美術論文網
如何將自己的文章順利發表評得職稱是引人深思的事情，下面介紹下發表流程以及常見的發表方式。
先要寫好訁侖文，然後投稿到雜志社，根據雜志社的格式要求進行修改，然後錄用，付版面費，等待發表即可。裡面的每一步其實都挺麻煩的，這個要有耐心的才可以完成
同時對於新生，發表訁侖文剛開始會覺得很棘手，不知到哪裡去操作，其實不難 常上網的盤友們都知道 網上類似這種的機構比較多，一一般都是找平台操作，我以前在網上輸入「壹品優」 再輸入「刊」 這個網站發表過幾篇，不知你對這名字熟悉不，有空可以去溜達溜噠 。
2. 求美術鑒賞的論文！！！！！！！！！！！！！
蒙娜麗莎，這是一個永遠探討不完的問題。自問世至今，將近五百年，後人不知做過多少品評和揣測，留下越來越多的迷局。當今，世上有研究《蒙娜麗莎》的專著數百部，而有近百名學者將此畫作為終身課題。時間的推移不會使疑團得到解決，只會隨著研究的深入，將更多的疑惑留給後人。
人們過分地喜愛她。無止境地探討她那難以覺察的、轉瞬即逝然而亘古不變的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端莊沉穩的姿態，高貴而樸素的裝束，以及無懈可擊的完美構圖。人們驚嘆：列奧納多，惟有列奧納多，上帝一樣的智慧，才能採集那麼多美的元素，將眾多美好合為一個完美。於是，美、智慧、永恆，三位一體，極致的搭配，再無超越的可能。就這樣，蒙娜麗莎帶給人們無限美好的遐想，也給人們無限沉重的壓力。人們既願意棲身她的庇蔭，吸取滋潤的營養；又渴望走出她的陰影，呼吸自由的空氣。多少年了，無數醉心繪事的人，都為這一重矛盾所困擾。
這是一個神話，它與達·芬奇無關，完全是後人製造的。神話像雪球，隨著時間的推移不斷滾動，無限膨脹，最終連神話的製造者也被吞沒。如今，蒙娜麗莎坐在盧浮宮一處顯要的位置，隔著厚厚的防彈玻璃，每天以我們熟知的、神秘而永恆的微笑迎候數以萬計的來訪者。這些朝聖般的觀眾心中裝著各式疑問，他們渴望通過這一張溫柔嫻靜的臉龐讀出答案，然而離開時卻將更多的問題帶走。問題是五花八門，許多與蒙娜麗莎並無關系。有人會問：蒙娜麗莎究竟是畫中人的名字，還是微笑的別稱？畫中人究竟是銀行家喬．貢多的妻子，還是伊薩貝爾王妃？此畫確有真人模特，還是憑想像畫成？畫中人物沒有眉毛，這是當年佛羅倫薩的審美時尚，還是像某人所說，其人正在懷孕，是妊娠反應？畫中人是否剛經歷流產的傷痛，所穿衣裳是喪服？蒙娜麗莎那令人迷惑的表情真的是微笑嗎？難道不是面部麻痹症造成？蒙娜麗莎到底是男是女？其原型是否就是達．芬奇本人？問題越問越離奇，距離畫本身越來越遙遠，不僅無助於解讀該畫，反而將人不斷引向迷途。
其實，有些問題已經構成了對《蒙娜麗莎》的褻瀆，只是提問者尚未覺察。蒙娜麗莎是男是女，這還用得著問嗎？任何一個對性別有感知的人都不該對此產生疑問，可是有人偏要提出如此荒唐的問題。有人說蒙娜麗莎給人的感覺是中性的，至少她不會給人產生性的誘惑。試問，難道惟有性感才能構成女性美嗎？如此，一幅肖像畫與一幅色情照片又有多大區別？無疑，蒙娜麗莎是美的，她的美充分體現在人性美上，而不局限於女性特徵；或者說，她的美已經超越了性別阻隔，但這並不等於連性別都分辯不出。對於顯而易見的事實還要發出荒唐的疑問，若不是別有用心也是無聊之極了。面對一幅分明令人愉悅的肖像卻偏要說甚麼面部麻痹症，這簡直令人憤慨。蒙娜麗莎表情是僵化的嗎？瞬間的表情被定格就說成僵化，那真是荒唐透頂。微笑是難以描述的，專注中不自覺的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略帶嘲諷的微笑，那是每個人不同情緒下的感受，但笑意是毫無疑問的。至於有人感到蒙娜麗莎的微笑是常人難以企及的，因而斷定此畫不是以真人為模特，而是完全憑想像畫成，這種論斷也純屬多餘。人們驚嘆達．芬奇卓越的繪畫技巧：畫中人由面部五官到雙手，再到身體的其他部分，包括衣著穿戴，每一處都那麼真實可感，幾乎伸手可及，這是憑空想像無法完成的。倘若沒有真實人物作參照，達．芬奇縱然有天大的才氣也不可能畫得如此生動細膩。有人要問，畫中人的眼神、她的笑意是那麼遙遠和不辯深意，那是其人所獨有的嗎？為什麼今人就摹仿不出？其實這樣的問題很好解答。每一個了解繪畫的人都懂得，肖像畫並不等同於人物原型。一幅好的肖像畫首先要體現作者與表現對象間的互動；畫家將自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融鑄進了畫中人物，這樣觀眾從畫面上讀到的肯定比真實人物要豐富的多。我們了解了達．芬奇的生平，認識了他在諸多領域的非凡造詣之後，上述問題也就迎刃而解。既如此，那麼畫中人究竟是誰的妻子、叫什麼名字就不重要了，她是達·芬奇全部藝術才情的匯聚，也是他理想人格的集中體現。從這個意義上說，她不是任何人的妻子，她是一個超乎常規限定的完美人性。我們可以理解蒙娜麗莎為達．芬奇的精神肖像，但要說是以他本人為模特就顯得太庸俗化了。有人通過電腦技術將達．芬奇的自畫像與蒙娜麗莎作以對照，發現兩者的基本結構驚人地相似，於是斷定該畫是以他本人為模特。其實這是吹毛求疵。相似不等於吻合，當然完全吻合是不可能的，正如畫中人與真實人物也非完全相同；然而不同的人總有相似之處，並且相似性是主要的，差異卻是微小的；更何況每一個畫家描繪他人時總會不自覺地把自己的形象帶進畫面，因為畫家對自己最熟悉；這點想來達．芬奇也不會例外。說到這些，其餘的問題也就無須解釋了。如果我們多讀一些畫，多接觸一些畫家，那麼不著邊際的問題就不會提出來了。
駁斥了上述一些問題，不是說圍繞《蒙娜麗莎》的研究都是無意義。作為世界美術史上最具知名度的一件作品，必然會有無盡的問題為後人探討。對於《蒙娜麗莎》人們過分熟悉，很難再產生新鮮感；然而醉心於此畫的人，卻是每看必有新得，各中奧妙怕是只可意會了。《蒙娜麗莎》不但是盧浮宮的鎮館之寶，簡直是法國人的驕傲。當年《蒙娜麗莎》曾經失竊，千萬人為之痛不欲生，政府則把當日定為「國難日」；而當它失而復得時，則舉國歡騰，其盛況不啻於國家重獲新生。法國人莫非忘記了，《蒙娜麗莎》本不該屬於他們。在蒙娜麗莎的故鄉義大利，擁有無法估量的藝術寶藏；卻不曾擁有《蒙娜麗莎》，不能不說是巨大遺憾。這是世界上擁有最多發燒友的一幅畫，不要說藝術界，單就政界要員對她的迷戀就令人詫異：大名鼎鼎的戴高樂總統每當心緒煩躁時，必驅車前往盧浮宮欣賞《蒙娜麗莎》，出來後便滿面春風，原先的煩惱盪然無存；而蓬皮杜總統則公開承認無法克制對《蒙娜麗莎》的心馳神往之情。世紀偉人邱吉爾可謂是曾經滄海了，可他晚年有幸親撫《蒙娜麗莎》時，竟無法控制顫抖的手指；鐵娘子撒切爾夫人亦對《蒙娜麗莎》情有獨鍾，無緣享有真跡，就收藏了4幅贗品。看到這些事實，我們會產生疑問：一幅不大的肖像畫為何竟有如此巨大的魅力或是震懾力，難道不是有一種神秘的無形力量在驅動么？
有些問題是難以回答的，我們先從《蒙娜麗莎》自身來認識。舉世公認的真跡現藏盧浮宮，那是流傳有序的。當年達．芬奇遷居法國，身邊就帶著這幅畫；達．芬奇死後，《蒙娜麗莎》即為法國王室所擁有；盧浮宮建成後，此畫就被永久收藏。然而，人們不解，現今看到的《蒙娜麗莎》與當初描述的不盡相同。莫非已經過他人做手腳了？的確，我們今天看到的畫與當年達．芬奇初畫的已經有了不小的差距。據說，當年拿破崙得到《蒙娜麗莎》，為了將它裝進現成的鏡框，裁去了畫面左右各三厘米；原先的畫上兩側有石柱，現在看不到了，只能看見一點柱礎。按說拿破崙給此畫造成了極大破壞，可我們今天卻不會這么認為。在今人看來，《蒙娜麗莎》的構圖是完美無缺的，人物身後的風景拓展了畫面空間，又很好地烘託了人物內心世界，人物形象也極為突出；相反，兩側增加了立柱反倒覺得構圖沉悶，視野欠開闊，人物形象也失去了單純。拿破崙戎馬一生，未曾對藝術有過特殊的關注，卻在美術史上留下了顯著的一筆，真是不可思議。看來神聖也不見得是不可動搖的。
我們現在看到的《蒙娜麗莎》是棕褐色調，略帶些青綠色相，色彩簡潔而沉靜，樸素而凝重。我們以為畫向來如此，其實不然。據達．芬奇同時代人對此畫的描述，當時的畫是色彩鮮艷，調子明快的，什麼時候變成了現在的樣子呢？當年法王得到了《蒙娜麗莎》，為了更好地保護它，在表面塗了過多的光油；歷經數百年光陰，光油變成了暗褐色，像我們目前看到的色彩；畫表面已經開裂，形成了蛛網般的細密紋理。保存狀況不佳，那是令人惋惜的；然而，我們寧願承認當今的《蒙娜麗莎》。單純渾厚的色調與人物沉靜內斂的精神氣質相得益彰；深暗的衣飾、迷濛的背景將人物臉龐及雙手襯托得響亮動人；而均勻的裂紋則給人物增添了神秘氣息，讓我們欣賞她時帶上更多的崇敬與神往。有人想通過現代科技手段除去表面油垢，恢復原先明麗的色彩；只是擔心技術不過關，怕損傷畫面。其實，倘若真的修復了，我們反倒會覺得陌生以至難以接受。
臨摹名畫是一種喜愛的表現，《蒙娜麗莎》就擁有世界上最多的臨本。且不說今人的臨摹，僅在達．芬奇時代就有好幾個版本的《蒙娜麗莎》，那多半是達．芬奇的學生或助手臨的。有幾幅技巧拙劣，放在原作跟前不堪入目，不過其中也不乏佳作。在美國新澤西州也有一幅《蒙娜麗莎》，和盧浮宮的原作極為相似，只是構圖略大一些，露出左右兩側的石柱（原作構圖本來如此）。畫上的蒙娜麗莎秀麗、清純，更具人間氣息。專門研究《蒙娜麗莎》的學者雷特認為這幅也是達．芬奇所作，而且是最初作品，該作表現出了人物的青春魅力；而收藏於盧浮宮那幅大約作於1513年。達．芬奇到了晚年技藝愈加爐火純青，但多年過去，蒙娜麗莎已不再年輕，而多了些許成熟與深沉。這種說法頗耐人尋味，但畢竟只是推測，難以得到證實。多數人對此持否定意見，反對者認為：達．芬奇一生中創作的繪畫屈指可數，他從未重復過自己的作品。不過，這種論斷也缺乏說服力，達．芬奇本人就曾經畫過兩幅同樣的《岩間聖母》 。既如此，那麼他留下兩幅《蒙娜麗莎》也非絕對不可能。據稱達．芬奇畫《蒙娜麗莎》前後耗費了四年時間或更久，那他在這其間畫過一幅或多幅變體畫的可能性是存在的。真偽鑒定會有專人去考據，而我們將新澤西州的《蒙娜麗莎》與盧浮宮的原作放在一起欣賞是別有趣味的。兩幅畫看去幾乎一模一樣，但仔細分析就會發現兩者風格截然不同。新澤西的蒙娜麗莎看去更活潑些，嫻靜溫柔中透出靚麗與清新；人物動態是平靜自然的，毫無刻意臨摹的那種拘謹與呆板；背景色彩反差較大，不似原作那般含蓄沉穩，卻與該畫的氣氛極為協調。無疑，這是一幅佳作，但與原作相比就顯得單薄了。當我們面對《蒙娜麗莎》原作時，不會有驚艷之感；那不是一位絕代佳人，似乎也不大年輕。蒙娜麗莎的手也被稱為世界上最美麗的手。
但是，我們會長久端詳著畫面，不忍轉移視線。我們首先會被那絕妙的光影效果所折服，層層退暈呈現出豐富的空間以及逼真的質感，無界線的形體轉折及色彩變化，比同時代人領先了幾個世紀。真正讓人驚嘆的還不是技巧，那時隱時現的神秘微笑才令人銷魂。那笑容太淺淡了，離得再近也看不真切；然而，只要你看到畫，無論距離多遠，都能感到微笑的存在。微笑不僅體現在翹起的嘴角，而是遍及臉上每一部分肌膚，甚至畫面的各個角落，以至觀者在欣賞蒙娜麗莎的同時，內心也裝滿了微笑。面對真跡的感受是別處無法取代的，盧浮宮的《蒙娜麗莎》註定會被永久保存。
《蒙娜麗莎》就這樣占據著人們的心靈。幾個世紀過去了，蒙娜麗莎幾乎成了一項法則，為無數藝術家所遵循。然而在藝術界，有了法則的設立者，就會有顛覆者。20世紀是藝術走向自由與多元的世紀，許多原本神聖的法則都發生了動搖。且看《蒙娜麗莎》近一個世紀的遭遇：先是杜桑用鉛筆在她那美麗的臉上畫上小鬍子和山羊須，並題上L．H．O．O．Q字母；而後攝影師哈爾斯曼將蒙娜麗莎的臉龐換成了達利那怪異的面容：鼓瞪的雙目，翹過眉毛的鬍子，青筋突起的手中塞滿錢幣；再是南美畫家博特羅將蒙娜麗莎畫得肥胖無比，臉部像是充氣球幾乎占滿畫面而手卻小得幾乎看不見。此後衍化風盛行，各式各樣的「蒙娜麗莎」紛紛出籠。裁剪了的蒙娜麗莎、肢解了的蒙娜麗莎、污損的蒙娜麗莎甚至燒毀的蒙娜麗莎都成了獨立的藝術創造；還有人將蒙娜麗莎置換成動物頭像，讓人哭笑不得。隨著衍化的普及，具有經濟頭腦的企業家看中了《蒙娜麗莎》的商業價值，於是蒙娜麗莎搖身一變，成了商品推銷員。來自世界各地、形形色色的商品經「蒙娜麗莎」之手而身價倍增。蒙娜麗莎或握滑鼠，或持飲料，或叼煙卷，或著泳裝，或披婚紗，形象千奇百怪。無論人們贊嘆其想像獨特，還是因其歪曲名畫而不齒，廣告卻因此為人注目，商家藉此達到了促銷的目的。與此同時，還有不少人喜愛裝扮蒙娜麗莎，有的國家還舉辦「蒙娜麗莎模仿大賽」，獲獎的女士總是無比榮幸。正因有了此類活動，某些男士也產生了裝扮蒙娜麗莎的念頭，有人還真的實踐了，男士扮演的「蒙娜麗莎」讓人看了實在是忍俊不禁。
關於《蒙娜麗莎》還有一個傳說。公元前817年，古埃及有一個叫哈歌布蘇的女祭祀，非常美麗，可以預測未來。她為了給法老祈福並獲得永生，她自願被做成木乃伊，葬在胡夫金字塔的石棺中。2003年，考古隊開啟了她的石棺，可裡面什麼也沒有！他們還發現，墓室牆上的古老文字，是女祭祀給自己留下的預言：她在300年後會復活，然後會有一個來自芬奇鎮的畫家萊昂納多把她的微笑畫下來，難道這正是達·芬奇畫中的蒙娜麗莎？！這種說法很離奇，但願在不久的將來，真相會讓我們釋懷。
這都是近些年的事情。在這個高速運轉的、文化快餐統治的世界裡，再神聖的經典也擺脫不了被解構的命運。對此我們很難做出評判，也許我們會為設計家天才的創意而贊賞有加，或因玩世者褻瀆神聖而憤慨不已；然而，這都是確實的存在，我們除了承認別無他途。幾百年來，《蒙娜麗莎》受到太多的贊譽，超出了它自身的承載力；當人們對它的推崇達到了飽和，不再有更新的創意時，歪曲、嘲弄和揶揄就應運而生。而正本清源，又有專門研究和品評《蒙娜麗莎》的文章或專著不斷問世，包括各種推斷與猜測；就這樣，一幅畫成了一門學科，許多人願意耗費畢生的精力。未來的科學研究也許會為我們解答許多關於此畫的疑問，然而神秘一旦消失，一切便如同猜破的啞謎般索然乏味。畢竟,《蒙娜麗莎》是一幅畫，一幅美麗的肖像，我們帶著虔誠，也帶著無需解答的疑問去欣賞她，這就夠了。
3. 求一篇美術作品鑒賞論文！拜託！
鑒賞達芬奇之《岩間聖母》
藝術是人類自我情操陶冶的良葯，是感知生命中絢麗華章的劑方，人之所以為人，其最大特點在於人有一雙發現美的慧眼。早在石器時代的遠古，聰慧的祖先們便在陶器上繪上五彩的花紋，在歷史長河的進程中，誕生出一顆顆璀璨的明星畫匠，在群星閃耀之中，有一顆最為美麗的彗星，它的劃過，照亮了時代之空。。。。。。
在義大利佛羅倫薩附近的海濱小鎮——芬奇鎮，有一個叫安奇亞諾的小村莊。1452年4月15日，偉大的畫家萊昂納多·達·芬奇就在這個美麗的地方降臨人世。
列奧納多·達·芬奇，作為義大利文藝復興三傑之一，也是整個歐洲文藝復興時期最完美的代表，是一位思想深邃，學識淵博，多才多藝的畫家、寓言家、雕塑家、發明家、哲學家、音樂家、醫學家、生物學家、地理學家、建築工程師和軍事工程師。他是一位天才，他一面熱心於藝術創作和理論研究，研究如何用線條與立體造型去表現形體的各種問題；另一方面他也同時研究自然科學，為了真實感人的藝術形象，他廣泛地研究與繪畫有關的光學、數學、地質學、生物學等多種學科。他的藝術實踐和科學探索精神對後代產生了重大而深遠的影響。
達芬奇興趣廣泛，涉獵甚廣，在其眾多佳作中，我最情有獨鍾的則是《岩間聖母》了。這幅畫的主題是小施洗者約翰在聖母瑪利亞與天使面前參拜基督，達芬奇將他們安頓在幽美神秘的岩石風景間，聖母、孩子和天使直接坐在山岩地上，漸濃漸淡的輕煙薄霧呈現出朦朧畫意，整個景象如幽遠的夢境。充滿了詩一樣的溫情，祥和而且典雅：畫中人物被一種刻意營造出的神秘氣氛所籠罩，奇怪形狀的懸石從濕漉漉的岩體上垂下，幾叢花草從岩縫里穿鑿而出，能辨別出鳶尾花，銀蓮花，紫羅蘭和一些蕨類植物。遠處藍色的天空透過岩體之間的孔洞和夾縫呈現在人們的眼前，年輕的母親以溫柔的手摟抱著下跪的幼嬰約翰，他的另一隻手則向兒子伸過去，天使面向著觀眾，把他們引向畫中，用手指示著這個場面。一連串手勢代表保護、指示、祝福。。。。。。
在這種穩定和諧畫面上，風景不再是簡單的背景，逼真的景物環繞於人物四周，自然的和人物融為一體，這種真實感賦予畫面一種別具一格的生動。以至於曾在一本書上看到，有人認為《岩間聖母》充滿了暗示與象徵，顯示了達芬奇謎樣的心靈，天使以明顯的手勢指著聖約翰有何含義？被聖母保護著的聖約翰是否代表人類需要聖靈的保護？而被描繪得像子宮般造型的洞穴，是不是暗示著生命的起源？。。。。。
這幅巨作無論在畫面設計還是色彩搭配，結構建設還是背景繪制，都讓人驚嘆絕倫。色調上，全畫是以棕褐色為基調的，聖母身上的深青與天使披風上的紫紅、金黃和銀灰色構成對比；耶穌與約翰的肌膚，與約翰的金黃色鬈發構成對比；洞穴外的風景表現了空氣透視，眾人物形成了金字塔結構，其頂端則是聖母的頭部。天使的面容表達出了達芬奇的理想美，是散發自內心甜美的聖靈；將人物置於陰暗的環境中，以賦予光亮中涌現的景物真正的啟示力量，這種嶄新的繪畫方式使人物、光線和「次要光線」交織在一起，畫布上彌漫著濃重的宗教氣息。。。。
總而言之，這幅巨作屬傳統題材，表達手法和構圖布局都體現出了藝術水平之高深：人物，背景的微妙刻畫煙霧狀筆法的運用,令人為之驚嘆，實在是名副其實的世界瑰寶！
後續：
第一次接觸這幅巨作時我還是個懵懂小孩兒，但當打開畫冊的那一刻，我不禁仍被她的美所震撼。。。。。看來，藝術的美是超越了時間的界限，是唯物般永恆之美！
4. 高分！求小學美術教學論文（要網上找不到的）3000字左右
美術教學離不開信息技術
素質教育早在上世紀九十年代就已經推行，伴隨信息時代的到來，二十世紀的今天藝術教育越來越受到更多人的重視。美術教學就應該提上重要的議事日程，與工具性學科相提並論，孰重孰輕，誰也說不清了。現代的美術教學已不單是教會學生畫的技巧，更應該有「質」的體現，這就需要進行課堂教學的改革，而傳統的美術教學模式主要以老師講、學生畫（做）為主，不能充分發揮學生認識的主體性。其主要原因是理性的知識太多了，而感性的材料太少了。信息技術的普遍應用，為各科教學效率的提高提供了有力的保證，課堂教學變得豐富多彩。因此，美術教學離不開信息技術。
一、.激發興趣，創造教學環境
美術課中運用多媒體教學，是實現形象教學，寓教於樂的最好選擇，它能清晰形象地顯示美術的圖畫，從而改變學生學習的單調性，使學生在歡樂愉悅的形式和氣氛中得到知識，還能形象地表現出語言難以描摹的情狀。如在低年級《小鳥找家》一課，我們可以這樣導課。首先打開錄音機播放小鳥的叫聲，同時，屏幕中出現了一隻正在哭泣的小鳥。這時旁白：「小鳥為什麼哭得這樣的傷心，小朋友們想知道嗎？」學生們一定會異口同聲地回答道：「想！」就這樣，在接下來的聽故事這一環節中學生很自然的融進故事情節中。
二、開闊視野，激發創作慾望
小學生年齡小，生活經歷少，接觸的事物不多，所以他們腦子里儲存的素材就少。通過多媒體教學能夠較直觀地把各種圖形顯示在同學們眼前，比單聽老師講，構圖要新，題材要奇，主題突出，色彩鮮艷，效果要好很多。根據有關專家科學實驗的結果，人類感官對信息的理解程度因刺激的方式不同而不同，視覺83％,聽覺11%,觸覺 3％、味覺2％、嗅覺1％，而綜合刺激才能產生最佳效果。音頻、動畫和音樂等豐富多彩的媒體，使原本單調的內容變得更為生動有趣，突破了課堂的狹小天地，大大加深並拓寬了學生的知識面。如教學《海洋生物》時，課前我從網站上、「資料庫」中收集有關資料，製作課件用視頻、圖片、照片等展示海洋里各種生物，直觀性強，趣味性濃，學生興趣高漲，接受信息快，激發了學生創作熱情，開拓了學生的創作思路，收到了事半功倍的效果。強調自己創作，可以任意想像魚的形狀、顏色等。通過多媒體教學，不僅培養了學生的想像能力、概括能力，同時提高了學生造型的創造能力，豐富了學生信息量。
三、教學互動，優化課堂教學
教學互動，是教師與學生之間的互動，也是學生與學生之間的互動，同時又是教師、學生與多媒體課件之間的互動。學生是課堂學習的主體、個性發展的主體。教師的作用在於「導」，「導」得有方，學生方能學得有方，現代美術教學更注重精講多練，講不是為技巧而講，要為提高學生審美情趣而講，多練是為了讓學生有充分發揮的餘地，彰顯自己的個性。在課堂教學中，只有教師與學生協調一致，相互默契，積極配合，最佳結合形式教學合力才能使教學理想的進行。利用多媒體輔助課堂教學環節能促使教與學的共振，使教師的「導」與學生的「學」最佳結合。如在教學《字的聯想》一課，我有目的的讓學生通過觀察認識了解文字的演變史，對字的音、形、義的聯想有初步的感知，觀察分析，認識規律，並找出規律。課件的運用，使學生學到了課本以外更多的知識，變書本上靜態感知為動態認知，在動畫演示過程中學生如同感受教師的設計引導，突出了教學重點，突破了教學難點，學生能積極動腦思考，認真分析研究，對字的聯想有充分的認識，從而創作出更多有趣的字，學生的內心精神世界變得多彩多姿態。
四、適時反饋，有效調控過程
教學過程的控制主要是通過課堂信息反饋的基本方式來實現的。在教學過程中進行有效控制及時糾正學生學習中出現的偏差，採取補救措施，才能使之有序的直至達到預期的教學目的。教學過程中的信息反饋對學生而言，可以使其認清自己的學習狀態，以便及時調節學習步伐，提高學習效率。與傳統教學相比，其優勢是方便、快捷、清晰地反饋了學生的學習現狀，使教師與學生都可有效調控。如《表情豐富的臉》一課的教學中，我用多媒體課件設計了一個簡單快捷的學生反饋知識的方式，讓學生在電腦上實際操作，學生在使用電腦的過程中發現，運用電腦會很快解決知識中的難點，同時將學生的作品及學習掌握情況運用視頻展示台或畫廊進行展示，通過自己介紹，嘗到成功之處；通過同學互評，使自身不足得到改進；通過教師點評，知識進一步完善。適時的反饋有利於學生自身的個性發展，更達到了教學相長的效果。現在的美術課節節要評價，堂堂要反饋。有教學專家指出，課堂上不單是教，也不只完成作業，還要及時反饋，才算是完成了一節課的教學任務，否則，不能算是一節成功的課。
隨著新課程改革的進一步深入，信息技術必將在改革美術課堂教學方法、提高教學質量、培養審美能力等方面發揮越來越大的作用。作為我們美術教師來講，只有不斷地學習和掌握信息技術，才能不斷適應時代的需要。當然，作為一名美術教師，不僅要會簡單操作電腦，而且要能自己動手製作出切實可行的課件，並獨立進行多媒體的使用。抓住青少年的心理特點，反復溫習課程標准，充分調認真鑽研教材，緊扣教材選擇恰當而新穎的事例，依據教學需要，精心備好每節課，設計多媒體課件，有效地提高課堂教學效率，汲取傳統教學中的寶貴經驗，加強信息技術與美術課堂教學的整合，讓學生受到更多的審美教育。
5. 美術論文
這里有幾篇你看行不行，如果覺得不怎麼樣，你可以去美術論文網看看，裡面篇數很多
http://www.teachercn.com/Jylw/Mslw/
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「線」在美術作品中的功能與審美特徵
線，或稱線條，是一種存在於現實生活或者美術作品中的視覺形態要素，由於它們往往是和形、體、色、光等視覺翌累同時並存的，所以，造型觀念中的線，往往和視覺上的概括提煉與抽象相聯系，然而這些能力的形成，又必須通過美術欣賞和美術創造的實踐去訓練。如何加深對「線」的概念的認識並在實踐中藝術地去運用，是中學美術教學的重要環節。
一、欣賞以線造型的中外美術作品，提高學生對「線」這一藝術形式的審美能力。
線條是美術最基本的造型手段，是構成視覺藝術形象的一種基本因素，無論平面的還是立體的作品；不論是寫實，還是裝飾；不論是抽象的，還是具象的……在長期的美術發展過程中．「線」作為美術家創造形象和表達自己思想感情的藝術語言，一直處於十分重要的地位，並越來越顯示出豐富的表現力及藝術美感。中國著名繪畫大師吳冠中的《山水》一畫，皴染不多，主要以毛筆線條勾勒，但其中線條流暢自由，輕重虛實的變化，隨意性較強，具有濃厚的抒情意味和鮮明的時代感。法國後期野獸派大師勻蒂斯的《紅沙發上的注女》（油畫）以簡潔概括、富子感情色而又極富裝飾件的線，極為和諧、簡練地勾畫出一個呼之欲出的少女形象。
二、重點強調中國傳統美術中線的作用。
中國畫的線，可以追溯到仰韶時代的彩繪畫，晚周帛畫，楚器漆畫和漢唐壁畫。仰韶文化的彩陶紋樣。是中國最早用線的作品，鮮明、生動、挺拔的線條，描繪了漩蝸紋、弦紋以及人的面形、蟲魚、鳥獸等形象，體現了原始藝術樸素、稚拙的美。唐宋以來，隨著人物畫創作的興盛，線描藝術發展到廠一個高潮。吳道子是唐代的線描大師，人們稱吳氏的線條為「吳帶當風」，他畫中的人物，衣袖飄動，生動異常，體現了高度的「運動感」和「節奏感」，充分發揮了線描藝術的效果。南宋畫家梁楷的《元祖斫竹圖》是一幅「寫意」線描的人物畫，畫中人物元祖為佛教禪宗六世祖慧能．畫家用寥寥數筆，把一個正在勞動中的老翁刻畫得十分生動，中國畫家經過長期的藝術實踐，從「文人畫」「院體畫」到民間畫，對線的運用各具風采（在表現物象的同時，還傳達出入的情緒），傳統技法——十八描，即是各種線的生動畫法。
三、東西方繪畫用線的異同。
由於受不同文化背景的影響，東西方繪畫的線在形式美感上各不相同：東方繪畫中的線注重表現情感，富於韻律感和裝飾美；西方繪畫中的線具有較強的理性特徵，不能把這兩者對立起來，應該指出線造型在東西方美術作品中是相通的，同樣具有豐富的表現力和多彩的藝術美盛，只是由於欣賞習慣，繪畫造型的傳統觀念的差異，形成了不同的表現方法和民族風格。從具體的作品來分析，東西方繪畫線的表現特點又往往交織在一起，如二十世紀初法國的馬蒂斯的作品就證明了這一點。他的作品既有西方繪畫的優良傳統，又吸收了東方藝術的特點，給人一種新的美感享受。在我國，隨著中西文化的不斷融合，中國傳統美術有廠新的發展和變化，特別是近十幾年來，這一點更加突出，如：吳謚械淖髕吩諳叩運用上有新意，線的節奏和韻律美十分強烈和鮮明。對中外美術作品的優良傳統，都應認真研究繼承，在學好我國傳統繪畫課的基礎上，還需了解西方美術。「西為中用用」，使我們民族的繪畫藝術具有當代性和世界性。
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對於傳統色彩學的新認識
繪畫中的色彩，是一件作品的生命力之所在。但色彩藝術同其它藝術種類一樣，在漫長的歷史時期中，經過歷代藝術家的努力和探索，其觀念也在不斷地發生變化。如今，逼真地再現物象的色彩，表達物象的質感，已不是繪畫中色彩的最終目的，色彩自身應具有充分的表現力和相對的獨立性。
從早期文藝復興至今，繪畫中色彩的表現方法豐富多彩，一代代藝術大師們耕耘不止，給後人們留下了無數的藝術財富。
十五世紀上半葉，凡·愛克兄弟在再現人體和物體的固有色彩方面開始形成了藝術風格。他們的作品，在堅實的造型基礎上，加以逼真細膩的色彩表現。作品中的色彩主要是表現物象的固有顏色，這些色彩，通過模糊與鮮明、明亮與陰暗的調子，創造出了令人信服的自然形象。弗朗切斯卡在色彩繪畫中則強調鮮明的輪廓線和富有表現力的大色塊來進行創作，其色彩已具有一定的主觀因素；達·芬奇則採用極單純而又豐富的色調創造出了不朽的藝術形象；西班牙畫家格列柯用一種奇特的、只有他才具有的色彩來進行創作，其色調已經超越了物象本身的色彩范疇，達到了一種色彩的抽象概括，其色彩運用，更多的是為適應精神上富有表現力的主題的要求，不受物象色彩的制約，他根椐畫面上節奏、旋律的需要而重新組合色調，作品富有現代精神；倫勃朗利用強烈的明暗對照，單純而強烈的色彩來突出主題，人物在幽暗模糊的環境中閃閃發光，作品充滿了深度。
十九世紀，由於科學的發展，一些有關色彩理論的論述在歐洲問世，這為藝術家們進一步研究色彩的規律奠定了理論基矗由於印象派畫家對大自然的充分研究和描繪，使其達到了一個全新的色彩世界。印象派畫家大膽地拋棄了傳統的色彩觀念，採用鮮明的色彩來描繪天空、田野，畫家們致力於風景畫中環境與光線的研究，莫奈所作教堂系列充分體現了這一切。
藝術探索是無止境的，康定斯基則比印象派畫家更大膽地反叛了傳統。在印象派畫家那裡，色彩還是依附於形體之上，色彩所呈現出來的是具象的物體。而在康定斯基的作品中，已見不到傳統繪畫中的具象物體，色彩已不再依附於任何具體的物象而存在，他使色彩從繪畫中獨立出來並具有其價值。藝術貴在創新，而每一次創新，都需要勇氣打破條條框框，用全新的視角去重新認識和感應世界，推動藝術的發展。綜上所述，不難看出，色彩藝術在其發展的過程中，沒有一成不變的規則，我們理應對色彩有一個廣泛的、全方位的認識，而不應將目光局限在某一點上。如何在色彩教學中汲取多種營養成份，全面推進學生的色彩感應力，應成為一個重要課題。
當前在色彩教學中採用的理論依據，是在印象派前後時期的色彩理論加之俄羅斯畫派的色彩理論綜合而成。其核心內容是強調條件色，認為色彩的產生要依靠光源色、環境色及物體自身的顏色綜合而成。在色彩的對比上也有一定有規則，亮部冷，暗部就要暖；在色彩的訓練上比較強調作畫過程的程序性，即通常的畫大關系，然後深入，再回到大的關繫上來。這樣的訓練方法及色彩理論固然有其有利的一面，但也存在一定的局限性，即過多地重視科學規則和相應的客觀因素，忽略了做畫者對於色彩的直接感應。但在做畫過程中這種感應又是非常重要的，沒有它，藝術作品就會缺乏生氣，枯燥無味。所以，在色彩訓練中，從一開始就要重視對色彩的直接感應，不要讓過多的理論縛住做畫者的手腳。
傳統的色彩理論對於畫面的色彩構成更多的是依靠色彩的空間關系去表達（物體離觀者近則色彩鮮明突出，退遠則變淡變冷）。但在現代的許多繪畫大師的作品中，這種理論已被打破，藝術家們根椐自己對世界的認識和感應，重新組合、安排色彩來構成畫面。空間關系，應理解為色彩結構上的位置關系，色彩的強與弱應根椐畫面的需要來分配。
法國藝術大師巴爾蒂斯對於東方繪畫非常崇尚；梵谷的作品中也充滿著東方情趣；米羅的作品更是如此。為什麼東方繪畫有如此之大的魅力，使這些藝術家頂膜禮拜呢？關鍵就是在東方作品中所蘊含的精神因素。東方的作品，如中國畫不受客觀條件的制約，而強調藝術家的主觀精神，使藝術中具有更多的抽象因素。如能較好地將東方繪畫中的精華運用到色彩實踐中的話，將會創造出更廣大的藝術天地。
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美術課在美育中的作用
美育一般通過藝術審美的方式達到教育目的。美術課對學生進行美育的得天獨厚的條件，就是直觀性，包括對自然美的直觀，社會美的直觀，藝術美的直觀。而美術教學大綱所規定的欣賞、繪畫、工藝三大類課業非常直接地體現著這種直觀性。
美術欣賞課的教學，主要以完美的形象，卓越的藝術技巧來撥動人的心弦，使人精神奮發，與之共鳴，從而產生強烈的教育效果。例如欣賞董希文的油畫《開國大典》，可感受到作者通過構思，構圖和色彩，表現了中華民族永遠起來了的信心和氣魄。欣賞白石老人的國畫《卻教蜂蝶為花忙》，透過蜜蜂在艷麗的鳳仙花旁飛舞采蜜的忙碌情景喻意頌揚了勤奮勞動的精神。作者從普通的生活景緻中表達出高雅的審美情趣，學生通過對作品的品味、鑒賞激起了對普通勞動者的敬慕。
美術繪畫課的教學除了學習線條、形體、空間、明暗、色彩和構圖等藝術、語言」之外，還要學習臨摹，寫生和創作等藝術的表現手法。例如靜物寫生課，不管是一瓶沐浴著陽光、擺在窗前的鮮花，還是隨意堆在桌上的肥碩水果；不管是一組閃耀著光澤的玻璃器皿，還是剛買回來的新鮮蔬菜，那生意盎然的色彩、情趣橫生的形態，都能人學生以情的感染和美的享受。
人物頭像繪畫課，不僅使學生明白頭型的「八格」、五官的比例尺「三停五眼」，還要懂得「形神兼備」的意義。人像的美，並不是「濃眉大眼」或「櫻桃小嘴」等概念，關鍵是創造生活中有個性特徵的感人形象。例如周思聰先生的肖像畫《老礦工》，極為生動地刻畫了一位從舊社會生活過來的老礦工的形象。在老礦工布滿班痕的臉上，可以看到這位煤礦工人的艱苦勞動的一生，然而他又是那樣善良，淳樸和敦厚。美術作品並不是以「像不像」「美不美」「好看不好看」為評價標准。教師應緊密結合教學內容，引導學生通過對形象的感受、想像與思考，認識肖像畫的藝術美，在思想上受到熏陶，在美的感受中受到教育。
工藝課是一種帶有設計意識的藝術實踐活動。在美術課上學過色彩知識和造型規律，學生掌握這些形、色的審美常識，有助於培養他們健康的審美觀點，對於學生盲目追求流行時裝、奇怪發式的現象，有正確引導的作用，同時也有助於他們思想品德的提高。
另外，美術在開發學生智力發展中起著突出作用。根據科學研究，人腦的左半球分管抽象思維，右半球分管形象思維，許多復雜的精神活動是由大腦兩半球協同完成的。學生的文化課學習一般多用左腦思維，而美術課則有利於發展學生的形象思維能力。美術課的任務正是培養學生的觀察、記憶、想像、創造等形象思維能力，特別是觀察能力。在繪畫課上，教師總是強調學生觀察、觀察、再觀察，由表及裡的觀察，由近及遠的觀察，由整體到局部再到整體的觀察。只有正確的觀察，才有正確的感知，也才能形成積極的形象思維，使抽象的東西具體化，概念的東西形象化，進而是邏輯思維的發展。這樣也就有利於多方面地發展學生的思維能力，充分發揮人腦的潛力。
美育被明確地列入教育大綱，標志著我國社會主義教育思想的重大發展和社會主義教育制度的進一步完善。美術課的目的不是把所有學生培養成藝術創作家，但是對於提高學生的審美文化素質、發展創造性思維，陶治其情操，起著積極的作用。
6. 美術論文咋寫一千字左右
學生的論文：
「美術」一詞就會給人一種美的感受，不知從什麼時候我開始喜歡上美術，但這種喜歡並不意味著我對美術有非常深刻的理解。
美術，以我個人的理解指的是一種享受，是一種思想上的享受，當然這指得是好的美術作品。每次我看到一幅我感覺好的作品時，我就會愛不釋手欣賞很久很久，我有時甚至會身臨其境。
下面我就來談談對美術鑒賞課的感想：
當初，我一開始並不是想選美術鑒賞的，而是為了工作,我選了就業技巧。後來我回到寢室經過反復思考，我既然比較喜歡美術，為什麼不選美術鑒賞呢？大學應該是一個全面發展的時期。第二天，我選擇了美術鑒賞。
第一次上課給我的感覺是讓我很舒心，我一下子對這個課堂產生了興趣，隨著時間的推移，我的興趣也越來越濃厚。每次上課我都感覺心情很好，課堂上也很輕松，，美術鑒賞在我個人認為理解是最重要的。只要你理解了，如果你在經過練習就更好了。
通過美術鑒賞課，可以使我們的視野更開闊，可以拓寬我們的知識面。在課堂上，我學到了很多知識，也讓我學會了如何去真正地欣賞一幅畫，以及畫家在畫一幅畫的時候是抱著何種心情。還有作者到底在一幅畫中所想要表達的意思……
美術,在現實生活中到處可以感受到美術的氣息,一張桌子、懸掛的衣服等等這些隨處可見。學了美術鑒賞課，真讓我受益匪淺，平常對生活粗略地觀察也變得細心起來了。我漸漸地發現原來生活那麼美好，有時觀察一棵樹，我會獃獃地看很久，彷彿自己身臨其境了。
美術，淺意識地理解就是色彩，各種不同顏色的搭配，形成一幅幅畫面。一般人們都只了解一幅畫的表面含義，如果想了解得更深，就要更深層次地了解美術了。美術，更進一步的理解就是藝術，美術是一門藝術，同時也包含著作者在作畫時往往蘊涵著深刻的含義，把自己的心情表現在一幅畫中，使欣賞畫的人產生共鳴。還有一些作品表現出了某一個時期特定的社會現象，蘊涵著社會矛盾，反映了社會底層勞動人民的生活狀況，尤其是在戰爭時期，也有一些作品是人們無法了解的只能憑感性去認識畫家的意圖，這些通常具有寶貴的文化和研究價值，例如凡篙晚年的作品，他晚年精神失常，畫的一些畫總是讓人匪夷所思，而如今他的畫舉世聞名，具有很高的研究價值。
當然美術不僅僅是畫，美術包含多方面的內容，所涉及的面也非常廣泛。美術鑒賞課讓我學到了許多，尤其是在欣賞古代繪畫時。欣賞古代繪畫，不能以現代的眼光去欣賞，而要結合歷史，講究意境、章法和筆墨。中國古代繪畫有其發展歷程，可分為五個時期。原始社會開始（美之感萌生），漢以前（線之形確立），唐以前（神之韻高揚），之後過渡到清末以前（靈之魂主旋律），五四起（中與西交融）。
經過漫長的歷史進程，美術的發展也越來越多元化。現代美術與古代美術有著本質的差別，現代的美術更多的帶有現代的氣息，現代畫也十分地簡明、易懂；而古代美術卻讓我們很難理解，以現代人的眼光，我認為古畫看上去很難讓人產生共鳴，必須與歷史結合起來，才有所體會。古畫也並不講究進大遠小的規律，以人物畫為例，重點人物通常占的比例較大，次要部分佔的比例較小。
學了美術鑒賞，讓我的文化素質和道德修養得到了提高，還學到了日常生活的一些小常識，讓我時刻觀察生活中的美，知識面也得到了拓展，短短的課堂讓我學到可如此多的知識。在這課堂上也讓我感受到了大學的氣息。
老師的論文
高中美術主題性鑒賞教學學生活動設計的原則
普通高中課程改革是我國基礎教育課程改革重要的組成部分。基礎教育課程改革是關繫到科教興國戰略和人才強國戰略實施全局的重大改革。隨著改革的不斷深化，我們要不斷地探索、不斷的創造、積累經驗。我們在實踐中始終堅持實事求是的原則，用客觀科學的態度來發現，研究和解決問題。
【問題提出】
美術鑒賞教學的教材內容豐富，知識蘊含量大，給教師的備課和教學帶來較大的難度。《基礎教育課程改革綱要》中特別提出了要把轉變學生學習方式作為課程改革的重要任務，要求通過課改促進學生在教師的指導下主動地富有個性地學習，以往我們對課堂教學目標的狹隘理解，容易使得「教」與「學」均停留在使學生獲取知識這一層面上，雖然學得認真，實際並沒有形成素質。我們認為鑒賞的教學結構、內容、設計應將學生的學習活動放在重要的位置上進行考慮。實踐證明鑒賞教學如果沒有學生參與，課堂將會如同一潭死水，無法實現教學的新理念、新思想。因此，要實現高中課程的目標要求，我們的教學不能脫離發展主體的積極主動參與。科學研究表明：「單純的行為參與方式並不能促進學生高層次思維能力的發展，只有以積極的情感經驗和深層次的思維、認知參與為核心的學習方式，才能促進學習包括高層次思維在內的全面素質的提高。」由此可見，教學中的學習方式對學生的學習結果具有決定性的影響。改變過去的學生學習方式是鑒賞課有效的關鍵，同時也是學生健康成長和潛能得以發展的客觀需要。
我們的廣大教師在新課程理念的引領下，進行了豐富多彩的課堂教學實踐和深層次的體驗，嘗試了新的教法和新的課堂學生學習的活動方式，現將課改以來高中鑒賞教學學生活動設計的多種形式作一個回顧。
【問題點擊】
美術鑒賞是一種特殊的精神活動，即對美術作品由表及裡的充分感悟的過程。過去教師貫用的辦法就是滿堂灌，鑒賞教學容易上成「講賞課」這種現象較普遍，教師在上滔滔不絕，學生在下面昏昏欲睡，課堂氣氛沉悶，學生缺乏積極參與的習慣意識，創造性思維更無從談起。
【行動反思】
一、情境引入式的鑒賞教學活動
一節鑒賞課好的開頭是上好課的關鍵，導入的形式很多，教師應注意講究導課的藝術，必須慎重地對待導入形式的創造性和靈活性，例如短小的故事、有趣的新聞、富有哲理性的格言警句，乃至一個實物，甚至一條消息都可以化為引入課文的內容，將學生帶入學習的情境，並且還有利於開啟學生思維的門扉，讓學生開始就專注在教師的引導下，在情趣盎然中進入對新知識的求索過程。
案例片段：
1、《現代雕塑》的鑒賞課，引入新課的方式如：由復習古代雕塑引入，讓學生回憶舊知識，提問古代雕塑的特點是什麼？從而引出課題《現代雕塑》。
2、《走進抽象藝術》的鑒賞課引出課題的方式如：
教師：由於受傳統審美心理的影響，我們常用「栩栩如生」這樣的詞彙來稱贊我們認為好的作品。（通過提問，同學再補充幾個「栩栩如生」的近義詞，如：惟妙惟肖，形象逼真、活靈活現……）我們現在從畫冊上，展覽中看到的許多外國現代繪畫作品，其中包括世界藝術大師的作品，卻再也不能用「栩栩如生」這個標准去衡量了，有的畫得不像，有的讓人看不懂，是不是沒有具體形象的作品就不是優秀的藝術作品，應該怎樣來觀賞？教師又播放貝多芬的音樂，讓學生去感受，說出他們的感覺，說明音樂既然可以通過沒有具體形象的聲音而為人們所接受，那麼也可以用色彩和線條來組成有審美意義和畫面。
這種由成語的相反意思提問，得到學生的互應，再加上音樂的欣賞感受直接讓學生的思維集中在對點，線面的抽象繪畫的形式欣賞方面。
3、《希臘羅馬美術》鑒賞課，組織教學導入方式如：
教師首先以音樂導入，播放2004年雅典奧運會開幕式中希臘雕塑文化展示的部分，吸引學生注意力，激發學生的興趣，將學生自然引入新課的學習情境之中。情境導入教學活動具有形真、情切、意遠的特點，平面、立體形象相互交匯，使學生如入其境，可見可聞。
教師創設生動形象的情境目的在於激發學生的學習情緒，連同教師的語言、情感，教學內容以至課堂氣氛成為一個廣闊的心理磁場，從而促使學生更加主動積極地投入到整個學習活動的全過程中，通過引入情境，為開拓學生廣遠的想像空間，促使學生更為深刻地理解教材，發展學生的聯想及想像能力。
二、注重學生主動參與形式的鑒賞教學活動
教與學的雙邊關系主要依賴教師的引導和學生的參與，決不是一個被動接受的過程，只有學生主體主動積極參與才能調動學生自身的領悟力和創造潛能，只有學生主體直接參與，才能激發學生欣賞的情意，從而促使學生表達自己對美術作品的觀察、理解、思考、分析，一直上升到討論交流和發表自己的見解。學生參與評述活動的過程即是學生的過程。
案例片段：
鑒賞《達芬奇最後的晚餐》一課，就不能光從構圖、造型、色彩等方面來欣賞，首先需要教師介紹畫中所表達的耶穌被猶太出賣的故事，作品的主題是歌頌耶穌的偉大人格，也鞭撻了叛徒的苟且偷生出賣靈魂的丑惡嘴臉，充分體現了畫家的愛和憎。通過對作品內涵的介紹，能夠很快地激發起學生興趣。其次，在教師的引導下剖析作品，比如作品中有幾個人物，他們的動態表情、裝束、道具，表達了什麼事件以及周圍的環境氣候，光線的作用等，從而引導學生逐漸對這一作品的了解，在學生參與感悟之後，教師在歸納時可以結合作品適當介紹作者生平、創作意圖、創作過程，以及作者所處時代的社會背景，使學生進一步加深對作品內容主題以及作品價值的理解。
在此課之前，教師還布置過預習題，引導學生收集與欣賞內容相關的資料，縮短學生與作品間的距離，課前的「讀畫」，使學生加深對作品的直覺印象，教師也出示一系列問題引導學生對畫面進行觀察體味，還可以採用小組合作討論的方式，以發揮學生的自主性，讓學生有更多機會參與評述，讓學生有一定的空間去思考，這種讓學生主動參與的學習活動形式實際就是新課程觀念下的新的課堂教學形式，這是一種行之有效的教學活動形式。
三、學生主動探究的鑒賞教學活動
美國沃·爾夫等認為：「將重點放在學生身上，教師的任務不是教會學生理解某件藝術作品，而是為他們提供機會，促進他們自己獲得對作品的理解，這種對作品的感受性是不能教會的，只有在學生理解作品的過程中通過自己的努力而獲得，學生應該自由地與作品進行交流，教師應尊重他們的所見所聞，所想所思。在提倡創造性思維培養的今天，應該特別鼓勵一開始讓學生能按照自己的願望以直覺的方式，調度生活經驗，融入自己的感情，不帶任何框框和偏見地觀賞作品。」
案例片段：《千資百態的美術作品》
教師組織引導學生介紹完課件中的雕塑家羅丹的《巴爾扎克》的創作背景之後，由學生展開討論，學生可用探究式方法分組寫出作者的創作意圖，然後派選代表進行講解，學生分組討論，學生代表宣讀討論結果：
「老師、同學們、大家好！我們小組觀摩此作品感想很多，羅丹的作品大氣、灑脫、富有大師氣魄，不但這件作品精彩，前課中的《歐米哀爾》也十分大氣，從作品的創作意圖中看出羅丹是一位階級感情十分明朗的雕塑家，也是一位極富同情心的藝術家，他的許多作品如《加萊義民》、《思想者》等都是為人民而吶喊的，他具有國際主義精神，有民族自強精神，他的作品的表現手法誇張中有洗練的氣度，有一種一氣呵成的氣勢，讓人觀後久久不能忘懷，作品《巴爾扎克》是羅丹一生最得意的作品，他的動態選擇恰如其分，巴爾扎克夜間寫作後的踱步情景，加上雕塑家大膽、誇張表現手法，准確地表現出大文豪巴爾扎克的精神氣度。」
發言後教師給予適當評價。
本課講述的藝術家的創作意圖是理解美術作品的必要環節，也是本節課的重點，關於美術語言、藝術美、形式美等概念，直接分析對學生來說還是比較抽象，學生在理解上有一定的難度，教師可通過其它藝術形式的比較來分析。這種學生代表發表直覺觀點的教學活動形式，體現了新課改以後課堂教學形式變化的典型。教師在教學中注意尊重學生的反應，要注意尊重學生感受的全部內容，以及面對每一件藝術作品的瞬間所表現出的興趣關注。
四、角色扮演形式的鑒賞教學活動
在鑒賞課程的教學活動中，大多數教師會滿足於講教材，深堂氣氛冷清，學生的學習無興趣可言。讓學生角色轉變，成為扮演鑒賞作品中相關角色活動的做法，使學生的學習活動很快地成為教學中的「有我之境」。他們積極熱情地按照自己扮演的角色去思考、去表達，成為作品鑒賞的主動參與者，同時激發了全班學生的注意力和情緒，使一堂鑒賞課上得有聲有色，給學習者留下深刻的印象。
案例片段：
教師在鑒賞教學中，結合畫面內容讓學生扮演角色展開活動，現在的中學生在了解了繪畫的相關背景資料後，可以勝任角色扮演，這種鑒賞方法很容易激起學生對作品賞析的興趣。教師在宗教繪畫欣賞課程中，預先給學生們布置了相關課題，讓學生去尋找畫面背後的歷史宗教故事，讓學生用表演的形式介紹故事及畫家創作動機，演繹的形式讓學生自由發揮，給學生提供充分的想像和表現的空間。如某班的一組同學借《小崔說事》節目形式，就達芬·奇的《最後的晚餐》這一宗教故事畫進行了生動的演繹，跨越時空請來「達芬奇」先生進行訪談……在角色訪談中主持人介紹「嘉賓達芬奇」讓同學們了解畫家的生平，「達芬奇」的介紹讓大家了解創作背後的故事……這種角色轉換的學習活動形式，教學內容最好是以人物為主的作品，將原來從教師口中說出的變換到由角色（學生扮演）說出，收到了良好的教學效果，這樣的教學給課堂帶來了生機，顯得豐富多彩，很好地體現了教學中學生的參與性和活動性，教學模式的改變突出了教學的活動的娛樂性，體現了活動課程的生機，同時也極大地提高了學生的學習興趣，是學中有樂、樂中有學的體現。
五、實踐體驗形式的鑒賞教學活動
目前的高中教學模塊的選擇，本市大多學校選擇了鑒賞必修和繪畫模塊選修，甚至有個別學校有機地將繪畫模塊與鑒賞模塊加以整合，仔細思考，我們不難發現「繪畫」教學中有鑒賞，鑒賞教學中容有大量繪畫作品，應當說兩者互為補充，相得益彰，尤其是繪畫作品中的大量形式語言，幫助學生全方面、深入地鑒賞作品。鑒賞與學生實踐、體驗的有機結合給人感覺教學更有節奏，有張有弛，學生都能動起來，氣氛比較活躍。教學中開展體驗性學習活動，是在感覺體驗認識的基礎上，進一步調動思維和情感的體驗，逐步獲得對知識的感悟和認識，再通過動手實踐體驗感知的認識，提升認知思維，從而進一步獲得創造與成功愉悅的體驗。可從感觸覺體驗、視覺學習體驗、動手實踐體驗、思維想像體驗、情感審美想像體驗等五個方面進行嘗試。
案例片段：
一位教師在上《中國書法藝術》鑒賞課時，先對課本內容作適當講解外，為提高學生對書法認識水平，特意讓學生做一次簡單的局部點畫臨摹練習，並注意讓學生採取如下的步驟：1、線的力度；2、字的結體3、墨的濃淡干濕；4、字的布局等，進行綜合的臨摹。練習前，先請學生談一下自己對作業要求的理解，然後教師進行當場示範，演習並側重於前兩項的練習要求，當學生明白作業要求之後再進行作業的具體練習。練習後，選取部分優秀的書法作品進行點評。
教師的評價應以優點方面為主，適當地指出影響學生作品進一步發展的不利因素（如用筆方法，用筆習慣等）。通過這樣一番體驗練習活動，使學生對書法的認識和印象會比教師平淡無奇的講授效果好。「體驗性」學習活動的方式多種多樣，教師在鑒賞教學活動中應當根據自身的教學條件，開動腦筋，結合不同的鑒賞教學內容，適當選擇實踐體驗性教學活動的方法和切入點，讓學生在實踐體驗性學習活動中得以感悟和認識，從而順利地進入鑒賞教學內容之中，「體驗性」教學活動對教師提出更高的要求，教師必須綜合素質高，在教學設計中，教師應利用一切可以利用的條件設計出良好的鑒賞活動學習方案。總之，「體驗性」學習在美術鑒賞教學中能夠讓學生體現自身的價值，發掘自己的內在潛能，讓「體驗性」教學與鑒賞課形成互融協作的良好關系。
六、利用網路信息探索形式的鑒賞教學活動
信息技術教育與課程資源的整合，是新課程實施後一大新的美術教學特徵。在建構理論的指導下，信息技術為高中美術欣賞教學提供了良好的學習環境，使學生的主體地位得以真正的確立，使自主性學習，探究學習，協作學習形式得到真正實現，極大地激發了學生的學習動機，培養了學生的創新精神和實踐能力。鑒賞、評價、研究性學習等美術鑒賞教學活動在信息技術的支持下獲得了新的發展。
案例片段：
1、一個高校的全新做法是：
建立了美術網路教學網站「網路美術實驗室」網路分為資源區、學習區、交流區、教師區等。資源區分為站內資源和網路資源，站內資源有在線圖書館、名家名作，美術展覽，美術院校，鄉土美術、學術史論等；網路資源精選網上相關網站進行鏈接；學習區分為基礎知識、高考特區、美術史、學習方法，相關資源課件等幾個模塊。具體的教學內容在相應的板塊以不同的形式呈現，學校信息技術與課程整合專用的網路教學工作室為開展美術鑒賞教學活動創造了良好的條件。教師認為信息技術可以創設一個以學生為中心，教師為主導和與廣泛的社區相聯系的學習環境，這樣可以有效地改進對課程的教學和開展更有效的鑒賞活動。總之，網路信息探索形式的教學，對於增強學生解決問題的能力。協作能力和創新思維；使信息技術的運用成為學習過程的有機組成部分；培養了學生獲取，選擇、傳遞、加工和利用信息的素養；同時又有利於促進班級內學生的合作交流，開闊學生的視野。
案例片段：
2、一個學校在「服裝賞析」課的教學中，利用網路給學生們搜集了許多世界服裝大師的個性時裝作品圖片，利用媒體展示各種千奇百怪的服裝，學生邊看教師邊講解服裝的顏色的搭配、風格、款式等服裝要素，從而開拓學生的視野。
建構主義學習理論和學習環境強調以學生為中心，要求學生由外部刺激的被動接受轉變為信息加工的主體和知識意義的主動建構者，建構主義教學理論，則要求教師要由知識的傳授者，灌輸者轉變為學生主動建構意義的幫助者、促進者，要求教師在鑒賞教學活動中採用全新的教學方法和全新的教學設計。
7. 怎麼寫美術論文
摘 要：學校美術文化的構建是當前「文化立校」的重要組成部分。學校美術文化的構建包括美術教研組文化、美術課堂文化、校本美術課程文化的建設等。只有不斷地在價值引領、有機滲透，課改創新、有效生成，校本課程、形成特色的學校美術文化構建途徑上行走，才能在常態中培養師生的美術文化意識，逐步形成一種美術文化習慣，為學生的終身發展服務。
關鍵詞：學校 美術文化 構建
文化是一定民族經過長期的物質活動和實踐活動積累起來的為一定民族(或種族或集群)共同認同的活動方式及其產生的物質成果和非物質成果，包括民族心理和價值觀念的總體〔1〕。一般認為，學校文化是指學校主體在整個學校生活中所形成的具有獨特凝聚力的學校面貌、制度規范和學校精神氣氛等，其核心是學校在長期的辦學中所形成的共同價值觀。也可理解為學校全體成員或部分成員習得且共同具有的思想或行為方式。對於學校文化的理解，陶西平先生認為，學校網文化有兩個關鍵的詞：一是學校文化一定是「形成共識」的；二是學校文化是一個「價值觀體系」。
作為學校文化的重要組成部分的學校美術文化建設包括美術教研組文化、美術課堂文化、校本美術課程文化的建設等。那麼在學校大文化建設中，如何去構建學校美術文化？筆者做了如下的探索，以求教於大方之家。
一、價值引領，有機滲透——學校美術教研組文化的構建
學校美術教研組文化其發展狀態呈現並經歷四種類型：
1. 無意識沒感覺的散漫化狀態。美術教師只是忙於日常教學等工作，對學校美術教育的追求和文化願景渾然不知，對學校美術教育的文化內涵和文化生態也茫然不知。只體現在學校環境建設中，作為用來美化校園的一種後勤保障方式而已。這時的學校美術文化基本處於順其自然、走到哪裡算哪裡的散漫狀態。
2. 有意識沒思想的點狀化狀態。學校領導意識到美術教育存在的文化內涵，也努力去改造和提升美術教育的文化品質，但處於東一榔頭西一拐杖的狀態，既缺少對學校美術文化的價值引領，也缺少改造和發展學校美術文化的整體規劃。把它只作為學校其它亞文化形成中的輔助手段，僅僅是教室、專用教室的環境布置，裝裱制度、名人名言上牆的製作工具，或者設計一下舞台、報欄，美化一下櫥窗、黑板報等。
3. 有策劃有思想的結構化狀態。隨著學校文化意識的覺醒，學校管理者開始有步驟、有策略地整體性和結構性地打造學校美術文化，並有明確的價值追求蘊含其中。此時，學校管理者成為學校美術文化的推進者和領導者，學校美術教師則成為學校美術文化的策劃者、管理者和實踐者。
4. 有特質有品位的特色化狀態。通過美術教師群體的共同努力，學校美術文化在長期的活動中形成了與眾不同的文化精神和價值追求，並形成了系列化的教師群體層面上的文化產品，一言蔽之，形成了富有特色的學校美術文化形態。如陶藝文化中心，版畫藝術交流館等等。學校美術文化形態的出現，就是這種特色文化形成的標志。
如何構建學校美術文化呢？首先，學校管理者和美術教師要對時代的文化精神保持敏感，我們這個時代的文化精神的核心是人的主體性的張揚，是對人的生命自覺的培育和彰顯。其次，將時代文化的核心精神吸納到學校文化中，形成具有時代特色的學校文化〔2〕。再次，美術教研組全體成員要在高度認同所在學校的文化精神的基礎上，結合本教研組的具體情況，通過共同研討和協商，形成本教研組成員共育共享的文化。
美術文化一旦形成，其帶來的直接效應就是以文化育人，以文化培育教研組品牌。品牌學校的形成，除了需要有品牌教師、品牌校長之外，還需要有品牌教研組，它是品牌教師形成的搖籃，是品牌學校形成的重要引擎之一。學校管理者應不斷地去思考：美術文化的創建，為學校文化帶來了什麼（從硬體上加強了學校物質文化建設，讓每一塊牆壁說話，讓每一個景點育人等），改變了什麼（改變了學生的粗言穢語、亂丟亂畫等壞習慣，陶冶了學生情操，推動學生文明行為的生成和促進良好習慣的形成等）豐富了什麼（豐富了學校文化氛圍，增強了濃濃的文化、藝術氣息，活躍了學生生活等）還缺失什麼？美術文化如何根植於學校文化之中？學校文化品牌和教研組文化品牌的內在關聯性何在？美術教研組長則要思考：通過美術文化的創建，本組教師改變了什麼，發展了什麼，本教研組為學校文化貢獻了什麼？
在這種情況下，美術文化就與學校文化形成了雙向構建、雙向轉化、雙向互動的關系。這正是我們希望看到的一所學校理想的文化生態。
二、課改創新，有效生成——學校美術課堂文化的行動
課堂文化的育人功能，一般教師僅僅理解為知識內容的育人方面，這種理解是十分片面的。其實課堂文化的內涵是十分豐富的。諸如，課堂中的內容開放文化，民主關系文化，創新評價文化等等，這些要素在學生素質提升、個性張揚中的作用和影響是十分巨大的。
1．教學內容的開放——成為學校美術文化構建的源動力。
美術課教學內容既有與學生認知、美術素養水平相一致的，也有不相一致的。只有把滿足學生發展需要、符合學生最近發展區，並與學生原有認知、美術素養水平不相一致的內容與學生發生碰撞，產生矛盾，造成不平衡，學生才會主動自覺地去建構（生成）。也只有教學內容走向了開放，學生的自我發展目標才能逐步實現。
如一位教師在執教《撕紙》一課時，通過一段師生互動交流後，造成學生認識上的「不平衡」，引起學生的自我建構的內需，達到教學內容的開放互動，生成智慧與素養。這位教師課前在黑板上貼出許多由老師課前製作的撕紙作品，內容有動物、人物、植物，色彩有紅、黃、藍、綠、黑等。師：課前同學們都看了這些作品，你有什麼感受嗎？生1：很美，很好看！生2：老師，我想問您是怎麼做成的？師：噢，老師也想問大家這個問題，誰能回答上來？生3：是剪的，它是剪紙。生4：對，是用剪刀剪的（有很多學生回答也是剪的）。教師又把准備好的剪紙作品掛在撕紙作品的旁邊。師：現在請大家再仔細的觀察這些作品，與前面的作品進行比對，看看有什麼不同之處呢？生5：老師，咦，它們不一樣！我看出來了，後面掛的這些作品才是剪出來的。生6：老師，我也看出來了，前面的那些作品和剪出來的不同！（產生感覺上的不平衡，形成認識沖突）這時課堂一下子活躍起來，大家七嘴八舌的搶著回答，都說是撕出來的作品。師：對，這是一種觀察的方法。我們在觀察一個物體時，可以用另一個自己熟悉的物體作比較，來發現這個物體的一些特徵。由此教學片段可見，教學不是傳遞東西，而是創設理想的環境，引起學生自我認識的不平衡，通過教學內容的開放，促進了學生自主建構知識，形成個性思維，以促進美術教學內容實施的有效生成。
2．教學方式的民主——成為學校美術文化構建的奠基石。
教學民主是課堂教學中師生互動、共同發展的思維方式。傳統意義上的教師是「道德化身」「知識化身」，是被神聖化的角色，事實上教師並非無所不能，在價值多元、知識多源、信息多源的今天，教師權威受到嚴峻挑戰，教師需要走下「神壇」，轉變教育觀、學生觀。
試想，一個老師在課堂中如能注意學科的科學性，教學的有效性。在教學中充分發揚民主，鼓勵學生積極參與，合作探究。更能尊重學生個性特色，尊重學生創新性的見解，從細微處關注學生學習的習慣等等。這樣的課堂文化建設想必對學生素質的提高大有裨益。相反，如果一個老師對自己的學科缺乏一些敬愛之心。教學中缺乏科學，民主的態度，對自己的學生缺少關注，或者喪失熱情，這樣的課堂如同一潭死水，久而久之，學生對這樣的課堂因此產生厭惡。學生的素質就不可能能得到提高。如一位教師在執教《小雨沙沙》這一課時，預設學生通過相互語言的交流，就會描繪出一個下雨的場景，但在實際教學中才發現學生只是用嘴說說，留給學生的印象並不深刻，更談不上描繪出豐富的下雨場景了。教學的預設走進了「死胡同」。這時，一位學生出乎意料的表演打破了這一困境：下雨了，小青蛙躲在了荷葉下。這位學生邊說邊做了個躲下去的動作。這一動作給了老師靈光閃現的啟示，教師緊緊抓住這一生成信息，採用民主的互動式教學，通過創設不同雨的情境，讓學生變被動為主動，把自己心目中的想法通過肢體語言表演出來。教師這一及時的捕捉，並加以利用，開發，重組，進而開展生成性的教學，取得了精彩有效的再生性教學效果（學生精彩的作品，表現出了下雨天各種生動的氛圍）。相反，要是教師沒有民主的意識，把學生的動作看作為攪亂課堂的行為，那麼結果就另當別論了。
3．教學評價的創新——成為學校美術文化構建的支撐力。
在傳統的美術教學評價中，一般評價主體以教師評價為主，學生評價為輔。評價方式以教師點評這一單一形式呈現。評價內容以學生作品為主要評價對象。縱觀當前教育發展的趨勢，課堂評價發展具有以下五個鮮明特點：（1）以綜合性評價取代量化評價；（2）評價的功能由側重甄別轉向側重發展；（3）既重視學生在評定中的個性化反映方式，又倡導讓學生在評定中學會合作；（4）強調評價問題的真實性、情景性；（5）評價不僅重視學生解決問題的結論，而且重視得出結論的過程。
為了充分發揮評價機制的激勵作用，讓所有學生都能從學習中品嘗到成功的喜悅，我們對創新評價方式進行探究，根據以上課堂評價特點並結合學校美術「小組合作教學」實踐研究，通過構建小組合作評價文化這一手段來形成對創新評價文化的強支撐，使之具有如下三種原則：評價主體多維性原則。通過多樣性的評價活動對學生課堂中小組合作活動進行評價,形式有學生自評、小組互評、教師評價、家長參評等等，使用等級制進行評價。評價方法多維性原則。為了體現激勵機制，採用多種趣味性較強的評價方式對學生學習進行評價。如：精彩瞬間記錄表（組內評價表）、成功評價表、成長記錄袋等等。評價內容多維性原則。在小組合作學習活動中，既要評價學習的效果，也要評價學習的過程；既要評價小組整體，也要評價小組中的每一個體；既要評價合作，也要評價競爭……等等。評價可以是等級制的，如a、b、c或☆、☆☆、☆☆☆；也可以是描述性的，如j（滿意）、k（一般）、l（努力）。
評價工具有教師評價表、個人學習檔案袋、學生自評表、小組合作評價表、家長評價表等。（1）教師評價表。根據教學內容，每次進行小組合作學習後，教師都要對學生的合作情況進行評價，既評價每個學生的情況，也評價小組的整體情況，採用等級制。（2）學生自評表。主要填寫在小組合作過程中對自己的評價，採用描述性評價。（3）組內評價表。合作小組成員之間的評價可以起到相互督促、相互學習的作用，有利於激發學生你追我趕的上進心。（4）個人學習檔案袋。學習檔案是學生學習成果和學習進步過程的窗口。通常，它以一個文件夾的形式收藏每個學生具有代表性的學習成果(作業、作品)，可以督促學生經常檢查他們所完成的作業，培養他們學習的自主性和自信心，體現了學生參與評價的主體過程。如對某個問題的獨特理解、某個問題的爭論過程、自己的心得體會等等。（5）家長評價表。讓家長在學生匯報的基礎上，對課堂表現反饋信息、評價材料展示、作品展現等方面對學生進行評價。力求拓展課堂評價范圍，延伸學校評價觸角，達到家校互動共育的功效。
顯然，我們只有在充分掌握了教育教學的規律和各學齡段學生的認知規律，才能將評價機制的杠桿作用應用自如，才能在多樣性中滋生創新，在差異性中孕育創意，在個別性中培養創造。
三、校本課程，形成特色——學校美術課程文化的打造
學校美術課程是學校根據自身辦學理念與學校實際開發與設計的校本課程。是學校本土生成的，既能體現學校的辦學理念、學生的文化需要、學校特色建設和本校的藝術資源優勢，又與國家課程、地方課程[文章來源蓮山課件：http://www.5ykj.com]緊密結合的一種具有多樣性和可選擇性的課程〔3〕。學校的校本美術課程是學校美術文化的重要載體，也是學校特色建設的文化標志。
1.校本美術課程的開發以學生的終身發展為總目標
校本美術課程的開發需要處理好學生發展與教師發展、學校發展的關系。「生本」永遠是「校本」「師本」的前提、條件和根本目的。校本美術課程的開發的終極目的不是為了學校發展，也不是為了教師本身，而是為了學生本身，為了學生的未來。「學校」雖然是課程開發的理想平台和重要基石，但為學校而開發課程卻不是美術課程開發的根本，就校本美術課程開發本身而言，不能只滿足於「校本美術課程」設置和「校本美術教材」的編寫，必須進入學生學習層面，讓學生與課程、教材產生互動和對話。這樣，才能避免課程開發為零開發，才能對學生的發展產生效益。如南通美術鄉土教材，就是以審美和美術文化教育為主線，欣賞為主，適當進行一些技能訓練。整個教材圍繞南通地方美術文化歷史和地方美術文化尋繹兩條主線展開，為南通地區中小學提供了操作性很強的地方課程選擇性資源。並在南通地區各校互動實踐過三年，積累了豐富的對話效益。其中清墩文化，東皋印派南通民俗、染織工藝、特色工藝更是獨樹一幟，創造性的利用到校本教材中，為學生提供了一個更為靈動的空間，培養了學生獨立思考的能力。為自身的終身發展奠定了堅實的基礎。
同時,我們還要認識到校本美術課程需要建立「系統思維」。長遠規劃、謹慎設計、長效利用一切可用的資源。就學校而言，要注意任期校長間的承接移交，保證校本美術課程有效延續性開發的連續性；就教師而言，要非常清醒的明了校本美術課程的開發目的，把課程開發與自己的專業成長，與學生的實際有效結合起來；就學生而言，將校本美術課程和國家課程、地方課程巧妙結合，形成互補共進的關系。南京芳草園小學的校本美術課程《童畫石頭城》的開發就將傳承與保護非物質文化遺產和最富有創造生命力的兒童美術教育融為一體，在根植於本土文化的美術學習中，使兒童逐漸形成基本的美術素養和美術學習能力，以增進他們對本土文化的認知和認同，使本土藝術在現代化的進程中得以傳承與發展，有效地構建出較為完整、全面的學校美術教育課程體系。
2.校本美術課程的活動是人文精神的集中體現。
校本美術課程的活動突破了學科中心模式，打破學科知識的邏輯體系。課程活動從學科基礎轉向更為廣泛的生活情景和學生的發展空間，體現了以人為本的現代美術教育觀、學生活動觀。在校本美術課程活動中，人文主題與知識技能的關系，是統領與被統領的關系，把知識技能的學習同美術能力和人文素養的提高有機結合。其中特別重要的是，知識技能只有在情感的激發下才能成為智慧。校本美術課程活動到任何時候都沒有丟棄美術的本質、特性，體現出其他學科所不能觸及到的方面，運用美術感人的形式和豐富的內容，呈現地方特色的鄉土美術文化資源，培養學生的情感和精神追求。如無錫市楊市中心小學的美術地方課程《宜興紫砂壺》，就是根植於我國著名陶都宜興悠久的歷史，極為豐富的文化遺存，保留較好的古城風貌以及古往今來名人輩出，是一座具有萬年開發史、7000年制陶史的江南古城之上的校本課程。這一內容通過學生對紫砂壺的賞析，社會調查、走訪，了解其歷史演變及地域文化特徵，並通過嘗試、感悟、創作等過程，體驗製作紫砂壺的樂趣，掌握基本製作方法與步驟，感受紫砂文化蘊含的獨特魅力。
校本美術課程在活動設計中，每個單元主題里都有美術能力的要求。知識技能與人文主題的安排是以人文主題為顯線，知識技能為隱線。校本美術課程不是量的增加，而是質的變化。教學活動方式更注意採用「任務驅動教學法」，結合學習方式的自主探究，引發學生長久穩定的興趣，不斷提高其審美情趣和精神品位。如鹽城市景山小學，課程活動以《走進紅色鹽城，追尋英雄足跡》為內容的校本美術課程，通過走進新四軍，感悟紅色文化，體驗英雄的美、崇高的美，將對英雄的崇拜和對家鄉這片紅色熱土的愛浸潤到一畫、一刻、一拓、一印之中。
3.校本美術課程的評價關注學生個性人格的綻放
校本美術課程的評價強調面向全體，以學生發展為本，給予每一位學生平等的美術教育機會，使每一位學生都有權利學習和享用人類優秀文化遺產。評價注重導向性，通過各種校本美術課程活動，激發學生的潛能挖掘，促進學生的個性發展與張揚，使校本美術教育活動致力於個體人格的綻放。評價強調每個人都應該成為自己，尋求一種「個體的真實性」，以達到知識傳授與個性培養的並行和諧發展。
校本美術課程的評價強調以教學中的「雙主體」互動關系，以及學生體驗性、探究性、研究性、生成性和反思性的學習過程，關注每個學生的個性特點、生活背景，充分調動他們的主體意識，結合當地特有的自然、人文環境，因地制宜，充分利用學校、社區、家庭以及自然、民俗、生活中的美術課程文化資源創設個性化的美術活動，幫他們認識自己的獨特性和價值，形成個性化的審美情趣。如淮安市漣水縣第四中學小學部的地方美術課程資源《花窗》，從學生熟悉的二方、四方連續紋樣入手，在教師的引導中逐步領略「透」——雙向「借景」的關系，領略淮安的花窗古代園林建築文化的魅力，在評價中培養發現問題的意識，形成良好的審美習慣、獨特的審美個性。
文化是一種積淀 ，是一種習慣。文化有其引發、同化與傳承性，誠如大家所認同的，學校美術文化的構建是一件「慢活兒」，不可能一蹴而就，需要在一次次日月更迭、一次次寒來暑往中逐步積累、慢慢沉澱，需要每一任校長和全體教師在這中間行走，為之增添元素、豐富內涵，才能形成一種優秀的美術特色文化。
參考文獻：
〔1〕顧明遠. 論學校文化建設〔j〕. 西南師范大學學報(人文社會科學版). 2006 (9)
〔2〕李政濤. 用文化的力量打造教研組品牌〔j〕. 中小學管理. 2007(6)
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文藝復興、巴洛克及羅可可時期工藝美術的異同點
文藝復興指自14世紀始歐洲出現的古典文化復興熱潮。義大利是14-16世紀，歐洲其他國家為15-17世紀初。文藝復興時期的工藝美術不是古希臘羅馬文化的簡單重復，而是標志了資產階級文化的萌芽，反映了新興市民階級的要求。在人文主義的旗幟下，文藝復興時期的工藝美術也與繪畫、雕刻和建築藝術一樣開創了一個嶄新的局面，它的支持者就是城市市民、商人和各行會的工匠。文藝復興時期的工藝美術更注重造型或色彩等各方面比例與協調的感覺，如室內裝飾和傢具設計就注意與建築各部分比例的協調和色調的和諧，一般器物的造型也更加考慮到適用和便利的因素。
巴洛克與洛可可是17—18世紀流行於歐洲的兩種藝術風格，二者都屬於貴族藝術。巴洛克是17世紀歐洲藝術的總稱，發源於羅馬，而後迅速在義大利全國范圍內流行起來，並傳播到當時的法國、荷蘭等國家。到了18世紀，輕快、秀氣、纖細典雅的洛可可風格取代華麗、誇張、矯揉造作的巴洛克風格，成了全歐洲藝術風格的主流。
巴洛克意味著運動、追求新奇、熱中於無窮、不安和對比、以及各種藝術形式的大膽融合，一反文藝復興藝術的平靜和剋制，而表現為戲劇性、豪華與誇張。
洛可可風格雖保有巴洛克風格之綜 合特性，但卻缺乏巴洛克風格之宗教氣息和誇張的情感表現，尤其強調精美柔軟的氣氛並大量使用光線 。
一、文藝復興時期工藝美術
Renaissance，原意為古典文化再生，文藝復興時期的工藝美術提高了審美理想的價值和作品中的人性內涵。
1、文藝復興時期陶工藝
文藝復興時期的陶工藝首先在義大利發展進而影響到歐洲各地。陶製品的低廉迎合了新興市民需求，地位得到重視，其創作呈現出異常活躍的局面。主要代表有義大利的馬略卡式陶器、法國的田園風格陶器、德國的哈夫拉式陶器。
馬略卡式陶器
a、義大利的馬略卡陶器以豐富、活潑而簡練的象徵性線描圖案進行裝飾，對歐洲不少國家 影響甚大。
b、工藝:先成型素燒，然後施白色陶衣，干後繪飾，再二次燒成。
c、內容:早期——圖案化的紋樣。晚期——以寫實手法表現神話或日常生活。
2、文藝復興時期金屬工藝
文藝復興時期金屬工藝也取得了顯著的藝術成就。
a、法國成為北歐貴金屬工藝的中心。
c、眾多藝術大師曾涉足金工行業:建築家勃魯涅列斯柯、雕刻家吉貝爾蒂以及畫家丟勒。
d、德國紐倫堡是德國銀器製作的中心，工藝精美，充滿生機與明朗氣息。
3、文藝復興時期玻璃工藝
這個時期以「穆拉諾式玻璃器」著稱於世，多模仿金屬器和陶器的造型，以彩繪的形式表現神話寓言及現實生活，造型優美，精緻典雅。義大利的玻璃生產中心，全面繼承了歐洲傳統玻璃工藝精華，並受伊斯蘭玻璃工藝影響，「穆拉諾式玻璃器」著稱。
威尼斯玻璃工藝特徵
a、早期——琺琅彩繪
b、中期——完全透明玻璃出現
c、晚期——嵌線玻璃、嵌網玻璃、冰紋玻璃、威尼斯式玻璃器;
4、文藝復興時期染織工藝
以織錦較為出色，無論是製作工藝，還是圖案設計都受到了東方藝術的影響。裝飾題材上有宗教神話故事、中世紀的騎士、淑女以及各種花卉圖案等，手法寫實。
5、文藝復興時期木器工藝
文藝復興時期的義大利是木工藝最早興盛之地，主要體現在各類傢具的設計製作上，傢具工藝的三大中心是佛羅倫薩、羅馬和威尼斯。文藝復興風格的傢具最早興盛於15世紀後半期的義大利，隨後很快風靡法、英、德等國。文藝復興時期傢具工藝大大推動了西方傢具的造型設計、製作工藝和裝飾手法的進步。
二、巴洛克時期工藝美術
最初是新古典主義理論家用來嘲笑17世紀義大利藝術風格。後來為史學界所沿用，單指整個17世紀的歐洲藝術。
1、巴洛克時期陶工藝
德爾夫特窯陶工藝最為突出
受東方陶瓷的影響較大，雖然用本地軟質陶仿製遠東硬質瓷，但完全按照西方的審美而設計。17世紀後半期，荷蘭德爾夫特窯的陶工藝開始領先於全歐洲。
2、巴洛克時期金屬工藝
a、此時，歐洲的金屬工藝又進入了一個空前輝煌的時期。
b、整個歐洲興起了以金屬工業為核心的工藝美術生產高潮。同時涌現出許多著名的生產中心。
3、巴洛克時期玻璃工藝
a、分南北兩大系統，各以威尼斯和德國為中心。
b、威尼斯以刻花玻璃器為主，發展出復雜的纏枝紋。
c、德國仍保持著傳統的琺琅彩繪工藝，旋盤式研磨技術出現。
4、巴洛克時期染織工藝
17世紀歐洲的織錦壁毯工藝呈現出盛況空前的局面，常作為室內裝飾品出現。以戈貝蘭織物所的壁毯最具代表性，顯示了其工藝的精湛。
1662年，路易十四的宰相戈培爾將分散在巴黎的織錦壁毯作坊集聚起來，成立了戈貝蘭織物所。負責人為宮廷畫家夏爾.勒布倫， 「戈貝蘭式花壁毯」（即由此而來。戈貝蘭織物所的設計樣稿均由宮廷畫家製作，尤以勒布倫的樣稿最受推崇。
5、巴洛克時期木器工藝
巴洛克時期傢具的設計和製作表現出與整個巴洛克藝術風格不盡相同的特徵。巴洛克式傢具十分簡潔，功能上符合適用的要求，形式上具有統一、整體的效果。
布爾鑲嵌法的創造對歐洲各國的傢具工藝產生了深遠的影響。
安德列?夏路?布爾路易十四時期最優秀的傢具工藝家。1680年左右，他將金屬片和龜甲重疊在一起，刻成一樣的圖案，然後鑲嵌在傢具的表面，人稱「布爾鑲嵌法」。
三、羅可可時期工藝美術
產生時間：十八世紀在法國，攝政時期和路易十五時期。
1、羅可可時期陶工藝
16至17世紀，東方瓷器在歐洲成為地位和財富的象徵。各國競相仿製瓷器。1709年3月，歐洲第一件瓷器在德國燒製成功，18世紀的麥森窯、維也納窯、塞弗爾窯、斯普特窯等都在世界陶瓷史上寫下了光輝的一頁。
德國麥森窯
1710年1月23日，「麥森王室瓷窯」建立。生產的復活節王室用瓷，令其名聲大振。重要陶瓷藝術家:伯蒂格爾、斯特采爾、赫羅爾特、坎得勒等。
法國塞弗爾瓷窯
塞弗爾窯是法國最著名的瓷器產地，庇護者為路易十五寵姬蓬巴杜夫人。裝飾特點是在器皿的兩面中央繪以羅可可式紋樣，多以青、綠、黃或玫瑰色為底。18世紀中葉，產品多是蓬巴杜夫人喜歡的玫瑰色底，亦稱「玫瑰色蓬巴杜式」。
英國陶瓷工藝
18世紀的英國，繼承了中世紀窯業傳統的陶都——斯特弗德希地區相繼出現了威爾頓、韋奇伍德、喬希亞?斯普特父子等著名陶藝家，迎來了英國陶瓷史上的新紀元。 1748年，托瑪斯?弗賴伊發明了軟質骨灰瓷。小喬希亞?斯普特在弗賴伊的基礎上，進一步研製成功硬質骨灰瓷，使骨灰瓷的質量達到一流水平。硬質骨灰瓷是用康沃爾瓷土、粘土和高嶺土與骨灰混合燒制而成。
2、羅可可時期金屬工藝
羅可可時期金屬工藝主要體現在宮廷日用品上，此外在鏡框及傢具的裝飾上也廣泛採用。
共同特點:能夠令堅硬而冷峻的金屬變得柔軟而精巧。
3、羅可可時期玻璃工藝
羅可可時期玻璃工藝中心仍是義大利威尼斯。這一時期，威尼斯的玻璃在材質、造型和裝飾上又邁向一個新的台階，很快就適應了彌漫全歐的羅可可風格。
4、羅可可時期染織工藝
18世紀30年代始，羅可可式染織紋樣大體形成。歐洲織物工藝的中心是法國，金銀絲也被廣泛使用於織物中。
羅可可時期染織工藝主要特點:a、是自然主義的植物紋樣的表現；
b、是構成上注意非對稱性的處理
c、是更多地表現了繪畫性的特點。
d、喜愛東方風格和題材
5、羅可可時期木器工藝
仍是以傢具最有代表性並形成一定藝術風格：
a、形成了造型優美、裝飾華麗和做工精巧的風格特徵，帶有明顯的宮廷貴族氣息。
b、設計和製作均受東方工藝風格的影響。
c、各國的傢具工藝風格之間存在一定差別。
法國羅可可式傢具
可分為攝政時期和路易十五時期兩個階段。前者是過渡階段。特點是對後期巴洛克式傢具的某些不足之處進行了修飾。後者是繁榮階段。特點是新型傢具不斷出現，新裝飾形式大量運用。
英國「喬治時期」的傢具
17世紀末和18世紀初，英國的傢具工藝一直受歐洲大陸的強烈影響，尤其崇尚法國式豪華傢具。但不久，英國傢具工藝越來越明顯地反映出民族的特色，造型簡潔，裝飾樸素。
齊彭代爾托馬斯?齊彭代爾（1718—1779），18世紀英國最傑出的傢具設計家和製作家。對各國傢具工藝都作過廣泛研究。他編撰的許多書籍，對當時英國傢具工藝具有指導意義。
總的來說，三種風格各不相同，各有其特點，大致可以概括如下：
文藝復興時期工藝美術
a、形式:古典寫實主義，莊重典雅。
b、精神:人本主義，肯定現實世界，歌頌世俗生活。
c、地位:藝術家與工匠分離，各門類區別開始出現，藝術家的地位上升。
d、由宗教性質的工藝美術變成了宮廷性質的工藝美術。
e、工藝品的生產與人們的生活需求發生了更為緊密的聯系。
f、工藝美術已能更多地反映出藝術家的創作熱情。
g、傳統工藝美術種類日漸衰落，傢具、玻璃和陶器獲得發展。
h、更注重造型或色彩等各方面的比例與協調。
巴洛克時期的工藝美術
a、表現出與古典藝術形式的對立，追求標新立異。
b、創作風格豪華壯觀、大氣磅礴，充滿陽剛之氣。
c、注重外在表現形式，作品充滿強烈的動勢。
羅可可時期的工藝美術
a、純粹的宮廷藝術，帶有明顯的享樂主義色彩。
b、風格特徵:多用S形曲線及艷麗浮華的色彩，呈現出陰柔之韻和矯揉造作的氣質，熱衷於精雕細琢的表現手法。
c、促進了歐洲各國工藝技巧的發展和提高。
文藝復興時期的藝術在人文主義思想的影響下，使其作品具有真實性和時代感，為近現代西方美術包括工藝美術奠定了堅實的基礎。巴洛克藝術與古典藝術大相徑庭，突破了文藝復興藝術以來古典藝術的理性、勻稱、靜止、典雅的風格，強調激情、運動感和戲劇性。羅可可是巴洛克風格合乎邏輯的自然演化，是巴洛克趨於衰落走向柔媚的結果，注重裝飾性的表現，纖巧、華麗、繁瑣、精美，追求視覺快感和舒適實用，是一種高度技巧性的裝飾藝術。都對其後工藝美術的發展產生了深遠的影響。
文藝復興不是古希臘羅馬文化的簡單重復，而是標志了資產階級文化的萌芽，反映了新興市 民階級的要求。在人文主義的旗幟下，文藝復興時期的工藝美術也與繪畫、雕刻和建築藝術 一樣開創了一個嶄新的局面，它的支持者就是城市市民、商人和各行會的工匠。較之中世紀 ，文藝復興時期的工藝美術出現了幾個重要的轉變：一是工藝美術的活動中心已逐漸擺脫了 教會的控制，而出現了封建君主的宮廷作坊，即由所謂宗教性質的工藝美術變成了宮廷性質 的工藝美術，當然這只是就其主要方面而言；二是工藝品的生產與人們的生活需求發生了更 為緊密的聯系，從而導致了工藝美術的空前繁榮；三是盡管工藝美術由於受到材料和實用等 因素的制約，一般來講藝術家創作個性的流露並不明顯，但此期的工藝品已能更多地反映出 藝術家的創作熱情，可以看出藝術家的才能和智慧得到了充分的發揮；四是中世紀傳統的工 藝美術種類，如聖書裝幀和貴金屬工藝等已呈衰落傾向，而符合廣大市民階級需要和材料自 身價值較低的木質傢具、玻璃器皿和陶器等則獲得了廣闊的發展。另外，文藝復興時期的工 藝美術似乎更注重造型或色彩等各方面比例與協調的感覺，如室內裝飾和傢具設計就注意與 建築各部分比例的協調和色調的和諧，一般器物的造型也更加考慮到適用和便利的因素。
尼德蘭文藝復興美術
在文藝復興時期的歐洲，除了義大利在文化藝術諸方面成為先道者以外，在歐洲阿爾卑斯山 以北的各個國家和地區，以城市為中心也逐漸出現了新文化、新藝術的曙光。就繪畫藝術而 言，當時的尼德蘭和德國已成了歐洲文藝復興時期繪畫的又一個繁盛之地。
「尼德蘭」一詞意為低凹之地，包括萊茵河、繆司河、些耳德河下游及北海沿岸一帶，即相 當於今日的荷蘭、比利時、盧森堡和法國東北部的部分地區。它面臨大西洋與英國遙望，南 由萊茵河為紐帶與整個西歐相連接。早在中世紀時，它就因地理優勢而成為北方主要的國際 貿易中心之一。在13、14世紀時，這里的手工業，特別是呢絨業，就已相當發達。15世紀， 尤其是到了16世紀前期，由於尼德蘭的貿易和呢絨業的進一步發展，城市建設極為迅速。其 中尤以布魯日、伊普爾、根特、列日等城市最為繁榮。同時，市民們在和封建領主的斗爭中 ，為爭取城市的發展取得了一系列的特權，從而獲得了相對的獨立性。另外，由於通過皇家 聯姻和協議，使尼德蘭大部分地區都成了強大的勃艮第公國的領地，完成了初步的政治上的 統一，並促進了尼德蘭各城市的長足發展。所以 ，當時的尼德蘭已成了歐洲唯一可以與意 大利相提並論的先進地區。雖然當義大利文藝復興運動以磅礴之勢，突破了中世紀的樊籠而 迅猛發展之時，尼德蘭的藝術大都仍處於哥特藝術的晚期階段。但是，這並未妨礙尼德蘭民 族藝術特鈀的形式，尤其是為歐洲油畫藝術的產生和發展作出了創造性的貢獻。同時我們可 以在烏爾比諾的宮廷中看到尼德蘭的藝術家在工作，在佛羅倫薩的教堂中欣賞到尼德蘭大師 的作品，由他們創造的油畫技法和擅長的木刻畫也同樣吸引著義大利的畫家。
14世紀的尼德蘭尚未形成自己獨立的藝術體系，它的藝術活動主要是和法國有著比較密切的 聯系。當時有許多尼德蘭的雕刻家和畫家活躍在法國地區，在法國兩個主要的藝術贊助者勃 艮第公爵和伯里公爵的宮廷里，曾留下了大量的尼德蘭藝術家的作品。同時，在法國南部由 於教皇一度定居在亞威農城，因此義大利的藝術，尤其是錫耶納畫派在這里十分盛行，所形 成的極大影響遠及當時美術活動中心的巴黎。所以尼德蘭的藝術家也曾通過法國多少受到了 義大利藝術的影響。
《珀耳修斯》
珀耳修斯是希臘神話中宙斯和達娜厄所生，曾英勇地殺死蛇發女怪梅杜莎，並取下了她的頭（她的每根頭發就是一條蛇）。
雕塑家所塑造的是一位健美的勝利者的形象，他右手執刀，左手高舉梅杜莎的首級，站立在女妖的身體上，雕塑精確的裸體，顯示了雕塑家精湛的解剖學功力和藝術修養，具有米開朗基羅的風格特點。
樣式主義雕塑過分注重形式美感，作品精緻而宏偉的形態結構，使人體被塑造得既概括又有變化。與文藝復興時期雕塑比較不足在於：由於形體空間構圖過於復雜，以致缺乏清晰的外輪廓，影響造型的完整性和庄嚴性。
《赫爾墨斯》
赫爾墨斯是宙斯的兒子。他是奧林匹斯山諸神的使者，掌管交通、商業、競技和演說。他多才多藝，有一雙飛毛腿，來無影去無蹤。他在傳說中的形象是身裹長袍，肩披斗篷，頭戴插羽盔帽，手執盤雙蛇的和平之杖，腳登羽翼高筒靴。後來西方視他為商業交通信息的守護神。
雕刻家詹博羅格那將赫爾墨斯塑造成裸體青年，作騰飛姿態，手執蛇杖，雙腳帶羽翼，左腳踩在一個人的頭上。雕像光潔潤澤如鏡，在陽光照射下，顯得活潑流暢，輕巧悅目。這尊雕像作為噴水池的裝飾，既有樣式主義特點，又顯示出激烈運動的巴洛克風格萌芽。
《掠奪薩賓婦女》
《掠奪薩賓婦女》所塑造的是羅馬士兵劫奪鄰邦薩賓婦女為妻的情節。
群雕塑造了三個人物抱成一團，形成一個藝術整體，並按相反方向的力度之間的對抗和均衡構圖，人們可以從各個角度觀賞。雕刻家巧妙地將三個形體的動作纏繞在一起，同時這些動作又是精確地平衡著的，連續的姿勢和動作把人們的視線螺旋般地引向上端。因此，這件作品以其復雜構圖和有力的組合，預示著巴洛克雕塑群像即將到來。
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