具有諷刺和滑稽意味的圖畫，即Caricature一詞。通過誇張、變形、假定、比喻、象徵等手法，以幽默、風趣、詼諧的藝術效果，諷刺、批評（或歌頌）現實生活中的人和事。
寫生
中國畫傳統的術語。將描寫花、木、鳥、獸等生物的繪畫稱為寫生。如五代黃筌《寫生珍禽圖》。在現代通常的繪畫用語中，凡是直接以實物、實景為對象進行描寫，統稱為寫生。
速寫
以迅速而准確的觀察力，運用簡練的線條，扼要地描畫出對象的神態、形體、動作等特徵的一種畫法。它是培養作畫者敏銳的觀察力和迅速把握對象特徵的概括力的重要繪畫手段，也是記錄生活，積累創作素材的重要手段。

③ 徐悲汾畫孫多慈

徐悲鴻苦戀才女孫多慈

孫多慈的照片很少流傳，她的自畫像並不漂亮，但在民國年間，被畫師徐悲鴻愛慕的女孩，傳說中是美的。

那年徐悲鴻35歲，正是婚姻危機的時候。他忙於繪畫工作，妻子蔣碧微則在他的疏忽中沉醉於交際應酬。兩個人因缺乏共同語言，越來越形同陌路。平日，徐悲鴻除了繪畫，就是忙於南京中央大學美術教授的工作。

遇見孫多慈彷彿命中註定。18歲的孫多慈考取中央大學的文學院未果，於是作為旁聽生來到藝術系，她成了徐悲鴻的學生。

孫多慈初遇徐悲鴻，心底對他無限崇拜。而她年輕的臉龐，明亮的眼睛，略帶傷感的目光，總是讓徐悲鴻心生憐憫。

孫多慈的藝術感覺非常好，第一次交上來的畫作就讓徐悲鴻非常吃驚。她用筆堅實而厚重，造型准確傳神，完全不似出自一個年輕女孩的手筆。

看過孫多慈的畫，徐悲鴻對她更加心疼。那時孫多慈話不多，每次下課總是一個人默默離開，徐悲鴻看著她的背影，對這個女孩很好奇。

也許是惜才心切，也許是這種感情里還夾雜著一些徐悲鴻自己也不知的感情，他非常想把自己繪畫上的才華傳授給孫多慈。

於是有一天，徐悲鴻下了課，對孫多慈說：想參觀我的畫室嗎？

孫多慈想不到老師會邀請她，又驚喜又意外，她羞澀地點點頭。

孫多慈在徐悲鴻的畫室里，看了很多他的畫作。她深深迷戀在那蒼涼的畫作中。這天她還給徐悲鴻當了模特，坐在窗邊，陽光灑在她的肩頭，穿著丹青布旗袍的她看起來很美。

他們就這樣熟識起來。

搞藝術的人生性敏感，容易孤獨。徐悲鴻和孫多慈也不例外。一個結婚多年，正處在情感疲倦期，有許多話需要妻子之外的人來聆聽。另一個獨自在學校，遠離家人，朋友也很少，除了學畫，不知還能做什麼。於是彼此開始傾訴與聆聽。

孫多慈喜歡這樣的日子，去老師的畫室學畫，或者和老師一起去郊外遊玩，她在他的身邊，臉上的憂傷逐漸消失，她變得活潑愛笑，甚至有些調皮。

那段時間，徐悲鴻的心情也陽光燦爛起來，和孫多慈相處日久，難免在授課時有些偏心，眼裡彷彿只有孫多慈一個人，他一門心思指導孫多慈繪畫，而疏於其他學生。這自然引起很多學生的不滿，埋怨孫多慈搶了他們的學習時間。一時關於孫多慈與徐悲鴻的花邊新聞傳遍校園。

徐悲鴻對這些好像並不在意，依然去找孫多慈。那時孫多慈住在中央大學女生宿舍，是禁止男士出入的，徐悲鴻卻破這個例，不管別人怎麼看，依然去女生宿舍找孫多慈，這讓孫多慈非常尷尬，聽到的閑言碎語更多了。

孫多慈這個年齡，自然無法面對別的女生嘲弄的目光，盡管她也盼著見徐悲鴻，還是決定搬離女生宿舍，在石婆巷租了一間房子。

如果說徐悲鴻與孫多慈起初在一起，只是師生或者朋友的感情，那麼在1933年1月徐悲鴻離開學校遠赴歐洲舉辦巡迴展後，他們之間似乎有些不同了。長達一年半的分別，讓兩個人在書信中頃盡相思。

這一時，孫多慈才發現徐悲鴻在她心裡有多重要。不見的刻骨想念轉化成內心深處煎熬的愛慕，她在畫作里傾訴著自己初戀的歡喜與疼痛。

④ 現代繪畫之父是誰

保羅·塞尚(1839~1906)，後印象主義的代表畫家，出生於法國南部城市埃克斯—普羅旺斯。其父是一位富有的銀行家，曾一心想把兒子培養成律師。然而塞尚卻對法律不感興趣，而特別醉心於繪畫。1862年，23歲的塞尚終於沖破家庭阻撓，來到巴黎專攻繪畫。他經好友左拉介紹，結識馬奈、畢沙羅等印象主義畫家，並多次參加印象主義畫展。後來，他由於不滿於印象主義的藝術追求，而與印象主義者分道揚鏢，從此專心於自己的藝術探索，並在繪畫上取得巨大成就，成為西方現代美術史上一位卓越的、劃時代的畫家。塞尚的畫具有鮮明的特色。他強調繪畫的純粹性，重視繪畫的形式構成。通過繪畫，他要在自然表象之下發掘某種簡單的形式，同時將眼見的散亂視象構成秩序化的圖象。為此，他進行了一系列藝術探索。首先，他強調畫中物象的明晰性與堅實感。他認為，倘若畫中物象模糊不清，那麼便無法尋求畫面的構成意味。因此，他反對印象主義那種忽視素描、把物象弄得朦朧不清的繪畫語言。他立志要「將印象主義變得象博物館中的藝術那樣堅固而恆久」。於是，他極力追求一種能塑造出鮮明、結實的形體的繪畫語言。他作畫常以黑色的線勾畫物體的輪廊，甚至要將空氣、河水、雲霧等，都勾畫出輪廓來。在他的畫中，無論是近景還是遠景的物象，在清晰度上都被拉到同一個平面上來。這樣處理，既與傳統表現手法拉開距離，又為畫面構成留下表現的餘地。其次，他在創作中排除繁瑣的細節描繪，而著力於對物象的簡化、概括的處理。他曾說：「要用圓柱體、圓錐體和球體來表現自然。」他的作品中，景物描繪都很簡約，而且富於幾何意味。有人認為，這是由於他不擅長於精細描繪而採取的做法。然而，即使這種說法是事實，也說明他具有揚長避短的本領，從而在形式構成方面發揮出創造才能。其三，為了畫面形式結構，他不惜犧牲客觀的真實。他最早擺脫了千百年來西方藝術傳統的再現法則對畫家的限制。在塞尚畫中，經常出現對客觀造型的有意歪曲，如透視不準、人物變形等。他無意於再現自然。而他對自然物象的描繪，根本上是為了創造一種形與色構成的韻律。他曾說：「畫家作畫，至於它是一隻蘋果還是一張臉孔，對於畫家那是一種憑借，為的是一場線與色的演出，別無其他的。」

塞尚重視繪畫的形式美，強調畫面視覺要素的構成秩序。這種追求其實在西方古典藝術傳統中早已出現。而塞尚始終對古典藝術抱著崇敬之情。他最崇拜法國古典主義畫家普桑。他曾說：「我的目標是以自然為對象，畫出普桑式的作品。」他力圖使自己的畫，達到普桑作品中那種絕妙的均衡和完美。他向著這方面，進行異常執著的追求，以致於對傳統的再現法則不以為然。他走向極端，脫離了西方藝術的傳統。正是如此，他被人們尊奉為「現代繪畫之父」。

⑤ 古希臘美術代表人物

古希臘美術史的分期通常分為荷馬時期，古風時期、古典時期、希臘化時期。

1．荷馬時期（公元前12—前8世紀）

荷馬時期是根據荷馬史詩的作者名字來命名的，也就是氏族社會末期。荷馬時期為希臘神話形成期，也是造型藝術的萌芽時期。

荷馬時期最早的造型藝術作期是幾何紋風格的陶期，造型簡朴，大小不一，用於敬神和陪葬。這一時期的陪葬用小雕像也是幾何形的，沒有細節刻畫。因此，這一時期又被稱為「幾何風格時期」。

2．古風時期（公元前7—前6世紀）

古風時期是造型藝術的形成期。在這一時期，東方文化通過貿易交往對希臘藝術產生了影響，而希臘藝術又通過吸收東方文化之長和逐漸擺脫東方影響而形成了自己的風格。這一時期的美術成就主要是繪畫、建築和雕刻。

繪畫：陶器是希臘人主要的日常期皿和出口商品，雅典和科林斯是陶期的重要生產中心。在古風時期，情節性繪畫的類型就已確立，先後出現了三種風格：東方風格、黑繪風格、紅繪風格。

公元前7世紀的繪畫主要為東方風格，出現了受埃及、兩河地區影響的獸首人身像、植物紋樣等等。黑繪風格出現於公元前6世紀初，它是把主體人物塗成黑色，背景保持陶土的赭色，使形象輪廓突出，有如剪影，細部稍用勾線表現。期代表作有《阿喀琉斯與埃阿斯玩骰子》等。紅繪風格出現於公元前6世紀末，它恰好與黑繪風格相反，是在背景上塗以黑色，留下主體部分的赭色，人物細部用線來描繪。這種風格主要流行於古典時期。繪畫表現的多為情節性場面，以神話題材和日常生活題材為主。流暢秀麗的線條表現了各種人物、戲劇性的動人場面以及細膩的感情。

建築：希臘的建築主要是神廟。古風時期，希臘神廟建築形成了它的典型形式——圍柱式，即建築周圍用柱廊環繞。兩種基本的建築柱式已經形成，即多利亞式和伊奧尼亞式。多利亞柱式樸素、粗壯，沒有柱基，柱身由下向上逐漸縮小、中間略鼓出，柱身有凹槽，柱頭上接方形柱冠。伊奧尼亞柱式精巧、纖細，有柱基，柱身較細長、勻稱，凹槽密而深，柱頭為渦卷形，檐壁有浮雕飾帶。後來，在古典後期的小亞細亞地區又流行一種科林斯柱式。科林斯柱式在伊奧尼亞柱式的基礎上發展到更為華麗的裝飾，柱頭為繁密的花藍。古風時期的有名建築是埃吉娜的雅典娜神殿、以弗所的阿爾忒密斯神殿。

雕刻：古風時期的雕刻受埃及影響，人物處於正面直立的僵硬狀態。無論男女像，在表情上都帶有千篇一律的微笑，通稱為「古風的微笑」。人物通常著色，衣紋和頭發刻畫常具有裝飾性的特點。後期雕刻開始出現新的因素，產生了一些較為生動自然的男人體，這種男人體雕像被統稱為「阿波羅」。創作於公元6世紀的《荷犢的男子》是古風時期的傑作，小牛的表情生動，舉著牛犢的男子雙手雕刻得結實有力。

3．古典時期（公元前5—前4世紀）

這一時期是希臘藝術的繁榮期，藝術的各門類都取得了巨大的成就，其中以建築和雕刻對後世的影響最為深遠。

建築：古典時期的圍柱式建築的各部分開始形成固定的格式和比例，總的趨向是簡練合理。這一時期建築的成就相當可觀，其中最突出的代表是雅典衛城建築群。雅典衛城重建於古典初期。它聳立在很高的山崖上，地勢險要陡峭，僅有四面上下通道。衛城各建築順應山崖的不規則地形分布在山頂上，它包括山門、巴底農神廟、尼開神廟、伊克瑞翁神廟等建築，其主要建築是獻給雅典娜女神的巴底農神廟。巴底農神廟長70米，寬31米，列柱的比例為17∶8，柱高10．5米，採用多利亞柱式，檐壁又採用伊奧尼亞式的浮雕飾帶，東西三角楣裝飾著高浮雕。它結構勻稱、比例合理，有豐富的韻律感和節奏感。建築結構和裝飾因素、紀念性與裝飾性、內容與形式取得了高度統一、是世界藝術史上最完美的建築典範之一。伊克瑞翁神廟有苗條秀麗的伊奧尼亞柱式，它的南側有一組女像柱，姿態輕盈，形象端莊，完全沒有負重的緊張感。

雕刻：古典時期的雕刻已完全擺脫了古風時期的拘束和裝飾性，產生了寫實而理想的人體，達到了希臘雕刻藝術的鼎盛時期，出現了一批優秀的雕刻家。

米隆是古典初期雕刻家。他的作期造型准確，對人物內在的骨胳和肌肉運動有較深的理解和傳達。他的代表作《擲鐵餅者》在一個固定的動作上表現出運動的連續性，出色地解決了人體重量落在一隻腳上的重心問題，改變了雕刻中直立的程式。

古典盛期最偉大的雕刻家是菲狄亞斯。他設計了雅典衛城建築，創作了衛城內大量雕刻和裝飾浮雕。他的作品創造了典雅、靜穆的形象，是古典雕刻的理想美的典範。他為巴底農神廟創作的雅典娜女神像高達12米，用木胎包以黃金、象牙刻成，表現了女神一手托小勝利女神、一手執盾的姿態，受到同時代人及後人的崇拜。此外他還為雅典衛城廣場創作了一座雅典娜持矛的雕像，高達9米，據說在海上便可見到鍍金矛尖的閃光。他為巴底農神廟的東西三角楣所創作的高浮雕被當作古典雕刻最完美的標本，期中《命運三女神》姿勢優美，衣紋主動，既襯托出女神豐腴的體形，又具有流動柔美的運動感。

波留克列特斯是菲狄亞斯的同時代人，他既是雕刻家、又是古代著名的藝術理論家。他寫了《法則》一書，系統闡述了人體各部分的比例，提出頭與人體之比為1∶7。他的雕刻《荷矛者》就是其理論的具體體現。但他的作品帶有更多的形式方面的探索，強調藝術的規范化，這一點多少對他的作品產生了束縛，使他不能創造出菲狄亞斯那麼多動人的作品。

古典後期，雕刻開始側重個性的刻畫，表現人的個性和感情，人物充滿著生活的情趣和內在的激情。這種性格化的描寫標志著希臘雕刻的進一步成熟。

普拉克西特列斯以柔美、抒情為特徵，他的人物總是處在恬靜、愉悅的期氛中，但又充滿青春活力，給人以親切、詩意的感受。他喜歡描寫神話人物，如快樂而瀟灑的薩提爾，含蓄而優雅的赫爾麥斯。他也塑造了最早的全裸女人體《尼多斯的阿芙羅底德》，他那優美而流暢的人體表現很快就征服了觀眾。

與期拉克西特列斯的寧靜、抒情相反，史珂珀斯的雕刻卻傳達出一種內在的騷動和悲劇性的沖突。他的人物頭部往往處在強烈的扭動中，眼睛深凹，眉骨突出，嘴張開，嘴唇飽滿而彎曲，通過面部大的起伏造成強烈的明暗對比，表現出強烈的不安、激奮、痛苦、渴望的感情。《尼奧貝》群像可能是他的作品，雕像的面部表情和動作表達出人物的絕望、悲憤而又不甘屈服的復雜表情。

留西波斯繼承和發展了波留克列特斯的理論，他提出了人的頭部與身體的比例為1∶8的標准。與波留克列特斯的不同之處在於：他的人物既有運動員一樣健壯的體期、又有復雜的感情和充滿矛盾的內心世界。他塑造的神話人物《赫拉克列斯》表現了處在休息中的英雄，肌肉發達的身體與沉思的面部表情形成對比。

4．希臘化時期（公元前4世紀末——公元1世紀）

希臘化時期，馬期頓國王亞歷山大率軍征服希臘各城邦，建立亞歷山大帝國。隨著帝國的不斷征服與擴張，產生了希臘文化向東方的傳播以及與東方文化的交流，這一時期又稱之為「泛希臘時期」。

這一時期的美術成就主要是雕刻，雕刻藝術形成了以不同的地區為中心的各種風格。

本土地區仍然保持著希臘古典傳統，技巧更為成熟。《薩摩色雷斯的勝利女神》以舒展旋轉的動作、生動自然的體態、迎風飄動的衣紋表現出勝利者喜悅的心情。人物面向海洋，佇立於船首形底座上，安放在懸崖峭壁，與環境交相輝映，構成有機的整體。《米洛斯的阿芙羅底德》以其空間的體積感和女人體的柔美而具有永恆的魅力。

在埃及地區，風俗化雕刻流行。雕刻家表現了大量下層人物形象，如流浪漢、漁夫、乞丐、醉漢等，也著重於生活細節描寫，如《小孩與鵝》表現了兒童與動物嬉戲的生動情節。

小亞細亞地區的柏加摩斯是希臘化時期的藝術中心之一，在這里史珂珀斯的悲愴風格得到了繼續發展。《柏加摩斯宙斯祭壇》是其代表作。這一祭壇是為了紀念對高盧地區的征服而建的，期中祭壇浮雕表現了眾神與巨人之戰的情節，戰斗的場面十分激烈。還有一組高盧人的圓雕，表現了強悍的異族人被打敗後的倔強、痛苦，如《垂死的高盧人》、《殺妻後自殺的高盧人》。羅德島的《拉奧孔》在風格上接近柏加摩斯風格，表現了悲劇性情節中人物的痛苦扭動和掙扎。

希臘時期，肖像雕刻得到了發展，出現了歌頌帝王和獨裁者的肖像。這些肖像的最大特點是強調非凡的個性，出現了理想化與個性化相結合的傾向，如《亞歷山大肖像》。同時也出現了許多哲學家、詩人、作家的肖像。

⑥ 美術的全部內容

美術，指的是藝術工作者塑造獨特藝術形象，表達自己思想的一種創作形式和創作結果。
美術，指占據一定平面或空間、具有可視形象以供欣賞的藝術。也叫造型藝術、視覺藝術。按照目的可分為兩大類，即純美術和工藝美術兩類。「美術」這一名詞始見於歐洲17世紀，也有人認為正式出現於18世紀中葉。近代日本以漢字意譯，五四運動前後傳入中國，開始普遍應用。
一、釋義
藝術門類之一。用一定的物質材料，如顏色、紙張、畫布、泥土、石頭、木料、金屬、木頭等，塑造可視的平面或立體的視覺形象，以反映自然和社會生活，表達藝術家思想觀念和感情的一種藝術活動。也叫造型藝術、視覺藝術。主要包括繪畫、雕塑、工藝美術、建築藝術等。
二、來源
歐洲17世紀開始使用「美術」這一名詞時，泛指具有美學意義的活動及其產物，如繪畫、雕塑、建築、文學、音樂、舞蹈等。也有 認為「美術」一詞正式出現應在18世紀中葉。18世紀產業革命後，美術范圍益見擴大，有繪畫、雕塑、工藝美術、建築藝術等，在東方還涉及書法和篆刻藝術等。中國五四運動前後開始普遍應用這一名詞。近數十年來歐美各國已不大使用「美術」一詞，往往以「藝術」一詞統攝之。
三、主流分類

它主要包括繪畫、雕塑、工藝、建築、書法、篆刻、設計、新媒體和攝影等類型。每個門類又可以根據表現的題材和使用的題材，再分成若干小類。
繪畫是造型藝術中最主要的一種藝術形式，它是指運用線條、色彩和形體等藝術語言，通過造型、色彩和構圖等藝術手段，在二維空間（即平面）里塑造出靜態的視覺形象，以表達作者審美感受的藝術形式。繪畫種類繁多，從不同的角度可將它劃分為不同的類別。從地域看，繪畫可分為東方繪畫和西洋繪畫；從工具材料看，繪畫可分為水墨畫、油畫、壁畫、版畫、水彩畫、水粉畫等；從題材內容看，繪畫可分為人物畫、風景畫、靜物畫、動物畫等；從作品的形式看，繪畫可分為壁畫、年畫、連環畫、漫畫、宣傳畫，油畫，吹畫、插圖等。
不同類別的繪畫形式，由於各自的歷史傳統不同，都有著各自獨特的表現形式與審美特徵。中國畫又稱國畫，它在世界繪畫領域中自成體系，獨具特色，是東方繪畫體系的主流。在工具材料上，中國畫是用毛筆、墨在宣紙、絹帛上作畫的，它講究筆墨，著眼於用筆墨造型。在表現方法上，中國畫採用一種散點透視的方法；在畫面的構成上，中國畫講究詩、書、畫、印交相輝映，形成獨特的形式美與內容美。油畫是西洋繪畫的代表，它是世界繪畫藝術中最有影響的畫種。
1、工具材料
油畫是用油質顏料在布、木板或厚紙板上畫成的。以油劑（亞麻仁油、核桃油等）調和顏料，在亞麻布，紙板或木板上進行操作的的一個畫種。
表現方法
傳統的油畫家採用焦點透視法作畫。在畫面構成上，它講究畫面景物充實，按自然的秩序布滿畫面，呈現出自然的真實境界。
2、美術繪畫
作品有：西方的達·芬奇《蒙娜麗莎》《人像》、梵高《星夜》《向日葵》
3、雕塑
雕塑是用可雕刻和塑造的物質材料製作出具有實體形象、以表達思想感情的一種藝術形式。雕塑的種類可以從不同角度來劃分。從製作工藝來分，雕塑可分為雕和塑。雕是從完整而堅固的坯體上把多餘部分刪削、挖鑿掉，如石雕、木雕、玉雕等，塑是用具有粘結性的材料聯接、構成為所需要的形體，如泥塑、陶塑等。從題材來分，雕塑可分為紀念性雕塑、建築裝飾性雕塑、城市園林雕塑、宗教雕塑、陵墓雕塑、陳列性雕塑。從表現形式來分，雕塑可分為圓雕、浮雕。圓雕是不附在任何背景上，可從四面八方觀賞的立體雕塑。浮雕是在平面上雕出凸起的藝術形象。表現手法常常藉助於體積和結構等。
雕塑的產生和發展與人類的生產活動緊密相聯，同時又受各個時代宗教、哲學等社會意識形態的直接影響。如法國舊石器時代的圓雕裸女和牝馬、野豬等浮雕，中國陝西何家灣和遼寧凌源、建平等地發現的5000~6000年前新石器時代的石雕、骨雕、人像和女神彩塑頭像等，反映了人類對自然力的崇拜和對動物的崇拜以及認識人本身、認識世界的過程。秦始皇陵兵馬俑再現了2000多年前的帝國大軍的威勢。雕塑是時代、思想、感情、審美觀念的結晶，是社會發展形象化的記錄，江在勛的作品《馬首是章》是以1860年被英法聯軍燒毀的圓明園羅馬拱門廢墟殘骸為背景，圓明園十二生肖銅獸首之一的馬首、清朝皇帝二十五寶之一的「皇帝親親之寶」玉璽為歷史淵源以及碑刻的形式表現「和」字為基礎托著祥雲的中華多名族的中國夢，並以印章的大概念屹立在世界的東方！《馬首是章》更以它嶄新的藝術形式和精神風貌詮釋著2015·第六屆中國北京國際美術雙年展的主題「記憶與夢想」，為謳歌時代留下歷史的印記。
4、工藝美術
工藝美術是指日常生活用品經過藝術化處理以後，使之具有強烈的審美價值的產品。我們一般把工藝美術分為實用工藝美術和陳設欣賞的工藝美術。實用工藝美術是整個工藝美術的主體和基礎，包括衣、食、化、行、用的工藝品類，實用價值是這類工藝品的主要價值，審美價值是作為輔助價值存在的。這類工藝品包括經過裝飾加工的茶餐具、燈具、木器傢具、綉花製品、草竹編織品等等。陳設欣賞工藝品是指那些以擺設、觀賞功能為主的工藝品，這類工藝品以審美為其首要價值，手工技藝性很強，實用價值已不明顯或完全消失，如玉器、金銀首飾、象牙雕刻、景泰藍、漆器、壁掛、陶藝等。
5、建築藝術
建築是建築物和構築物的統稱。是人類用磚、石、瓦、木、鐵等物質材料在固定的地理位置上修建或構築內外空間、用來居住和活動等的藝術。建築藝術則是指按照美的規律，運用建築藝術獨特的藝術語言，使建築形象具有文化價值和審美價值，具有象徵性和形式美，體現出民族性和時代感。以其功能性特點為標准，建築藝術可分為紀念性建築、宮殿陵墓建築、宗教建築、住宅建築、園林建築、生產建築等類型。從總體來說，建築藝術與工藝美術一樣，也是一種實用性與審美性相結合的藝術。建築的本質是人類建造以供居住和活動的生活場所，所以，實用性是建築的首要功能；只是隨著人類實踐的發展，物質技術的進步，建築越來越具有審美價值。
四、美術分支
1、中國畫
漢族傳統繪畫形式是用毛筆蘸水、墨、彩作畫於絹或紙上，這種畫被稱為中國畫，是五四以後相對西方繪畫而產生的，又稱國畫。

中國傳統繪畫（區別於「西洋畫」）泛指在中國民族的土壤上長期形成和發展起來的、在世界美術領域中自成獨特體系的中國民族繪畫。它的精神內核是「筆墨」。它是用毛筆、墨以及中國畫顏料，在特製的宣紙或絹素上作畫。按表現題材，可分為人物、山水、花竹、禽鳥、畜獸、蟲魚、宮室等畫料。按表現手段和技法，可分為工筆、寫意、鉤勒、沒骨、設色、水墨等畫法。按幅面樣式，可以分為立軸、橫卷、冊頁、扇面等款式。中國畫十分重視筆墨，運用線條、墨色和輕重彩色，通過鉤皴點染，干濕濃淡並用，來表現客觀物象的形體結構，陰陽向背結合；並運用虛實疏密結合和「留白」等手法來取得巧妙的構圖效果。中國畫的空間處理也比較自由靈活，即可以用「以大觀小」法，畫重山疊嶂；也可以用「走馬看山」法，畫長江萬里。中國畫物別講示「形神兼備」「氣韻生動」，不但主張要「外師造化」，中國畫在畫面上還題寫詩文，加蓋印章，將詩文、書法、篆刻融為一體。 按世界性文化藝術進程，中國繪畫廣義地包涵傳統中國畫和現代中國畫兩大畫種，既狹義地相互獨立，也有廣義地與西方美術融合融匯，其主要表現為藝術構思和圖畫寓意的顯著不同。
2、油畫
油畫是西洋畫的主要畫種。以易於油劑（亞麻仁油、罌粟油、核桃油等）調和顏料，在亞麻布，紙板或木板上進行製作的一個畫種。作畫時使用的稀釋劑為押發性的松節油和乾性的亞麻仁油等。畫面所附著的顏料有較強的硬度，色彩豐富，能充分表現出物體的色彩變化，極富真實感。當畫面乾燥後，能長期保持光澤。油畫一般重形似、重再現、重理性，運用焦點透視、解剖等知識塑造形象。
3、版畫
版畫（print）是視覺藝術的一個重要門類。廣義的版畫可以包括在印刷工業化以前所印製的圖形普遍具有版畫性質。當代版畫的概念主要指由藝術家構思創作並且通過製版和印刷程序而產生的藝術作品，具體說是以刀或化學葯品等在木、石、麻膠、銅、鋅等版面上雕刻或蝕刻後印刷出來的圖畫。版畫藝術在技術上是一直伴隨著印刷術的發明與發展的。古代版畫主要是指木刻，也有少數銅版刻和套色漏印。獨特的刀味與木味使它在中國文化藝術史上具有獨立的藝術價值與地位。
4、雕塑
雕塑是「造型藝術」的一種，是雕、刻、塑三種製作方法所塑造的藝術形象的總稱。以各種可塑的粘土等或可雕可刻的木、石等材料、製作出各種具有實在體積的形象，表現手法一般藉助於體積和結構等。雕塑一般分為圓雕、浮雕兩種。由於用途的不同，也分為架上雕塑、紀念性雕塑、裝飾性雕塑、建築性雕塑等。
5、抽象國畫
中國抽象國畫，是中國繪畫中的一種現代中國畫，它必須具有中國文化元素的最重要特徵，它是傳統的中國國畫藝術的繼承、發展和升華。同時，這種從「古」而來的藝術構思深邃的中國抽象國畫藝術，對真正從事「畫藝」的傳統中國國畫家，提出了更高的藝術要求。
6、內畫
內畫，是我國一種特有的傳統工藝，它的產生起源於畫鼻煙壺。內畫的畫法是以特製的變形細筆，在玻璃、水晶、琥珀等材質的壺坯內，手繪出細致入微的畫面，格調典雅、筆觸精妙。內畫藝術分為京、冀、魯、粵四大流派，其中尤以冀派內畫水平最高、規模最大、發展最快、影響最大，不久前已入選國家非物質文化遺產保護名錄，冀派內畫的發源地——河北衡水，還被文化部命名為「中國內畫之鄉」。
清光緒十六年，北京的內畫鼻煙壺工藝傳到了琉璃之鄉——山東博山。畫師畢榮九利用本地生產的高級琉璃水晶料做壺坯，開始製作琉璃內畫鼻煙壺，成為博山內畫藝術的創始人和我國內畫史上的一代名師。內畫毛筆的發明，是內畫藝術史上一個重要的里程碑。內畫毛筆與原來的竹筆比較，有著極大的優越性，使用起來得心應手、宜書宜畫，極大豐富了內畫藝術的表現力，又提高了效率。在此基礎上，內畫藝術家們，創作了《水滸108將》《清明上河圖》《紅樓夢》《洛陽興殿圖》《百子圖》《百獸圖》《百美圖》《百鶴圖》《泰山雄姿》等一大批內畫藝術珍品。這些作品多以歷史典故、神話傳說、傳統題材進行創作，場面宏大、人物眾多、構圖飽滿、層次分明、刻畫細微、工整蘊藉，人物生動傳神，動物栩栩如生，工藝技法各具風格，形成了自己的內畫藝術特色，被國內外收藏家、愛好者和國際煙壺協會譽為「內畫派」。
7、手繪
手繪，也叫手工繪畫，或者塗鴉。在中國應該算是近些年（2000年左右）新起的一行，如手繪鞋，手繪T恤，人形抱枕，手繪錢包等，都是主要的手繪對象。手繪即在原純色物品基礎上，根據產品的款式、面料以及顧客的愛好，畫師在鞋面上用專門的手繪顏料繪畫出精美、個性的畫面，在不影響產品使用性的基礎上，更增添其可觀性．如一雙鞋子的畫面，可以是漫畫卡通，真人素描，亦可以是風景、圖案或裝飾紋樣；可以是故事片段配上文字，亦可以是顧客自己的所愛圖片加真情告白。只要是可以繪畫的，基本都能在鞋面上呈現出來。簡單地說，鞋面上有手工繪畫畫面的鞋子就稱為手繪鞋。因為其手工性，比印刷品的工業機械性更具有欣賞價值；因為其繪畫性，比工業設計以實用為先更具有藝術價值。它借鑒了印刷品，但更多的靈感來自於畫家；它以工業設計並生產好的產品為載體，但並不為其左右，繪影手繪設計師可以盡情發揮。手繪鞋，因為是鞋，是商品，必然具有商品屬性，但是手繪鞋的價值又具有雙重性：一是鞋的價值；二是手繪的價值。因此，它的價格，就不能只用鞋子的價格來比較，還要考慮到手繪的價值。手繪鞋因其能夠充展現年輕人的個性和對藝術的追求，並極大滿足了現代人DIY的心理，又是一種新奇特的產品，從產生以來一直受到時尚年青人的追捧，特別是近些年來在歐美、日韓、台灣等地颳起了「塗鴉文化」的旋風，手繪品開始成為時代的新寵，並開始在中國的大型商場、手繪批發公司、專賣店裡面出現。
8、指畫
指頭畫又稱指畫，指畫至今已有300多年的歷史，是中國傳統繪畫一個旁支。指頭畫，一般不用或極少用毛筆。史書上記載得比較明確的創始人是清初康熙年間的高其佩。以後畫指畫的人日益增多，成就卓著者有潘天壽大師。他的指畫氣勢博大精深，格局新穎高雅。
9、工藝美術
是對物質材料進行藝術性的改造與加工，使之具有實用價值和審美價值的一種造型藝術。既滿足人們的物質生活需要，又滿足人們精神生活的需要，是實用和審美的結合，技術和藝術的統一。從使用角度可分為日用工藝美術和陳設工藝美術；從在我國發展的歷史和藝術形態來看可以歸納為民間工藝、特種工藝、視覺傳達、工業設計和環境設計五大類。
10、素描
一種主要以單色線條和塊面來表現物象的繪畫形式。通常作為鍛煉繪畫基本功的手段，以訓練觀察和表現客觀物象的形體、結構、明暗、質感、量感和空間感的能力。素描亦可作為一種獨立的藝術形式運用於創作。如畫家王式廓的作品《血衣》即其一例。
11、水粉畫
用水調合粉質顏料描繪出來的圖畫。水粉顏色一般不透明，有較強的覆蓋能力，可進行深細致的刻畫。運用得當，能兼具油畫的渾厚和水彩畫的明快這二者的藝術效果。
12、美術字
美術字是經過美化，裝飾而成藝術加工的實用字體，字體整齊、 醒目、美觀、易認，是開展宣傳、教育不可缺少的工具，如橫幅標語、黑板報、牆報、會場布置、展覽會，以及商品包裝和裝潢，各類廣告、 報刊雜志和書籍的裝帖上等都要寫美術字。
13、壁畫
繪在建築物的牆壁或天花板上的圖畫。分為粗底壁畫、刷底壁畫和裝貼壁畫等。壁畫是最古老的繪畫形式之一，埃及、印度、巴比倫保存了不少古代壁畫，義大利文藝復興時期，壁畫創作十分繁榮，產生了許多著名的作品。我國自周代以來，歷代宮室乃至墓室都有飾以壁畫的制度；隨著宗教信仰的興盛，又廣泛應用於寺觀、石窟（例如敦煌莫高窟、芮城永樂宮，至今大量保存著著名的佛教壁畫和道教壁畫遺跡）。
14、漫畫
漫畫是繪畫種類之一，又稱諷刺畫。高速畫一詞來源於義大利文「Caricare」，義為誇張，後來演變為專指具有諷刺和滑稽意味的圖畫，即「Caricature」一詞。通過誇張、變形、假定、比喻、象徵等手法，以幽默、風趣、詼諧的藝術效果，諷刺、批評（或歌頌）現實生活中的人和事。
15、寫生
中國畫傳統的術語。將描寫花、木、鳥、獸等生物的繪畫稱為寫生，如五代黃筌《寫生珍禽圖》。在現代通常的繪畫用語中，凡是直接以實物、實景為對象進行描寫，統稱為寫生。

16、速寫
以迅速而准確的觀察力，運用簡練的線條，扼要地描畫出對象的神態、形體、動作等特徵的一種畫法。它是培養作畫者敏銳的觀察力和迅速把握對象特徵的概括力的重要繪畫手段，也是記錄生活，積累創作素材的重要手段。
17、白描
白描畫法以墨線描繪物體而不著顏色，白描畫法以線條為主，也可渲染淡墨。畫線條時，要使筆墨結合形相的特質，筆法的轉折頓挫，線條的粗細濃淡，皆要以所表現物件的質感或特色為依歸，譬如以較細較淡的線條畫花瓣，容易表現出其嬌嫩柔軟；以較粗較濃的線條畫葉與枝梗，較易表現其硬而厚的質感；以略干且下筆、收筆皆虛的細線條畫禽鳥的羽毛，較易表現羽毛蓬鬆而柔軟的感覺。
描有單鉤和復鉤兩種。用線一次畫成的叫單鉤。單勾有用一色墨鉤成的，也有根據不回物件用濃淡兩種墨鉤成的，例如花用淡墨鉤，葉用濃墨鉤。復鉤是先用淡墨完全鉤好，然後根據具體情況決定復鉤一部分或全部。復鉤的線不能依原路的線刻板地重疊鉤一道。復鉤的目的是加重質感和濃淡的變化，使物象顯得更有神采。白描是用線條、用墨線濃淡、粗細、虛實、輕重、剛柔、曲直的表現技法。
在白描畫中，線條的優劣是一幅畫成敗的主要關鍵。白描畫運筆宜以中鋒為主，用筆的壓度和速度要均勻，鉤出的筆線要有「外柔內剛」的效果，力量要涵蓄在內，不宜顯露於外；缺乏涵蓄的筆墨，不耐久看。鋒芒過多、力量外露都容易表現出一種霸悍的氣象，有時尚可減低某些花卉、禽鳥的美感，故白描畫的線條要「寓剛建於婀娜中」。

⑦ 怎樣辦少兒美術培訓班

答：
建議在學生放學的時候，提前到各個學校門口，多和家長接觸、宣傳一下。也可以自己先畫幾張作品，在各個學校附近顯眼的地方掛上，可以吸引對繪畫有興趣和愛好的孩子。還可以委託招生，讓學校的老師幫幫忙。
前期的宣傳是必不可少的，可以展示一下好的作品新穎的美術類東西，讓孩子在未接觸前產生一種崇拜感，覺的美術是很棒的。這樣才會達到目的哦。學費不要太貴，調查一下周邊地區其他班的信息(收費，時間，授課，孩子)在做相關調整，辦的好自然有人來，高價絕對不是好的出路，不要被眼前的利益困難所蒙蔽。

⑧ 簡述五代宋元美術的時代特色以及其在藝術貢獻上的突破

五代兩宋的繪畫藝術 五代兩宋是繼唐代之後中國繪畫史上又一燦爛輝煌的鼎盛時期。皇家畫院的創立，畫學的興辦，文人士大夫繪畫的興起以及山水、花鳥畫的成熟與地位的上升都集中地反映了這一時期繪畫的發展變異。較之其他表現貴族生活的畫卷有著更深刻的意義。 北方以荊浩、關仝為代表，南方以董源、巨然為代表，形成兩種不同的風格和畫派。 荊浩，自號洪穀子，標志著中國畫水墨山水畫的成熟。
宋代的山水畫多用絹，鉤勒精細，刻畫嚴謹，用墨則層層渲染，凝重恬靜；元代山水畫多用紙，利於干筆皴擦，「不為法縛，意超象外」，墨法則干、濕並用，變化莫測，一片莽莽蒼蒼。可以說，中國山水畫的技法，融洽宋、元，已然大成。元以後，明清兩朝，山水畫明顯遜於宋元，沒有了宋元山水畫的那種歷史文化的厚重感。
宋朝繪畫體現出空前未有的豐富、精緻、寫實之情，這一時期繪畫得以進一步分科分為山水、花鳥、人物、宗教畫及雜畫等。由於畫風多樣，題材眾多，水墨畫的技法與理論也隨著五代兩宋山水畫和花鳥畫的發展很快進入到一個高峰。這一時期，名家輩出:山水畫方面如「荊浩、關仝、董源、巨然、李成、范寬以及馬遠、夏圭等著名山水畫家的作品對後世影響深遠。花鳥畫方面，隨著文同、蘇軾、米芾等文人學士們以墨竹、墨梅（與南宋末的蘭、明後的菊合稱「四君子」）等專科繪畫的流傳，崇尚主觀意趣、崇尚筆墨形式趣味的「士人畫」開始興起，如法常的水墨花鳥畫《老松八哥圖》等為後世水墨畫的發展又開新路。徐熙開創了「野逸」風格的水墨形式與其孫徐宗嗣繼其祖業創立的「沒骨法」水墨花鳥在民間得以發展。當然，水墨畫在宋代人物繪畫上也有新的發展。
元代帶來的審美意識的變異，這給中國畫的發展不可避免地帶來深刻地影響。水墨畫大體上是依著以趙雪松為代表的文人畫向前發展的。繪畫理論和創作實踐中，重視畫家主觀意志、興趣和思想感情抒發。 趙雪松主張繪畫的現實主義，強調繪畫筆墨與書法的一致性，標榜復古、提倡書法筆墨的趣味。他們的藝術成就體現了中國畫的一次創造性發展，對明清繪畫理論、創作均起了決定性的作用。
元代水墨畫風格總的發展趨勢是在重視對古代傳統的繼承上，創新立意。突出表現就是文人畫開始占據畫壇的主導地位。所以適合於表現文人畫家意識的山水畫和枯木竹石、梅、蘭以及水墨筆花鳥大量涌現，人物故實畫的相對減少。隨著文人畫的繁榮，繪畫作品中詩、書、畫進一步密切結合而且成為普遍的風尚。這加強了中國畫的文學趣味，更好地體現了中國畫的民族特色。

⑨ 美術問題

筆墨為零就是說中國畫講究神似．你所看到的並不重要．．而是要能體會作者所表達的意境．所以有筆墨為零的說法是說讓你不要太在意表面所看到的重要是體會作者的心．

⑩ 素材關於美術界傑出人物及簡介

梵高

出生荷蘭
1853年3月30日生於荷蘭南部布拉邦特的格魯特·曾德特，是荷蘭新教牧師泰奧多勒斯·梵·高（1822-1885）和安娜·科妮莉婭·卡本特斯（1819-1907）的長子。
1855年2月17日，文森特的妹妹安娜·科莉妮婭·梵·高誕生。

1857年5月1日，梵·高一生的知己、他的弟弟提奧誕生。
1859年3月16日，妹妹伊麗莎白·梵·高誕生。
早年做過職員和商行經紀人，還當過礦區的傳教士，其生命的最後五年在法國度過，並完全投身於繪畫藝術。在梵高短暫的一生中，他與弟弟提奧始終保持著密切聯系，兩人之間的來往信件達千封之多。在寫給弟弟的信里，梵高談生活、談藝術、談哲學，興之所至，常常隨手在信紙上塗抹出他正在進行創作的油畫草圖，或者是當時當地所見的風景人物。因是在書寫之中繪就，這些塗鴉之作率性自然、簡潔明快，與梵高靈動優美的字體相輝映，使我們得以一窺大師運筆揮灑的精妙細節以及「畫法」與「筆法」之間的微妙關聯。[1]
接觸繪畫

梵高自畫像(4張)
1861年梵·高畫了人生第一幅素描——《貓》，但在母親的誇獎中順手撕毀了。

1862年3月16日，妹妹威廉敏娜·梵·高誕生。
1866年於澤芬伯根寄宿學校作最早的圖畫。
1866年從曾德特的鄉村澤文伯根的寄宿學校畢業，梵·高進入蒂爾勃格的文法學校。
1867年5月17日，弟弟科尼利斯·梵·高出生。
1868年3月離開蒂爾勃格文法學校。
1869年3月進藝術公司海牙分店當店員，後又去布魯塞爾分店工作。
生活坎坷
1871年舉家遷往赫爾瓦爾特。
1872年開始與提奧通信，後者在上學。
1873年5月，文森特遷往倫敦分店，愛上了房東的女兒厄休拉·洛耶，6月，提奧進入某藝術公司布魯賽爾分店工作。
1874年向厄休拉求婚失敗，回荷蘭；10月至12月在巴黎，後返倫敦。
1875年5月，被調往巴黎，熱衷於神秘主義和宗教。10月，其父母遷往埃頓。
1876年3月被古皮爾公司解僱；得到根據米勒《晚禱》刻制的版畫。4月在英國拉姆斯蓋特當教師，後又在艾爾沃思當助理牧師。12月返埃頓。
1877年1月至四月在多德雷赫特書店任職，5月赴阿姆斯特丹，和叔叔揚同住，為投考神學院積極攻讀。
1878年7月，放棄在阿姆斯特丹的學習，在埃頓作短期逗留後，於8月入布魯賽爾為期三個月的福音傳道學校，但未能取得牧師的任命，赴蒙斯附近博里納日礦區，作非正式傳教。
1879年由於工作過於熱情，被教會解僱，這段悲慘的經歷給他打下了印記；後開始的流浪生活；閱讀狄更斯、斯托、雨果、莎士比亞和米什萊的著作；推崇夏爾·德·格魯、倫勃朗、呂斯代爾、巴比松畫派和海牙畫派的藝術；由於貧困失望，對生活失去信心；開始畫素描。
精神失常
1888年阿爾時期（1888年2月21日—1889年5月3日），2月赴普羅旺斯阿爾，住在阿爾加薩咖啡館，5月遷入拉馬丁廣場上的「黃房子」；10月20日高更來與他同住；12月23日因精神失常，割下一隻耳朵；高更返巴黎。由於提奧的幫助，梵·高的三幅油畫和幾幅素描得以在獨立沙龍展出。
1889年聖雷米時期（1889年5月3日-1890年5月16日），4月17日，泰奧和若阿娜·邦格（1862-1925）結婚；5月，梵·高自願進聖雷米之精神病院；西涅克來訪；畫了許多畫，主要是風景；開始繪制絲柏樹連作。在住院後一個月，創作了他最著名的畫之一，《星空》幅畫現存於紐約現代藝術館.梵·高更在馬稱舉辦印象派和綜合派的畫展。梵·高在巴黎見到蒙克。

開槍自殺
1890年奧弗時期（1890年5月21日—1890年7月29日），臨摹德拉克洛瓦、米勒、倫勃朗和居斯塔夫·多雷的作品；1月31日，提奧得子；阿爾貝·奧里埃發表評文森特繪畫的文章；在布魯賽爾的「二十人展覽
會」上，凡·高的《紅色的葡萄園》得以出售，這是他在世時得以出售的唯一的一幅作品，5月出院，途經巴黎，稍事休息，適居奧弗，接受保羅·加歇監護；6月創作《加歇醫生像》；7月，去巴黎探望提奧一家，會見洛特雷克及阿爾貝·奧里埃；回奧弗後，創作《奧維爾市政廳》。他最後的一幅油畫《麥田群鴉》。7月27日舊病復發，開槍自殺，於29日清晨一時許，在提奧和加歇醫生的守護下停止呼吸。

3個人作品編輯
代表作品

畫作簡介
畫作

《加歇醫生》
《加歇醫生》文森特·威廉·梵谷於1890年6月，也就是在自殺前一個月，為精心照顧他的加歇醫生畫了這幅肖像。他自己說：「我希望畫一位藝術家友人的肖像，他滿懷偉大的理想。我希望把我對這個人的感覺和愛慕之心畫進作品裡。我誇張了他的頭發的金黃色，在頭像後面我不畫小屋的普通牆壁，而用我調配得極為豐富、極為強烈的藍色塗出無限深遠的背景。由於這種單純的配合，使金黃色頭發的頭部，在這豐富的藍色背景上發光，像星星嵌在深沉的碧空中。"他畫這個像的時候，他寫了一句話：人們也許會長久地凝視它們，甚至在100年後，帶著渴念追憶它。這是他一百年以前，他寫的一句話，這個事情被他言中了。到了1990年5月，正好一百年以後。[2]

《加歇醫生》

《夜晚的咖啡館》
《夜晚的咖啡館》是由深綠色的天花板、血紅的牆壁和不和諧的綠色傢具組成的夢魘。金燦燦的黃色地板呈縱向透視，以難以置信的力量進入到紅色背景之中，反過來，紅色背景也用均等的力量與之抗衡。這幅畫，是透視空間和企圖破壞這個空間的逼人色彩之間的永不調和的斗爭。結果是一種幽閉、恐怖和壓迫感的可怕體驗。作品預示了超現實主義用透視作為幻想表現手段的探索，但是沒有一種探索，能有如此震撼人心的力量。

《夜晚的咖啡館》

《星夜》
星夜》是一幅既親近又茫遠的風景畫，這可以從十六世紀風景畫家老勃魯蓋爾的高視點風景手法上看出來，雖然梵高更直接的源泉是某些印象主義者的風景畫。高大的白揚樹戰栗著悠然地浮現在我們面前；山谷里的小村莊，在尖頂教堂的保護之下安然棲息；宇宙里所有的恆星和行星在「最後的審判」中旋轉著、爆發著。這不是對人，而是對太陽系的最後審判。這件作品是在聖雷米療養院畫的，時間是1889年6月。

《星夜》

《割耳朵後的自畫像》
1888年梵·高邀請高更來阿爾同住，起初他們相處愉快，但隨著梵高病情反復，兩個的藝術家卻是不斷的爭吵。在一場劇烈爭執後，高更大怒而去，梵·高無法阻止，亦無法抑制自己的激動，竟割下自己的右耳。世界把自己的癲狂最先傳染給人類的畫師——就像曾經給他的筆端注入魔力。我們驚訝地注視著梵·高扭曲的面孔、恐怖的眼神和顫抖的手勢：他彷彿在代替整個人類受刑，成為痛苦的化身。想到這里，也就能理解梵·高作品中掙扎的線條與狂舞的色塊：傾泄的顏料里調和著他的血，而畫布，不過是他包紮傷口的綳帶。這是一位生活在傷口裡的大師，他習慣用傷口對世界發言。這是一個疼痛的收割者，他的鐮刀最終收獲了自己的耳朵。

《割耳朵後的自畫像》

《十五朵向日葵》
這些簡單地插在花瓶里的向日葵，呈現出令人心弦震盪的燦爛輝煌。梵·高以重塗的筆觸施色，好似雕塑般在浮雕上拍上一塊黏土。黃色和棕色調的色彩以及技法都表現出充滿希望和陽光的美麗世界。

《有烏鴉的麥田》（又稱《烏鴉群飛的麥田》）
是梵高創作於1890年7月的一幅油畫。通常的解釋是，這幅畫是以黑暗，嚴酷的天空顯示了梵高的精神狀態的困擾，與徘徊不決的通往不同方向的三種途徑，與黑色烏鴉架空的預示死亡跡象。
在這幅畫上仍然有著人們熟悉的他那特有的金黃色，但它卻充滿不安和陰郁感，烏雲密布的沉沉藍天，死死壓住金黃色的麥田，沉重得叫人透不過氣來，空氣似乎也凝固了，一群凌亂低飛的烏鴉、波動起伏的地平線和狂暴跳動的激盪筆觸更增加了壓迫感、反抗感和不安感。畫面極度騷動，綠色的小路在黃色麥田中深入遠方，這更增添了不安和激奮情緒，這種畫面處處流露出緊張和不詳的預兆，好像是一幅色彩和線條組成的無言絕命書。在祥和的麥田追求不到寧靜，在滿是陽光的藍天中，飄過了久蓄心中死亡的影子，化作無盡的烏鴉，引著梵高飛向他的藍天，追向無限光明。就在第二天，他又來到這塊麥田對著自己的心中開了一槍。黑暗背後仍是藍天。

《約瑟夫·魯林肖像》
梵高的油畫《約瑟夫·魯林肖像》創作於1889年，這幅肖像畫是梵谷的六個朋友的肖像畫之一，魯林是阿爾勒的郵遞員。法國南部的阿爾勒離巴黎15個小時的火車程，梵高在1888年到阿爾勒，希望找到志同道合的朋友，但希望落空了，他在那兒孤獨地生活和作畫。魯林一家給他帶來溫暖和友情，他們也是他很多作品的題材。
在油畫《約瑟夫·魯林肖像》中，魯林身著他引以為傲的郵遞員制服，背景是想像的漩渦花紋。梵谷在給弟弟提奧的信中說：「我要用象徵性的光環這種永恆的東西來畫男人和女人，要用我們著色的響亮和顫動來表達永恆。」

《鳶尾花》
油畫《鳶尾花》是畫家梵高於1889年5月完成的，現存於洛杉磯。
同向日葵一樣，梵高似乎也很喜歡畫這類植物。油畫中的鳶尾花在人們看來，遠遠美過真實的。也許就是那種淡淡的美麗與可愛，才會如此深深地吸引著觀賞者。
同時，畫家梵高也在油畫中表達出清新的洋溢與活力的氣氛。

《沒鬍子的自畫像》
這幅《沒鬍子的自畫像》是梵谷的最後一幅自畫像，畫於1889年，這一年他的母親70歲。雖然早年因為一些矛盾引起母子關系緊張，平時不常聯系，但在母親生日那天，為了讓母親對自己的健康放心，梵谷決定送一張自畫像給她。梵谷把自己畫得比現實中要顯得健康、年輕、整潔許多，然而這些都無法掩飾他眼底的絕望和孤獨。最後梵谷給了母親一張畫著阿爾卧室的畫，而把這張掛在了自己的牆上。

《沒鬍子的自畫像》

《梵高的麥田》
畫作《梵高的麥田》是畫家梵高創作於1889年9月初的一幅風景油畫。現存於倫敦國家畫廊。油畫中那隨風搖晃的柏樹猶如擅動的靈魂，在大地和天空之間飛舞，那是靈魂深處的呼喊，那是對生活的渴望，那是對現實的無奈和悲痛欲絕。畫家梵高一直想要表達的主題，就是生命與力量、梵高的作品總是充滿壓抑不住的·激動和熱情，他經常運用飛舞的線條和強烈的色彩來抒發這種激情。在這幅畫里道路旁的柏樹就像黑色的火焰，這些捲曲著的線條相互扭結著竄向天空。柏樹旁是一片金色耀眼的麥田，這是梵高最喜愛的色彩，因為它是太陽的色彩，生命的象徵。梵高還用一種短促急速和旋轉的線條，把天空和道路描繪成永不休止、滾滾向前的湍急河流。這些色彩和筆觸表達出梵高內心的緊張和沖動，即使相當理智的人，也很難在這幅畫前保持平靜的心情。梵高的畫並不深奧，也沒有故作驚人之舉，他只是用一種單純平易的藝術語言，直抒他對自然和生命的熱愛之情。正是這種親切和真誠，使他的藝術具有經久不衰的魅力
自傳
《親愛的提奧》，由梵高寫給弟弟提奧的信組成，真實地反映了梵高的生活，為後人了解梵高提供了重要的資料。

梵高的祖父是一位牧師。也叫文森特（VincentvanGogh1789.2.11—1874.5.7）。梵高的祖母叫伊麗莎白（ElisabethHubertaVrijdag1790—1875）來自一個瑞士家庭。他們生育了12個孩子，其中一個在幼年時就死了，剩下了5個女兒和6個兒子。
梵高的父親西奧多盧·梵·高（TheodorusvanGogh1822.2.2—1885.3.26）1849年就在尊得特佈道，他是一位基督教牧師。兩年後他與梵高的母親安娜·科尼莉亞（AnnaCorneliaCarbentus1819.11.10—1907）結婚，安娜生於海牙，她的父親在海牙被譽為「國王的裝幀師」，因為他被選中裝訂第一部荷蘭憲法。他的幾個女兒中，有一個嫁給文森特·梵高叔叔。
他們的第一個兒子剛生下不久就夭折了，而當梵高降生後，他被取了那個死去的兄長的名字：Vincentwillem。
《鳶尾花》
在梵高一生中，他只與弟弟提奧和妹妹威廉明娜保持了親密的關系，而提奧也是梵高這一生中最大的支持者和崇拜者。在梵高1890年去世六個月後，提奧也追隨他的兄長去了……雖然梵高的父親只是一位牧師，但梵高家族在當時是很有社會地位的，因為梵高的幾個叔叔伯伯在當時都是「很有影響」的人物：
「UncleHein」海因伯伯（HendrickVincentvanGogh1814—1877）在鹿特丹開畫廊，後來遷到布魯塞爾。
「UncleJan」約翰伯伯（JohannesvanGogh約翰尼斯·梵·高1817.8.19—1885）一位海軍司令，生活在阿姆斯特丹。1877年，梵高曾在這位叔叔家裡生活過一段時間。
「UncleCor」科爾叔叔（CornelisMarinnsvanGogh1824—1908）也是一位畫商。梵高和提奧經常稱他為C.M。「UncleCent」文森特伯伯（VincentvanGogh1820—1888，與梵高同名）他是位大畫商。小時候因為身體不好，沒能上大學。他最初在海牙（TheHague）賣繪畫材料，他是一個很有才華和很精明的人。在幾年間他的畫廊就成為全歐洲著名的畫廊。而後與當時世界上最大的畫廊訂立了合股合同。梵高與提奧最初都在這位叔叔的店裡工作過。
安東·莫夫（AntonMauve1838.9.18—1888.2.5），是海牙畫派的代表畫家，梵高在海牙時曾受他的指導。他的妻子叫JetMauve（原名JetCarbentus1856—94）是梵高的表妹。她（Jet）的母親叫FieCarbentus，與梵高的母親是親姐妹。Fie有三個女兒，Jet就是其中一個。

1987年11月11日，「鳶尾花」以5390萬美元的天價賣出，

文森特·梵高(10張)
震驚了世界也引起了一些爭論，有人在報上呼籲：「文化和商業要保持道義上的距離」。

1987年3月30日，梵·高的一幅向日葵以3950萬美元賣出。
1998年11月19日，梵·高的一幅沒有鬍子的自畫像以7150萬美元賣出。
《自畫像》
《加謝醫生的肖像》（PortraitofDr.Gachet），1890年，收藏於奧塞美術館，該作品是排名世界十大天價畫作第二位的名畫，僅次於畢加索的《拿煙斗的男孩》
《羅納河上的星夜》（StarryNightOvertheRhone），1888年，收藏於奧塞美術館
《安特衛普的後院》（），1885年，收藏於梵高博物館
《麥田群鴉》（WheatfieldwithCrows），1890年，收藏於梵高博物館
《吃馬鈴薯的人》（ThePotatoEaters），1885年，收藏於梵高博物館
《在聖馬迪拉莫海邊的魚船》（-Maries-de-la-Me），1888年，收藏於梵高博物館
《奧維的教堂》（TheChurchatAuvers），1890年，收藏於奧賽美術館
《有絲柏的道路》（RoadwithCypressandStar），1890年，收藏於荷蘭奧杜羅庫拉穆勒美術館
《夜間咖啡館》（），1888年，收藏於耶魯大學美術館
《阿爾的吊橋》（），1888年，收藏於荷蘭克勒勒-米勒博物館
《兩棵絲柏樹》（Cypresses），1889年，收藏於大都會博物館
《鳶尾花》（Irises），1889年，收藏加州保羅蓋茨美術館
《在阿爾的卧室》第三版（Vincent`sBedroominArles），1889年，收藏於奧塞美術館
《玫瑰》（Roses），1889年，收於於日該國立西洋美術館[5]
《夜晚露天咖啡座》（CafeTerraceatNight），1888年，收藏於科倫-米勒博物館[4]
《向日葵》（VasewithTwelveSunflowers），1888年，收藏於德國慕尼黑美術館
《星夜》（TheStarryNight），1889年，收藏於紐約現代藝術博物館

割耳事件
梵高在1888年2月赴法國南部的阿爾勒旅居。他租賃房屋，高更於10月來訪，12月離去，隨後梵高的左耳於1888年12月聖誕節左右被割去一大半。普遍認為，梵高由於與好友高更發生爭執，高更憤怒之下離他而去。梵高因情緒激動而導致精神失常，於12月23日晚揮刀割掉自己的左耳。關於割耳事件的原委，學術界也有不同說法。但此一論點爭議性頗高，因此此事件目前尚無任何可靠解釋。
自殺之謎
梵高與當地人相處愉快，病情也似有好轉，但就在1890年7月27日下午，他外出作畫時開槍自殺。29日黎明，梵高在提奧身邊死去。當時他只有37歲。關於梵高自殺的原因始終存在爭論。個人認為，梵高的自殺並不只是由於精神問題，《麥田上的烏鴉》等作品絕對是畫家極其清醒的狀態下畫的，但這些畫暗示了梵高的死亡卻是很明顯的。
當時，梵高像往常一樣，拿著油畫寫生工具從旅館走出來，但是在他的手裡握著一把騙別人用來趕走烏鴉的手槍。一位農夫剛好走過麥田小道，聽到梵高嘴裡嘟囔著：[沒辦法了，沒辦法了……]
梵高走進麥穗兒搖擺的麥田深處，將槍彈打入腹部，槍聲在灑滿夕陽的大片麥田上空回盪……
第二天早上，在提奧的看守中，畫家梵高安靜的離開了人世。
梵高死後，從他的衣服的口袋裡發現一封寫給提奧的信。
[親愛的弟弟，謝謝你寄來的貼心的信和五十法郎。想寫的事情本來很多，可是我想沒有用了、聽說你的家人平安，我就放心了。生活順利，比什麼都好……你過去在許多幅畫上一直是與我交流的夥伴……說到我的事業，我為它豁出了我的生命，因為它，我的理智已近乎崩潰……但你不是我所知的那類商人，我想你依然站在人性的一邊，既然如此，你還指望什麼呢？]

如果有用的話，請採納，最近有點缺積分，謝謝！