美術作品賞析文章

㈠ 美術作品鑒賞作文（例文）

如果說西方美術的歷史就像夜空中群星閃耀的銀河，那麼荷蘭畫家文森特•梵高絕對是其中一顆孤獨的恆星。說他是恆星，是因為他的畫作明快、激情，彷彿能夠點燃暗淡清冷的生命，充滿了熱切的感情和渴望，流傳下來的作品都成為不朽的藝術篇章；說他孤獨，是因為在這位畫家短短37年的生命中，經歷了無數的曲折和坎坷，始終未在生前得到作為畫家的認同和尊重。

仰望梵高流逝的生命，這種孤獨幾乎是與生俱來的，幾乎是命中註定要伴隨其一生。恆星的光焰太強烈，太灼熱了，任何一個質量不夠大能量不夠強的形體過於靠近它，都會被他炙傷乃至被他熔化。如同被他的愛情和狂熱的追求嚇跑的表姐，因為他割下耳朵的示愛而匆忙逃竄的妓女。然而，如果他與一顆同樣光芒四射的恆星不期而遇，將遭遇同樣的危險，因為兩顆恆星過於靠近就會不可避免的發生摩擦乃至碰撞——他們只能永遠孤懸在星空一隅，各自懷著一腔衷情，彼此眺望。如同梵高和高更，因為對藝術倔強的追求導致兩人之間既互相欣賞又有隔閡和摩擦。恆星以其巨大的能量和吸力，令萬眾俯首，引群星影從，但是所有圍繞恆星轉動的行星都註定要與他保持著遙遠的距離，他們依循著他的指引領受著他的恩澤沐浴著他的光芒，卻無從向他表示自己的感激，只能把他的光澤反射給更需要慰籍的星體。這就是文森特•梵高，一顆孤獨的恆星。

如果一定要追逐這顆恆星劃過宇宙星空的軌跡的話，他短短37年的生命中留下的1700多幅素描、油畫和版畫作品並不能使得這種追逐變得容易，因為仔細去端詳梵高的繪畫，會發現在炙熱和明快背後，始終有著令人捉摸不透而又異常著迷的若即若離的感情。早年時或許是翩翩少年的憂傷和沉鬱，而在畫家畫風日趨成熟的最後的六年日子裡，畫作開始在憂郁中爆發出熱烈，彷彿在經歷過絕望和挫敗而陷入漆黑一片之後，畫家自己給自己打開了一扇心窗。他用厚厚的油畫顏料堆積出的明快火熱的色彩，「他用全部精力追求了一件世界上最簡單、最普通的東西，這就是太陽。」這位罹患精神病的畫家或許自己都無法完全理解自己的畫作，在生命最後的一年裡，他的畫作幾乎是在描寫病中的幻象了。或許，去追逐梵高的心跡，端詳他所創作的多達38幅的自畫像是一個可能的途徑。

㈡ 求一篇美術作品鑒賞的作文

一幅掛在我心中的畫
—《克里斯蒂娜的世界》心得

這是美國畫家安德魯•紐厄爾•懷斯的一幅作品。作品中描繪了一個身有殘疾的鄉村姑娘，背向觀眾坐在一片空曠的枯草地上。遠處有一幢農舍，馬車輪碾出的路痕一直通向那幢房子，那就是她的家。再遠處另一幢有點像農民倉庫的房子，是一個簡陋的教堂。

畫家以草地、農舍、教堂概括了這位不幸的身有殘疾的克里斯蒂娜的物質世界和精神世界。

整個畫面色彩寫實，溫暖、柔和的色調令人賞心悅目。細膩的筆觸令人贊嘆。遠處狹窄的天空令人感到壓抑，特別是因殘病而扭曲的人物，及其所處畫面失衡的位置，令人感到不安。秋季的荒涼和人物眼前呈現的遙遙長路，更增添了自然的冷漠及生命的孤寂。它最終偏離了我們的審美需要，偏離了一般藝術圖片養眼悅心的「假日功能」。

人們總是願意接受自己心靈所喜歡的東西。而人類特有的視覺強化功能，還會通過自身的經驗，把畫面所展現的意味誇大。所以，人們更願意將畫有水果、魚肉的圖片掛在餐廳；把美女、帥哥的靚照掛在卧室。這類藝術作品通常只能在博物館（該畫現藏於紐約現代美術博物館）或畫冊上面看到。然而，它卻是一幅掛在我心中的畫。

從狹義上來講，這是一幅具有勵志意義的作品。當我們的視線從掙扎著的克里斯蒂娜延伸到那所小屋及教堂的時候，我們是否能夠透過這陰郁、單調、透徹骨髓的蒼涼，看到姑娘體內的戰勝自我重返家園和乞求救贖的靈魂所發出的巨大能量？當我們的視覺鏡頭隨著艱難爬行的克里斯蒂娜一起向前推進的時候，凄涼的路途必然會越來越短，愉悅的天空必然會越來越寬。這種愉悅是只有在抗擊磨難中才能真正領悟到的愉悅，是將痛苦變為不朽的精神動力源泉的愉悅。雷雨過後的彩虹永遠屬於勇敢穿越風暴的人。痛苦是精神力量的秘密所在。

從廣義上來講，這是一幅具有存在意味的作品。畫家似乎為我們揭示了人類心靈普遍存在的一種特殊傾向—對「家園」的嚮往與渴望。而孤獨和痛苦並沒有使人類對「家園」的渴望減少，它恰恰成為我們將這種渴望付諸行動的動力。這種情緒我們稱之為「鄉愁」，它也是懷斯的畫中所隱含的深刻的憂思。這個「家園」就是生命的本原即世上萬物共有的東西（終極基礎）。懷斯的畫是極端寫實的，而意境是抽象的。「鄉愁」就是對「家園」失落的憂傷。「家園（終極基礎）」的失落，要比健康的消逝更讓人感傷。健康的消逝及絕望更容易讓我們生發對「家園」的渴望。這就是為什麼飽受苦難的人更容易走上宗教信仰的原因。「如果我們沒有經歷或多或少的苦難，我們又如何知道我們的存在？除了受難而外，我們又如何能轉向自己而獲取到深思的意識呢？（烏納穆諾《生命的悲劇意識》）」 我們能否用我們這充滿苦痛的殘缺之軀在荒涼（現代工業文明）中抵達那遙不可及的「家園」？這就是畫家留給我們的永恆的思索。

痛苦是精神力量的秘密所在，而比痛苦更加強烈、更隱蔽的是失落「家園」的憂傷。憂傷才是人生悲劇意識的根源。克里斯蒂娜的世界是一個基於信念的世界，更是一個基於用肉體去感受的世界。世界最終的本性（「家園」），我們不得而知，它存在於我們的感覺之外。最真實的是克里斯蒂娜目光所指向的畫中馬車輪碾出的路痕，最真實的是畫家尚未畫出的克里斯蒂娜踽踽前行所留下的蹤跡。一如我此篇文章在讀者腦海里所留下的斷斷續續的文字。

「人生到處知何似？應似飛鴻踏雪泥。 泥上偶然留指爪，鴻飛那復計東西。」這是我國宋朝詩人蘇軾在《和子由澠池懷舊》中的一段話。不同時代，不同國籍的人，對人生在世的感嘆卻是驚人的相似。除了「蹤跡」，真正的本原（「家園」）是再也或永遠無法被（重新）居有的了。這種「蹤跡」最終也被非本原的本原—文字（符號）所「替補」。行動就是存在。

《克里斯蒂娜的世界》，這是一幅掛在我心中的畫。它的秘密我已經告訴了你

㈢ 美術作品的賞析

《蒙娜麗莎》是文藝復興時代畫家列奧納多·達·芬奇所繪的麗莎·喬宮多的肖像畫。它的擁有者法國政府把它保存在巴黎的盧浮宮供公眾欣賞。另外，《蒙娜麗莎》也有同名電影，同名歌曲以及同名劇本。

㈣ 美術作品賞析

康定斯基《即興之31》這幅畫是典型的熱抽象作品，我們只要記住像這種由曲線，自由形構成，感受性較強，筆勢較明顯的大都是熱抽象作品。康定斯基是熱抽象代表人

蒙德里安離開巴黎來到倫敦。由於二戰烽火的波及，他於1940年逃往美國，在紐約度過了他生命中的最後四年旅程。紐約，這座現代化大都市，以其特有的繁華深深吸引著蒙德里安：那整齊嚴謹的街道布局、拔地而起的摩天大樓、充滿活力的舞廳和爵土樂隊，以及夜幕下流光溢彩、閃爍變幻的燈光……它們既與其繪畫有著某種內在的相通，又洋溢著某種前所未有的新精神。於是，他的作品開始發生變化。那套使用了二十多年的繪畫程式被打破了。黑色網格和大的色塊不復存在，取而代之的是由無數小色塊組成的綵線結構和跳躍其間的小塊面。它們快樂、明亮，生機勃勃且充滿音樂感。 《百老匯爵士樂》是蒙德里安在紐約時期的重要作品，也是其一生中最後一件完成的作品，它明顯地反映出現代都市的新氣息。依然是直線，但不是冷峻嚴肅的黑色界線，而是活潑跳動的彩色界線，它們由小小的長短不一的彩色矩形組成，分割和控制著畫面。依然是原色，但不再受到黑線的約束，它們以明亮的黃色為主，並與紅、藍間雜在一起形成繽紛綵線，綵線間又散布著紅、黃、藍色塊，營造出節奏變換和頻率震動。看上去，這幅面比以往任何一件作品更為明快和亮麗。它既是充滿節奏感的爵士樂，又彷彿夜幕下辦公樓及街道上不滅燈光的縱橫閃爍。這是蒙德里安藝術生涯的最後一個新發展。

馬列維奇最著名的《白底上的白色方塊》問世。這一標志著至上主義終級性的作品，徹底拋棄了色彩的要素。白色成為光的化身。那個白底上的白方塊，微弱到難以分辨的程度。它彷彿彌漫開來，並在白熾光的氛圍里重新浮現。在這里，馬列維奇似將進入一種難以用肉眼看見，難以用心靈體察，難以用感覺品味的境地。所有關於空間、物體、宇宙規律的當代觀念，在這里都變得毫無意義。畫家所要表現的，是某種最終解放之類的狀態，即某種近似涅的狀態。這是至上主義精神的最高表達。「方形(人的意志，或許人)脫去它的物質性而融匯於無限之中。留下來的一切就是它的外表(或他的外表)的朦朧痕跡。」(尼古斯·斯坦戈斯著，侯瀚如譯：《現代藝術觀念》，四川美術出版社，第151頁。) 至上主義繪畫徹底拋棄了繪畫的語義性及描述性成份，也拋棄了畫面對於三度空間的呈現。那些平面的幾何形，不具有絲毫的體積感和深度感，這與荷蘭風格派畫家蒙德里安的繪畫可謂異曲同工。然而，它們之間的不同也是顯見的。蒙德里安追求沉靜的畫面氣氛，而馬列維奇則強調動感。在馬列維奇的作品中，那些幾何構圖自由而奔放，在畫面上形成一種旋轉的或離心的動感，這可能與未來主義及輻射主義的影響有關。此外，馬列維奇繪畫中的表現性特質，也是蒙德里安那種冰冷的、中性的抽象畫所不具有的。對馬列維奇來說，一個方形本身就具有一種獨特的表現性個性；而對蒙德里安來說，一切具有自身表現性特點的要素統統要排除在繪畫之外，構圖的全部重點是不帶任何感情因素的直角系統。 馬列維奇的至上主義思想影響了塔特林的結構主義和羅德琴柯的非客觀主義，並通過李西茨基傳人德國，對包豪斯的設計教學產生影響。20年代初，蘇聯文藝界對非寫實藝術不再包容和接受，馬列維奇只得終止其對抽象藝術的探求，而以教學謀生。1927年，他唯一的一本理論著作《非客觀的世界》在德國出版。1935年，他在貧困和默默無聞中離開人世。馬列維奇首創了幾何形繪畫，留存於世的那些作品在這么多年以後，仍以它的單純簡約而令人驚訝。他稱得上是二十世紀抽象繪畫的偉大先驅

㈤ 本人美術作品賞析文章一篇（字數不少於1500！跪求

弗雷德里克·萊頓（ Frederic Leighton ， 1830——1896 ）是 19 世紀末英國最有聲望的學院派畫家，他輝煌的藝術光芒甚至沖淡了雷諾茲的影響，成了英國皇家學院派的代名詞。不像 19 世紀大部分畫家那樣，萊頓並沒有在皇家藝術學院學習，他在布魯塞爾、巴黎、法蘭克福接受繪畫訓練， 1852 年他搬到羅馬居住，古典藝術給了他很大影響。 1855 年，他回到英國，他的作品 Cimabue's Madonna 展出並被維多利亞女王購買，這是他事業的轉折。 1878 年，萊頓當選為（英國）皇家藝術學院院長。 1896 年受封為男爵。他是英國唯一獲此殊榮的畫家。他於同年去世。

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《纏毛線》 1878年 弗雷德里克·萊頓 英國 100.3cm×161.3cm 布 油彩

悉尼 新南威爾士美術館藏

畫家沿用古典繪畫法則，以學院派繪畫的嚴謹，描繪了纏毛線的母女。年輕的母親坐在凳子上，姿態優美地繞著毛線，衣裙的表現呈現古典風格；小女孩全神專注地配合著母親，扭動著身體，一幅稚氣。萊頓以古典手法去表現生活，因而使作品有呆板僵化之感，並且流露出缺少真實情感表現的缺陷。
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《閱讀》 1877年 弗雷德里克·萊頓 英國 63.2×65.1cm 布 油彩

利物浦 薩德利藝術博物館藏

這是一幅富於情節性的肖像畫，一少女盤腿坐於地攤上，認真、專心地在閱讀畫冊。女孩身著的淺黃色衣裙極富質感，與深色的背景形成對比，更襯托出女孩的專注神情。女孩面容嬌好，純潔嚴肅，顯示出較好的教養。整個畫面體現出一種學院派的嚴謹與優雅。
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《熾熱的六月》 弗雷德里克·萊頓

這幅畫模特 Dorothy Dene 自 80 年代（十九世紀）中期之後成為萊頓許多作品的靈感來源。獨特的視角，加上模特身體優美的彎曲（拉斐爾的許多作品因此而成功，評論家把這稱為女性身體的韻律）使這幅畫與眾不同。艷麗的色彩也使這幅作品格外搶眼。
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《海邊的希臘少女》 弗雷德里克·萊頓

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《陶醉》 弗雷德里克·萊頓

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《音樂課》 1877年 弗雷德里克·萊頓 英國 92.8cm×118.1cm 布 油彩

倫敦市政廳美術館藏

萊頓以學院派極其嚴謹的態度描繪了音樂課的情景。女教師微微俯身幫助女孩調試琴弦，女孩則依在女教師胸前彈撥著六弦琴。這只是一幕普通的音樂課情景，卻被畫家描繪得極富美感韻味。女教師面龐秀美清麗，身著長裙，花紋、質地被畫家描繪得十分逼真；小女孩則被描繪得天真爛漫，純真無邪，表情認真，顯得十分可愛。衣服、面部及背景的描繪，都體現出學院派畫風，但是這幅作品卻有著內在的充實。

㈥ 關於一幅美術作品賞析

這幅畫是從www.zhuoku.com上下載的（畫面右下角有網站出處），那是一個提供壁紙的網站，但是數量太多了，我找不到這畫，這幅畫應該沒有特殊的含義，單純是桌面壁紙而已

現實主義吧
要不就是社會現實主義
再不然就是超現實主義......
我覺得20世紀的美術學派就這三個符合這畫了...

㈦ 西方美術作品賞析

"只有在吉維爾尼見到克勞德·莫奈，你才能了解他，了解他的個性，他的生活情趣，他的內心世界"， 他的朋友和傳記作家古斯塔夫·熱弗魯瓦這樣寫道。1883年莫奈全家搬到吉維爾尼，這是一個位於巴黎和魯昂之間的村莊。之後，莫奈便著手建設一個花園。對於這個花園，他自己評價道："這是我最美的作品。"這里是他最後的棲身地，他在此共生活了四十三年，接待過他的朋友西斯萊、畢加索、奧古斯特·羅丹、克萊蒙梭、保羅·西涅克、皮埃爾·博納爾和卡耶博特。他們都是乘船來拜訪莫奈。莫奈的最大樂趣就是夢寐以求的"水上花園"，既為了"賞心悅目"，也為了"給繪畫提供素材"。工程進行起來很困難，因為必須得到當局同意，將流經他房子旁邊的諾曼底的艾泊特河的一條支流改道數百米。這個1893年建成的、成不規則橢圓形的"水和倒影的花園"和日本版畫中的花園很相似。這些日本版畫掛滿了他餐廳的牆壁。畫題的日文意思翻譯過來似乎應該是："飄浮世界的映象"。

一座漆成綠色的日本式的拱形木橋跨越池塘；水菖蒲、百子蓮、杜鵑花科的觀賞植物和綉球花環繞並保護著池塘。 水面上漂浮著粉紅色的睡蓮。柳樹和紫藤直瀉水面，使水的色調變得更深、更藍。直到1895年，莫奈才畫了第一張池塘和日本橋的畫。從1898年起，他又畫了些同一題材不同版本的方形的畫，其中十來幅曾在杜朗-盧埃爾畫廊舉辦的他的新作展中展出。

1901年，莫奈在他的池塘的延伸處又購置了一塊地，池塘面積因此擴大了三倍。周圍更精緻、更具裝飾性地種了竹子和日本櫻桃樹……他還安裝了一個水泥槽，以便保護異國情調的睡蓮不受水溫過熱的傷害。1903年至1909年，以睡蓮池塘為題材的畫重新出現。但是，如果人們在最初的畫中還能分辨前景、延伸和周圍景緻的話，那麼，在1904年後，漂浮在水面上的華麗的睡蓮則開始占據整個畫面。

1907年夏莫奈都在畫中對光線的處理做各種嘗試。 所有的豎畫都被"一條條長長的光束從上到下垂直穿過"，經過畫面的兩處陰暗部分，灑滿畫的下端。《睡蓮，晚間效果》一畫，在鮮黃、桔黃和硃砂色彩的烘托下，像是一團燃燒著的火。旋風般強勁的筆觸增加了火焰在睡蓮雲間扭曲上升的感覺，呈現出一片視覺的夢幻世界。這里，沒有睡蓮，只有一個個暗暗的大圓盤，其中，時有明亮的筆觸將它們凸顯出來。再也沒有空間的標志，只有被畫筆捕捉到的光和色彩。

1909年，莫奈在杜朗-盧埃爾畫廊展出他在1903-1908年間畫的48幅畫，他自己為它們取名為：《睡蓮，水景系列》 。1907年所創作的豎畫中的14幅也在其中。畫展大獲成功。展出的作品只標明日期而沒有標題。記者和文藝評論家們立即感受到這個動感和奇特世界產生的視覺效果："所有這些光彩奪目的畫流露出完美的和諧，既充滿活力，又溫柔寧靜。我們簡直看呆了。但我不無憂傷地想到這些實為一體、相互補充的動人作品即將分散各地，它們只是短時間地聚在一起給人們一個整體的概念，讓人們感受到它們抒發的全部詩情畫意。從此，人們再也不會在任何地方像我們現在這樣看見它們聚集在一起。它們將分散到世界各地，它們仍然精美，但每一幅畫只能展現出部分神秘……當然，我們更願意看到它們全部被收藏在博物館的某個展室，使人們可以去欣賞它們，去享受它們既壯美又寧靜的、無與倫比的畫面。"

㈧ 中外優秀美術作品賞析 論文

《撐陽傘的女人》Femme a l'ombrelle
作者: 克勞德 莫奈 Claude Monet

印象派是19世紀中葉歐洲藝術從現實主義向現代主義過渡的重要階段，印象派畫家以創新的姿態登上法國畫壇，其鋒芒針對陳陳相因的古典畫派和矯揉造作的浪漫主義。

以"光為畫面主角"的印象派最偉大的大師莫奈曾經畫過二幅《撐陽傘的女人》，一幅作於1875年，一幅畫於1886年。

首幅畫里的採用仰視的角度來表現畫面的人物，女人半側著身子，衣褶因為她的轉動也在旋轉，動態的呈現著這一微妙的動作，而平衡女子動作的是她手持的陽傘。
陽傘的灰綠色調與天空融合在一起把人物既與畫面結合又使人物跳出背靜那澄明的天空動感在人們眼前。畫面中的遠處的小男孩兒又拉深了畫面的層次感，不僅突出了撐陽傘的女人也把遠處的天空顯得更加高遠。
但，在印象派中"光才是畫面真正的主角"。在這幅畫中，採用原色並列、重疊和補色手法，形成新的繪畫語言。為了表現物體的動態變化和光色的斑斕絢麗、光怪陸離，畫家採用小筆觸和色調並列方法，有些顏色不再在調色板上調配，而是黃、藍並列，時而重疊，並把黃和綠、藍和橙色補互對比，使色彩在強烈視覺沖擊中產生新的和諧。
光與影正是依託於這兩個人物跳躍穿梭在人們眼簾中的。女人身後的天空如同水一般透明多變，彷彿一指就可以戳破。
陽光透過湛藍的天空灑到女人的衣裙上，正因為光影的作用，女人的上半身色調昏暗表明她處於傘的陰影之下。 微風揚起的裙袂上有莫奈最擅長捕捉的光與影——藍天的光彩、女子腳邊墨綠的草與淡黃的花朵的顏色。它們反襯在女子的裙子上，袖肘上。女子腳下順著微風傾斜的花草，彷彿可以聞到泥土與花草混合的清新氣味。
用模糊大塊的筆觸來描繪，是莫奈在繪畫技法上的一大特點。這也是印象派不注重所描繪的主題本身而注意光影的需要所產生的必然結果。在這幅畫中，我們尚且可以看出撐傘女人的外貌，但是她和她構成三角型起穩定畫面作用的兒子的面貌卻被簡化成了僅有兩個黑洞洞眼睛長相的人。
可是，也正因為這樣，我們不必糾纏在畫面的技法上而能把更多的心思花在畫面所傳遞的，清晨，母親和孩子散步的愜意及其中的微風，藍天那種恬靜美好當中。

所以印象派的勝利在於它不僅僅是開拓了一條奇路使人們耳目一新更在於它可以把畫家自身的感受記錄下來傳遞給他人。這種心靈上的震撼是其他流派所無法比擬的。
從中也可看出當時莫奈初期作品風格強調瞬間的感官色彩來搭建一座用色彩構成的絢麗的世界。突破當時束縛繪畫的古典主義，把繪畫從單純的照物寫實中解放出來，開拓了一條用眼睛捕捉"瞬間美好"的新的繪畫流派。

作於1886年的《撐陽傘的女人》和第一幅畫在構圖上相差不遠，人物在衣著上更是如出一轍。但，比起第一幅，人物處於更次要的位置，印象派很少畫人物，風景中的色彩變化才是莫奈的永恆主題。所以第二幅《撐陽傘的女人》足以看出莫奈及整個印象派的走向。

畫中大塊的墨綠和棕紅的，凝重的顏色。不再看見早期注意天空光影的糾纏和光影對人物的影響，換而之是大塊更大塊的顏色鋪成一幅畫甚至連人物本身都只是畫中顏色的一部分（上一幅中女人的尚可辨認的面目在這里徹底被簡略掉）。或者說我們可以感受到畫面里的風不再是清晨的微風而是夕陽落下的晚風，吹的人物身後的雲彩在大塊急速的運動，熾熱的陽光照在草上淹沒了女人的腳，女人上半身因為撐陽傘形成的陰影和下半身被陽光照耀彷彿要燃燒的裙子形成強烈的對比，加上飄揚的紗巾給人以視覺沖擊。
兩副幾乎同樣的以撐陽傘的女人為主題的作品，但是意境卻相差萬里。這就是印象派的核心所在——此時此刻的光和影。而光與影永遠在變，水中的浮光掠影，空中的色彩萬千，地上的花朵妖嬈。不變的是對影的捕捉對光的追隨。

這件作品是莫內早期的印象技法畫作。畫面正中偏右站著一位撐陽傘的女仕，而畫面偏左較遠處的就是她的兒子。這是一個晴天的早上，兩母子在草地上漫步。

整幅畫只用了簡單的藍、綠、棕等自然的色彩，給人一種寧靜舒適的感覺。畫中的女仕佔了畫面大部份的空間，成為畫的趣味中心。但左側的小兒子與陽傘和女仕也構成一個三角形，得到一個平衡的作用。

雖然此畫是莫內早期的作品，但也可見他已很好地捕捉光影和畫中的瞬間印象感覺。畫中女仕面部和上半身都用上較暗的色彩，表明是處於陽傘的陰影之下。而整個陽傘、面部、衣裙和草地上的陰影區，與女仕衣裙上向光一面的光影形成對比（小兒子方面也一樣），就如現實中看到的一樣。另外，女仕擺動的頭巾和長裙上的縐褶也加強了畫面的動感。

㈨ 美術作品賞析

荷蘭的蒙得里安始終想像著用最簡單的美術語言要素——直線和純色組成他的畫。他想讓他的藝術去揭示在主觀性的外形不斷變化的背後隱藏著的永恆不變的實在。他自己說：「我一步一步地排除著曲線，直到作品最後只由直線和橫線構成，形成十字形，……直線和橫線是兩相對立的力量的表現；這類對立物的平衡到處存在著，控制著一切。」他從大大小小的原色塊和矩形直角形狀的組合中尋求所謂「表裡平衡，個性和集體平衡，自然與精神、物質與意識的平衡」等。他認為這才是反映了宇宙最本質的客觀法則。人們稱他的這種抽象畫為「冷抽象」，也稱幾何風格派。《百老匯的爵士樂》是蒙德里安最著名的作品之一，也是他極少直接來自現實感受的作品之一。在這幅作品中，蒙得里安把他對紐約百老匯音樂的感受和認識用他自己的語言方式表現出來，創作出了一種視覺音樂。像銅管樂器一樣明亮的黃色線，在霓虹燈光般的紅色、藍色、灰色小點的閃爍下，呈現出一種爵士樂的節奏感。我們還能感受到紐約最繁華的百老匯夜晚的嘈雜。密如蜘蛛網的垂直和水平的線條，很容易使人聯想到百老匯街都是直角相交的道路。